Concierto AMCC-Casa de América: 250 Aniversario EEUU
FECHA: VIERNES 10 DE JULIO – 18:00 horas
Anfiteatro Gabriela Mistral, Calle Marqués del Duero, 2
Dentro de las actividades de colaboración entre la Casa de América y la Asociación Madrileña de Composiotores AMCC, se celebra un concierto con motivo del 250 aniversario de la fundación de EEUU. Se incluye un repertorio donde el Sonor Ensemble dirigido por Luis Aguirre interpreta a dos gigantes de la composición norteaericana del siglo XX, George Gerswhin y Aaron Copland, y se incluye a cuatro compositores pertenecientes a AMCC de diverso origen: la británica Katrina Penman, el cubano Flores Chaviano, la norteamericana Yvonne Freckmann, que ha escrito una obra específicamente para este concierto y que será estreno mundial, y el español Jesús Ángel León.
Más información en la web de Casa de América: https://www.casamerica.es/musica/concierto-conmemorativo-por-el-250o-aniversario-de-los-eeuu
INTÉRPRETES:
SONOR ENSEMBLE
Flauta solista invitada: Katrina Penman
Violín I, Pablo Martín
Violín II, Luminita Nenita
Viola, Paula García
Violonchelo, José María Mañero
Contrabajo, Bárbara Veiga
Piano, Sebastián Mariné
Director, Luis Aguirre
PROGRAMA:
FLORES CHAVIANO (Cuba) (1946) «Continuo» y toque de comparsa
KATRINA PENMAN (UK) (1982) To Andalusia and Beyond – (Flauta, Katrina Penman)
AARON COPLAND (USA) (1900-1990) Ukelele Serenade – (Violín, Pablo Martín; piano, Sebastián Mariné)
YVONNE FRECKMANN (USA) (1988) Indivisible* – (obra escrita por la compositora miembro de AMCC expresamente para este acto)
GEORGE GERSHWIN (USA) (1898-1937) Rhapsody in Blue – (Piano, Sebastián Mariné)
JESÚS ÁNGEL LEÓN (España) (1956) Sonor Blues
SONOR ENSEMBLE
Director musical y artístico, Luis Aguirre
Nacido como un conjunto instrumental dedicado especialmente a la música de los siglos XX y XXI, el Sonor Ensemble es uno de los grupos de cámara más afianzados en el panorama musical español y su actividad continúa estable e ininterrumpida desde hace más dos décadas, en el transcurso de las cuales ha tenido ocasión de actuar en importantes festivales y ciclos de conciertos en España y en países como Bulgaria, Finlandia, Suecia, Suiza, China, Corea del Sur, Rusia, Italia, Argentina, Francia, Islandia, Polonia, Portugal y Cuba.
El Sonor Ensemble, comprometido principalmente con la difusión de la música española, contribuye decididamente a la creación contemporánea encargando de forma continuada nuevas obras, tanto a compositores de reconocido prestigio como a otros noveles. Entre sus más de 100 estrenos se incluyen cerca de 20 encargos a diferentes compositoras, fundamentalmente españolas e hispanoamericanas.
Mantuvo durante varios años una importante labor pedagógica con la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid con actuaciones dirigidas a miles de estudiantes de dicha Comunidad. Invitado también por el Ministerio de Cultura de Argentina, el Sonor Ensemble actuó en conciertos educativos en Buenos Aires y esa labor pedagógica forma parte de la actividad de este grupo de cámara que ha grabado en diversas ocasiones para RNE, RTVE y para la Radio Nacional de Islandia, Polskie Radio, Radio Nacional Portuguesa y sellos Fundación Autor y Orpheus.
LUIS AGUIRRE, director musical y artístico
Nacido en Madrid, realiza estudios de Economía en la Universidad Autónoma, y Piano, Composición y Dirección de Orquesta en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, ampliando estudios en el Guildhall School of Music and Drama (Londres), Hochschule für Musik und Darstellende Kunst “Mozarteum” (Salzburgo) y en la Universidad de Indiana, (USA).
