FOTOGRAFÍAS DE LA ACTUACIÓN
SERGIO BLARDONY
Madrid, 1965. Ha recibido prestigiosos galardones de composición como el Primer Premio SGAE, el Primer Premio “Ciutat de Tarragona”, ¡el Shut Up And Listen! Award (Viena), el Premio "Joaquín Turina", el certamen Laboratorio del Espacio 2016 o el New-Music Consortium 2019 de la Universidad del Sur de Florida.
Posee un extenso catálogo de más de ochenta obras, trabajando tanto la música instrumental y vocal (cámara, sinfónica, coral) como la electroacústica, con un interés especial en la relación entre música y palabra en el contexto escénico, trabajando con artistas de otras disciplinas, en especial con la poeta Pilar Martín Gila, con la que realiza gran parte de esta experimentación. De ella han nacido múltiples proyectos escénicos, obras de cámara o para ensemble y piezas sinfónicas, teniendo la electrónica una importante presencia en la mayor parte de ellas.
Su formación compositiva es inicialmente autodidacta, aunque asistió a clases de composición y análisis con compositores como Helmut Lachenmann, Luis de Pablo, Javier Darias, Enrico Fubini, Heinz-Klaus Metzger, Rainer Riehn o Carmelo Bernaola, destacando su especial relación de cuatro años con José Luis de Delás en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares.
Sus obras han sido interpretadas en países como Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Bulgaria, Canadá, Corea, Cuba, China, EEUU, España, Etiopía, Francia, Inglaterra, Irlanda, Israel, México, Nepal, Portugal, República Checa, Rusia o Uruguay, por intérpretes y grupos de la talla de Arturo Tamayo, José Ramón Encinar, Nacho de Paz, Andrés Salado, Juan José Olives, José de Eusebio, Olari Elts, Alexis Soriano, José Luis Temes, Ángel Gil Ordónez, Sebastián Mariné, Andrés Gomis, Jean-Pierre Dupuy, Mª Carmen Antequera, Patricia Rozario, Flavio Oliver, Carlos Bonell, Francisco A. García, José Mª Santandreu, Luis Fernández Castelló, Sylvie Robert, Eloy Lurueña, Trío Arbós, LIM, SIGMA Project, OCAZEnigma, Proyecto OCNOS, Vertixe Sonora, Ensemble Kuraia, Plural Ensemble, neSeg, Cosmos 21, Ensemble Télémaque, Neoars Sonora, Espai Sonor, Proyecto Guerrero, Sax-Ensemble, Ensemble Décadanse, Orquesta Nacional de España, Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Orquesta Estatal del Ermitage, Orquesta de Cadaqués…
Casi todas sus obras estrenadas han sido grabadas por distintas emisoras radiofónicas y televisiones (Radio Clásica-RNE, Catalunya Radio, RTVE-La 2, Radio France, DeutschlandFunk Köln…). Su música aparece en seis CDs y un monográfico editado por Sibila y Columna Música, y se encuentran en preparación varios más. Sus composiciones se encuentran publicadas por diversas editoriales musicales (Bèrben Edizioni Musicali, Pygmalión, EMEC-Editora de Música Española Contemporánea, Periferia Sheet Music…), siendo sus actuales editores son UME (Unión Musical Ediciones) del grupo británico multinacional Music Sales, y sobre todo, la editora francesa Babel Scores.
Entre otras iniciativas, dirige la revista Sul Ponticello y EPOS Laboratorio de creación e investigación música-palabra, codirige TRASHUMANCIAS Encuentros Interdisciplinares, y el proyecto radiofónico Doble Fondo.
DEL GESTO AL SILENCIO
Esta es una obra que trabaja sobre el Trío Op. 114 para clarinete, violonchelo y piano de Johannes Brahms, planteando dos espacios de indagación: por un lado, el gesto, la gestualidad romántica. Es decir, cómo un gesto puede evolucionar hacia un contexto totalmente diferente. Del mismo modo que si se tratara de una resonancia que va proliferando y transformando el objeto musical primario en otra cosa. Por otro, me interesa trabajar la veladura, la materia en disolución, lo que queda al margen del proceso. O si se quiere, el objeto del pasado detenido en el tiempo, observado a través de un velo translúcido que nos deja ver sólo una parte de su relieve, casi únicamente sus contornos y, por tanto, se percibe aislado y convertido en nueva e inaprensible materia. Ambos espacios de indagación se presentan en alternancia, aunque en ningún caso como elementos de contraste sino como materia que va componiendo un espacio formal específico y cohesionado.