Fue director asistente de la Orquesta Nacional de España, director titular de la Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona y desde 2004, del Sonor Ensemble, actuando con este grupo en numerosos países de Europa, América y Asia. Más de cien obras han sido expresamente escritas para esta formación por numerosos compositores españoles y extranjeros.
Ha grabado para RNE, TV5, RTVE, Radio Nacional de Islandia, Polskie Radio, Nacional Portuguesa, sello Fundación Autor y Orpheus y ha dirigido entre otras a la New Orchestra of Boston, Bournemouth Symphony Orchestra, Solistas del Metropolitan de Nueva York, Sinfónica de Santa Fé (Argentina), Filarmónica de Jalisco (México), The Nairobi Orchestra (Kenia), Sinfónica Nacional Portuguesa, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Sinfónica de Madrid y prácticamente a la mayoría de las restantes orquestas sinfónicas españolas.
SEBASTIÁN MARINÉ
Nació en Granada (España), en 1957. Estudió Piano con R. Solís, Composición con Román Alís y Antón García Abril y Dirección de Orquesta con Isidoro García Polo y Enrique García Asensio en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde obtuvo Matrículas de Honor en todos los cursos y Premio Fin de Carrera en Piano. Al mismo tiempo, se licenció en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid.
Ha realizado conciertos tanto de piano solo como en dúo con destacadas figuras instrumentales y vocales, por toda la geografía española, además de por Europa, América y Asia.
Ha actuado como solista con las orquestas de RTVE, sinfónicas de Madrid, de Sevilla, de Baleares, de la Comunidad de Madrid, Ciudad de Granada, de Valladolid o de Asturias, bajo la batuta de directores como Sergiu Comissiona, Salvador Brotóns, Pedro Halffter, Vjekoslav Šutej, Sabas Calvillo, Víctor Pablo Pérez, Luis Remartínez o José de Udaeta, entre otros.
Ha estrenado los conciertos para piano y orquesta escritos para él de Valentín Ruiz, Rafael Cavestany y Fernando Aguirre.
Ha grabado cuatro discos con música española para saxofón y piano. También ha grabado un CD con las sonatas para piano solo y para clarinete y piano de Robert Stevenson.
Ha dirigido a la Orquesta de RTVE, Comunidad de Madrid, Sinfónica de Tenerife, Ópera Cómica de Madrid, Orquesta de Cámara Andrés Segovia, Solistas de Cámara de Madrid, Orquesta de Cámara y Coro Ars Nova, Orquesta Gaudeamus y Grupo Divertimento, entre otros.
Actualmente, es el director titular de la Orquesta de Cámara SIC y del Grupo de Música Contemporánea del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (R.C.S.M.M.).
Ha compuesto tanto ópera como música sinfónica y de cámara, y sus obras han sido estrenadas por prestigiosas orquestas y agrupaciones. Su catálogo está formado actualmente por setenta obras. También ha compuesto la banda sonora de las últimas películas del director Mario Camus. El Cuarteto Areteia ha publicado para el sello Verso un CD monográfico con su música.
Desde 1979 es profesor en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y, desde su fundación en 1991, Profesor de Armonía Aplicada en la Escuela Superior de Música Reina Sofía.