Un apunte, a modo de reflexión
¿Por qué este interés por el contexto romántico ahora, precisamente ahora? Lo que puedo responder es que vivimos en un tiempo (o al menos así me lo parece a mí) en el que resulta interesante y, sobre todo, posible revisitar una época que en el pasado más cercano –me refiero al de las vanguardias de mediados del siglo XX- era situado, desde una perspectiva estética, en un plano de confrontación con lo que se denominó “música avanzada”. Esto suponía que cualquier afloramiento de este periodo esencial –incluso si se planteaba en un plano dialéctico- se percibiera como regresivo, como una negación de un carácter progresivo que no podía contener ningún elemento del pasado, y menos al testigo esencial de la ruptura que había supuesto la consolidación de los presupuestos de las vanguardias seriales. Después, la posmodernidad musical borró (en muchos casos de una manera un tanto burda) cualquier posibilidad de dialéctica o diálogo con el pasado, tomando éste como mero objeto susceptible de ser presentado fuera de contexto, evitando cualquier sentido teleológico o referencial. Con esta perspectiva a la espalda (aunque con toda la incertidumbre al frente), pienso que es ahora cuando el diálogo puede ser más fructífero y enriquecedor. Evidentemente, no me refiero a reivindicar una escritura próxima a ese pasado decimonónico ni a ningún tipo de propuesta “neo-”, sino a observar –ya sin los prejuicios que impone la necesidad del enfrentamiento- cómo se puede dialogar con una época que, queramos o no, todavía nos conforma en algunos aspectos. Poner en diálogo significa poner en juego, es decir, colocar en otro lugar (descontextualizar) el objeto observado para darle otra naturaleza. Esa alteración supondrá hacerlo nuestro y de nuestro tiempo.
Una última aclaración: es cierto que Brahms se puede calificar como un compositor clásico dentro del romanticismo. Sin embargo, en él creo que existe una evidente estilización del gesto. Brahms huye del patetismo para sumergirse en una forma romántica que quiere pervivir, que apela a crear bases perdurables. Por eso, para esta indagación concreta en el gesto romántico, me interesa más esta perspectiva que la de compositores cuyas ideas exploraban otros lugares, a veces atisbando ya nuevos lenguajes, sin pretender echar raíces.
HERMES LUACES
(Madrid, 1975). Realiza sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde se gradúa con el premio fin de carrera en composición, y en la Universidad Autónoma, donde se licencia en Ciencias Físicas.
Su obra ha sido interpretada en numerosos países tanto en Europa como en América y ha recibido diversos galardones nacionales e internacionales: en el año 2011 obtuvo el Premio Internacional Reina Sofía de Composición Musical por la obra para orquesta “Agujeros Negros”. En 2008, ganó el Premio del Museo George Enescu de Bucarest. En 2007 fue finalista del Premio Fundación Autor. En 2004 y 2005 obtuvo el premio del CDMC (Centro para la Difusión de la Música Contemporánea) para Jóvenes Compositores.
En su faceta de compositor ha trabajado con numerosas formaciones musicales: la orquesta de la radio-televisión española (ORTVE), la orquesta de la comunidad de Madrid (ORCAM), la orquesta sinfónica del Principado de Asturias (OSPA), la joven orquesta de Andalucía (OJA), la orquesta filarmónica de Bacau (Rumanía) y los ensembles Courtcircuit (Paris), Recherche (Friburg), Proyecto Guerrero (Madrid), Taller Sonoro (Sevilla), Grupo Instrumental de Valencia y Vortex (Ginebra), entre otros. Así como con grandes solistas de la talla de Alberto Rosado, Ignacio Torner, Mario Prisuelos, Manuel Guillén y Eloy Lurueña.
JOSÉ LUIS TURINA
Nace en Madrid en 1952. Realiza sus estudios de composición en Madrid y Roma, obteniendo en 1981 el primer premio en el Concurso Internacional de Composición "Centenario de la Orquesta del Conservatorio de Valencia" por la obra "Punto de encuentro", y en 1986 el Premio Internacional de Composición Musical "Reina Sofía", de la Fundación Ferrer Salat, por la obra "Ocnos (Música para orquesta sobre poemas de Luis Cernuda)". En 1996 recibe el Premio Nacional de Música del Ministerio de Cultura. Ha sido profesor de Armonía en los conservatorios de Cuenca y Madrid, así como de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Su catálogo está integrado por obras tanto escénicas y sinfónicas como camerísticas, vocales, corales y para instrumentos a solo, así como por un extenso apartado de carácter pedagógico. Desde febrero de 2001 ocupa el cargo de director artístico de la Joven Orquesta Nacional de España.
TÚMULO DE LA MARIPOSA
para Clarinete, Violoncello y Piano
La idea de este Túmulo de la Mariposa surge de la lectura del poema del mismo título de Francisco de Quevedo, primero de sus "Poemas líricos", cuya primera estrofa bastará, sin duda, para ponernos en antecedentes de su trasunto:
Yace pintado amante,
de amores de la luz, muerta de amores,
mariposa elegante,
que vistió rosas y voló con flores,
y codicioso el fuego de sus galas
ardió dos primaveras en sus alas.