FLORES CHAVIANO
Guitarrista y compositor cubano. Desde 1981 reside en España. Ha compuesto para múltiples agrupaciones en diferentes formatos, ha estrenado obras con orquestas tales como: Orquesta Simón Bolivar de Venezuela. Orquesta Sinfónica Nacional de México D. F. Academia de Gdansk-Polonia- Orquesta del Principado de Asturias –OSPA-Orquesta de Granada, Orquesta clásica de Madrid, la ORCAM, Filarmónica de Montevideo ,Filarmónica de Stad Sibiú Rumanía Orquesta Sinfónica del Salvador, Orquesta .Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Matanzas –Cuba- Orquesta Ibérica Orquesta de cámara de Siero (Asturias), dirigidas entre otros por los maestros Josep Pons, Oliver Díaz, Francisco Savín (México) Maximiano Valdés, Damiano Tognetti, Thierry Fischer, Arthur Weisberg, Ruggero Chiesa, Alfredo Rúgeles, Juan de Udaeta , Germán Cáceres, José L. Temes, Rubén Gimeno, Manuel Paz, Javier Jacinto. Ha escrito obras por encargo del Consejo de las Artes de Canadá, CDMC del INAEM, Fundación Príncipe de Asturias, Comunidad de Madrid. Conservatorio del Nalón y RNE.
Premio 2018 de composición de la Cintas Foundation de USA, y Medalla y Diploma de honor Ignacio Cervantes por el Centro Cultural Cubano de NY: 2018.
Ha ofrecido conciertos de guitarra en Estocolmo, Sicilia, Milán, Florencia, Berlín, Dresde, Leipzig, Potsdam, Nueva York, (actuaciones en Metropolitan House), Washington (Kennedy Center) Miami, Puerto Rico, República Checa, Eslovaquia, Varsovia, Rusia, Pekín, México D.F (Teatro de Bellas Artes), La Habana, Madrid Centro de Arte Reina Sofía, Festival Internacional Manuel de Falla de Granada, Alicante, Pamplona, Oviedo y muchas ciudades de la geografía española.
Ha impartido cursos de guitarra en los Conservatorios superiores de Pekín (Cátedra Andrés Segovia) Berlín, Conservatorio Hanns Eisler, Centro Cultural Ollin Yoliztli de México D.F. Universidad de la Piedra, Puerto Rico, conservatorios superiores de Granada, Oviedo y otras ciudades de la geografía española.
Notas al programa
CONTINUO Y TOQUE DE COMPARSA
La obra fue compuesta en 2020 con motivo del 125 aniversario del nacimiento en la Habana Ernesto Lecuona, eminente pianista y el más universal de los músicos cubanos; ningún otro compositor cubano hasta hoy ha calado tan profundamente en su pueblo con su arte. Aun así, Lecuona se vio obligado a abandonar su tierra natal, acosado y perseguido por el régimen cubano. Vino a morir a España, (su otra patria) concretamente en Santa Cruz de Tenerife, tierra de su padre.
Lecuona gozó siempre del cariño y admiración de España a lo que correspondió dedicándole numerosas obras entre otras su famosa Malagueña de la suite Andalucía.
Mi obra “CONTINUO Y TOQUE DE COMPARSA” se estrenó en 2020 por Sonor Ensemble y es mi homenaje a este gran músico. Sobre el bajo “continuo” de su famosa “comparsa” para piano, revolotean alusiones y citas de algunas de sus danzas afrocubanas más famosas.
Flores Chaviano. Madrid, junio 2026
KATRINA PENMAN
Katrina Penman es una compositora y flautista británica, afincada en Valladolid. Realizó sus estudios en la Royal College of Music de Londres y en la Accademia del Teatro alla Scala de Milán. Autora de numerosas obras de música de cámara, ha recibido premios por sus composiciones de parte de la Vienna Classical Music Academy, Global Music Awards, Akademia Awards (Los Ángeles), European Classical Music Awards, entre otros. Sus obras han sido estrenadas en marcos como la Galway International Flute Festival (Suiza, 2019), Convención de Flautistas de Estados Unidos (Chicago, 2022), Convención de Flautistas de España (Málaga, 2023) y han sido interpretados en Conservatorios como la ESMUC (Barcelona), RCSMM (Madrid), Huelva, Sevilla, Córdoba, Valladolid, Segovia y Oporto, además que las Universidades de Burgos, Rio de Janeiro, Aveiro, entre otros.
Notas al programa
TO ANDALUSIA AND BEYOND
Esta obra, para flauta y cuerdas, fue creada en 2025 a partir de una versión original para flauta y piano que se publicó en 2021.
A finales del año 2016, tras su primera visita a Andalucía, la compositora estuvo conversando con la conocida flautista y docente Wendela van Swol, primera flauta de la orquesta de Córdoba, quien le animó a escribir una nueva pieza para flauta y piano.
Se inspiró en una antigua melodía andaluza encontrada en un libro escrito por Felipe Pedrell que pertenecía a su madrina, de la colección de su padre, un músico aficionado que había viajado mucho por Europa y coleccionaba partituras.
La obra contiene secciones basadas en formas musicales andaluzas, en particular la rumba y la soleá, y otras secciones con formas más libres, como la introducción a modo de cadencia para la flauta, y una nana en la parte central de la pieza.
La versión para cuerdas fue un encargo de Pilar Constancio, flauta solista del Teatro Real de Madrid, quien la estrenó en dicho teatro en la temporada de cámara del año 2025.
AARON COPLAND
Compositor y director de orquesta fundamental, considerado el «decano de los compositores estadounidenses». Nacido en Brooklyn en el seno de una familia inmigrante, se trasladó a París en los años 20 para estudiar con la legendaria Nadia Boulanger, quien fue clave en el desarrollo de su técnica.
A su regreso a Estados Unidos, Copland buscó crear un lenguaje musical que fuera distintivamente americano. Tras una etapa inicial influenciada por el jazz y el modernismo abstracto, en la década de 1930 adoptó un estilo más accesible y «populista». Este periodo dio lugar a sus obras más célebres, como los ballets «Billy the Kid», «Rodeo» y la magistral «Appalachian Spring», por la cual recibió el Premio Pulitzer en 1945.
Su música se caracteriza por el uso de armonías abiertas que evocan los vastos paisajes del oeste americano y el espíritu pionero. Composiciones como «Fanfare for the Common Man» y «Lincoln Portrait» se convirtieron en símbolos de la identidad nacional. Además de su labor sinfónica, destacó en el cine, ganando un Óscar por la banda sonora de The Heiress.
En sus últimos años, Copland se dedicó principalmente a la dirección de orquesta y a la divulgación musical a través de libros y conferencias. Falleció en Nueva York a los 90 años, dejando un legado que logró equilibrar la sofisticación de la música clásica con la sensibilidad popular, otorgando a la música de su país una voz propia y reconocible en todo el mundo.
Notas al programa
UKELELE SERENADE
La obra Ukulele Serenade para violín y piano pertenece a la producción temprana de Aaron Copland. Fue compuesta en la década de 1920, cuando Copland exploraba distintos estilos antes de consolidar su lenguaje más conocido.
La pieza refleja el interés del compositor por la música popular urbana de los Estados Unidos. Su título alude al ukelele, un instrumento asociado al entretenimiento ligero y a la música de salón de la época. Históricamente, muestra la influencia del jazz y de la canción popular en la música culta estadounidense.
La obra posee un carácter desenfadado, elegante y lleno de humor. Desde el punto de vista estilístico, combina melodías sencillas con armonías refinadas. La escritura vocal busca la claridad y una expresión directa, sin excesos dramáticos.
En comparación con las obras sinfónicas posteriores de Copland, presenta una atmósfera más íntima y ligera. Ukulele Serenade constituye un buen ejemplo de la diversidad estilística que caracterizó la trayectoria del compositor.
YVONNE FRECKMANN
Yvonne Freckmann (USA) traduce el paisaje sonoro de la vida en su música. Para ella, componer es la manera ideal para explorar sonido y crear experiencias que involucren a la mente. Freckmann creció tocando el piano y clarinete y acordeón. A menudo se inspira en otros creativos, y las colaboraciones con músicos, creadores de teatro y artistas visuales. Freckmann completó su grado superior de piano y composición en Trinity University (San Antonio, Texas), y dos másteres de composición en University of Louisville (Kentucky) y Het Koninklijk Conservatorium Den Haag (La Haya, Países Bajos) con una beca de Fulbright. Ella es socia de la AMCC (Asociación Madrileńa de Compositores) y forma parte de la junta directiva de CASA (Composers Alliance of San Antonio) y ha vivido en Alemania, los EEUU, Los Países Bajos y España.
Notas al programa
INDIVISIBLE (Indivisíble). No todos los cumpleaños son iguales, especialmente el de una nación con 250 años de historia. Esto me ha llevado a reflexionar y a recordar un verso patriótico: The Pledge of Allegiance (el Juramento a la Bandera), que se recita diariamente en los colegios. El llamamiento para una nación democrática, indivisible, con libertad y justicia para todos, son ideales que valen la pena defender en una época en la que los expertos advierten sobre el auge del autoritarismo y el deslizamiento hacia una autocracia competitiva. La esencia de la música evoca la época del primer juramento (que iba evolucionando), ya que la diversidad musical actual de la nación es imposible de plasmar en una sola pieza. Por lo tanto, el juramento está integrado rítmicamente en diferentes partes de la música. Con un llamamiento a la unidad renovada y a la humanidad compartida, te deseo un feliz cumpleaños, Lady Liberty (Estatua de la Libertad), los Estados Unidos.
«Indivisible», para quinteto de piano (dos violines, viola, violonchelo, contrabajo y piano), fue compuesta por la ocasión del concierto conmemorativo del 250 aniversario de los EE. UU. por la Casa de América en Madrid, España, y estrenada por Sonor Ensemble en julio de 2026.
“I pledge allegiance to the Flag of the United States of America, and to the republic for which it stands, one nation under God, indivisible, with liberty and justice for all.”
GEORGE GERSHWIN
George Gershwin (1898–1937) fue un compositor y pianista estadounidense fundamental. Nacido en Brooklyn, Nueva York, de padres inmigrantes, mostró un talento precoz. Inició su carrera en Tin Pan Alley como «song plugger» a los quince años. Su estilo se caracterizó por una síntesis perfecta entre el jazz y la música clásica. En 1924, alcanzó la fama mundial con el estreno de Rhapsody in Blue. Esta obra rompió barreras, elevando el jazz a las salas de concierto sinfónicas. Trabajó estrechamente con su hermano Ira Gershwin, quien escribía las letras. Juntos crearon éxitos de Broadway como Lady, Be Good! y Funny Face. Sus canciones se convirtieron en estándares del Great American Songbook. Composiciones como «I Got Rhythm» y «Summertime» son iconos culturales. En 1928, compuso el poema sinfónico Un americano en París, tras viajar a Europa. Allí conoció a maestros como Ravel y Stravinsky, quienes admiraron su genio. Su ambición culminó en 1935 con la ópera folclórica Porgy and Bess. Esta pieza es considerada una de las obras líricas más importantes de EE. UU. Gershwin también tuvo una exitosa etapa en Hollywood componiendo para el cine. Su música capturó la energía, el optimismo y la melancolía de la era moderna. Destacó por su capacidad melódica y sus innovaciones en la armonía rítmica. Falleció trágicamente a los 38 años a causa de un tumor cerebral fulminante. Su legado borró las fronteras entre la música popular y la música «culta». Hoy es recordado como el compositor que dio una voz propia a la música americana.
Notas al programa
RAPSHODY IN BLUE
La obra Rhapsody in Blue es una de las piezas más representativas de la música estadounidense del siglo XX. Fue compuesta por George Gershwin y estrenada en 1924 en un concierto organizado por Paul Whiteman. Su importancia histórica radica en haber acercado el jazz al ámbito de la música de concierto.
La obra simboliza el dinamismo y la modernidad de los Estados Unidos durante los años veinte. Uno de sus rasgos más famosos es el glissando inicial de clarinete, que se ha convertido en un icono musical.
Desde el punto de vista formal, combina elementos de la rapsodia romántica con procedimientos propios del jazz: presenta ritmos sincopados, influencias del blues y una gran riqueza melódica.
La escritura para piano destaca por su virtuosismo y por el diálogo constante con la orquesta. Gershwin fusiona lenguajes musicales populares y académicos de manera innovadora y accesible.
Por todo ello, Rhapsody in Blue sigue considerándose una obra fundamental para comprender la identidad musical estadounidense.
JESÚS ÁNGEL LEÓN
El violinista Jesús Ángel León estudió en Barcelona con Xavier Turull y, finalizada su formación académica y universitaria, se perfeccionó con Uri Pianka y con Ruggiero Ricci. Ha sido solista de la Orquesta Sinfónica de Madrid y de la Sinfónica de Euzkadi. Así mismo, ha sido miembro fundador del Cuarteto Arcana, con el que se presentó en el Teatro Real de Madrid y en la sede de la UNESCO en París en 1988. También ha sido concertino de la Orquesta Clásica de Madrid y de la Orquesta Nacional de España. Como solista, ha actuado con orquestas como «Solistes de Catalunya», Orquesta Clásica de Madrid, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Nacional de España, Orquesta de Cámara “Reina Sofía», Orquesta de la Comunidad de Madrid, «Orquestra Catalana de Cambra» etc, con directores como Cristóbal Halffter, Odón Alonso, Josep Pons, Yeruhan Scharovsky o Günther Herbig, con el que debutó como solista con la ONE en 1997. Siempre ha mantenido un firme compromiso con la música y los compositores españoles de su tiempo. Así lo acreditan los innumerables estrenos de obras españolas que protagonizó con el cuarteto Arcana y que hoy continúa con el SONOR ENSEMBLE. En 2002 se convirtió en el primer violinista español que interpretaba el Concierto nº1 para violín y orquesta de Cristóbal Halffter. Lo hizo con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León dirigida por el propio compositor.
Jesús Ángel León ha realizado numerosas grabaciones radiofónicas, discográficas y para televisión. Con el pianista Miguel Ángel Muñoz ha grabado para GYC Records obras de Manuel Valls, Xavier Montsalvatge, José Luis Turina y Antón García Abril; y para el sello «Verso», obras de Falla, Toldrá y Joaquín Turina, en trabajo ampliamente elogiado por la crítica especializada. En el 2004 estrena el concierto para violín y cuerdas «Mecánica del olvido», de Pablo Riviére, del que es dedicatario, en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante. Junto a Miguel Ángel Muñoz, realiza poco después una gira internacional, auspiciada por el CDMC y el Instituto Cervantes, que incluye la participación en las «Jornadas Mediterráneas de Música Contemporánea» de Estambul, y sendos recitales en París y en Viena. Por encargo de Josep Pons y para el Festival «América-España», realiza una orquestación de los «Sis Sonets» de Eduard Toldrà que él mismo estrena en Madrid con la Orquesta Nacional de España, y en Barcelona con la “Orquestra Catalana de Cambra”. En fecha reciente, dicha orquestación ha sido reestrenada por Birgit Kolar con la “Orquesta Ciudad de Granada”.
Desde 2016 es primer violín del SONOR ENSEMBLE. En los últimos años, su dedicación a la composición es creciente. Sus obras han sido presentadas en diversas salas españolas (Auditorio Nacional de Madrid, Auditorio 400 del Centro Reina Sofía, Auditorio de Valencia, Auditorio de Zaragoza, Auditorio de Santander) así como en diversos festivales internacionales (Festival “Paderewski” de Varsovia, Festival de Lisboa y Estoril, Festival de Música Contemporánea de La Habana). Es miembro de la Asociación de Compositores Madrileños.