La sugestiva imagen, tan llena de contrastes, ya sintetizados en el propio título del poema, del insecto -todo colorido- que halla su muerte al ser atrapado por la llama de una vela, sirve, en este caso, de base para una obra estrictamente musical en que, pese a ello, están descritos simbólicamente los principales elementos del poema: la alternancia entre lo lóbrego y sombrío, por un lado, y lo ligero y casi intrascendente, configuran una pieza compuesta de un único movimiento, en la que corre a cargo de las diferentes secciones el asumir los rasgos más significativos del carácter de dichos elementos.
Por consiguiente, en el "TÚMULO DE LA MARIPOSA" abundan los cambios vertiginosos de secciones de corte dramático a otras de marcado carácter scherzamte, todo ello unido a una escritura instrumental enormemente virtuosística, en la que se alterna asimismo el tratamiento convencional con numerosos pasajes en los que se explotan recursos tímbricos actuales (como la percusión directa de las cuerdas del piano con manos y con baqueta, o el tamborileo con los dedos y nudillos sobre la caja del violoncello), lo que configura una pieza de una enorme dificultad, tanto en lo que se refiere a cada parte individual, como a la labor de conjuntación, dificultada -o facilitada, según se mire- por la ausencia de indicadores de compás y de líneas divisorias en todos aquellos pasajes de carácter vivaz, cuya velocidad última ha de estar basada en las posibilidades de cada uno de los ejecutantes.
El Túmulo de la Mariposa fue compuesto en Madrid, en diciembre de 1991. La partitura está dedicada a José Ramón Encinar, y fue estrenada por el Grupo Manon en París, en marzo de 1993.
JESÚS LEGIDO
Jesús Legido González, natural de Valladolid y residente en Madrid cursa los primeros estudios de solfeo, armonía, música de cámara y piano en el Conservatorio Profesional de su ciudad natal, finalizando en 1966 con el Premio Extraordinario de Cámara y Fin de Carrera de Piano, trasladándose a Barcelona, donde continúa estudios superiores de Contrapunto, Fuga y Piano en el Conservatorio Superior Municipal de la capital Condal con los maestros Guinovart, Poch y Farré, respectivamente, finalizando en 1976 los de Composición e Instrumentación con el maestro Montsalvatge, obteniendo Mención de Honor en el Concurso a Premio Fin de Carrera que convoca el mencionado centro.
En 1977 fija su residencia en Madrid, ampliando estudios de Composición y Dirección de Orquesta con Gª abril, Alís y Gª Asensio en el Real Conservatorio Superior de Madrid, asistiendo a los cursos de técnicas de Composición Contemporánea que imparte el profesor Bernaola.
Becado por la Comisaría de Música en el Curso Internacional “Manuel de Falla” de Granada en 1981, ha sido galardonado con primeros premios de Composición en Zamora, Oviedo, Extremadura y Andalucía, así como el Nacional de órgano “Cristóbal Halffter” de Ponferrada en 1984
Con la soprano portuguesa Manuela de Sa, ha formado dúo, realizando varios recitales en Cantabria, Castilla-León, Castilla La Mancha etc. Sobre ciclos de poetas españoles con música del propio autor.
Miembro de la Junta Directiva de la Asociación de Compositores Sinfónicos Españoles (ACSE) y colaborador en el Instituto de Ciencias de la Educación de Valladolid, impartiendo seminarios y conferencias sobre música contemporánea.
En su catálogo de obra, figuran composiciones para piano, voz, coro, diferentes agrupaciones instrumentales y orquesta, habiendo recibido encargos de distintos organismos como “Las Edades del Hombre” con la composición y estreno de la “Missa solemnis” para solistas, coro, órgano y orquesta en 1995.
Tiene contrato de edición en Alpuerto, Periferia, Piles y Unión Musical Española (UME) con distintas grabaciones en Radio Nacional y TVE española.
Pertenece por oposición al Cuerpo de Profesores de Bachillerato, habiendo ejercido en Madrid, impartiendo en la actualidad Armonía en la Escuela Superior de Música “Reina Sofía” de la capital desde 1993.
REFLEJOS
Como indica su título, Reflejos es una partitura en la que todo el contenido se desenvuelve mediante reverberaciones y espejismos en persistentes movimientos contrarios entre los distintos componentes, clarinete, cello y piano, ya evidentes en el mismo comienzo de la obra.
Se estructura en pequeñas secciones contrastadas en el tempo y dinámica hasta la sección central destinada al protagonismo solo del clarinete y posteriormente el cello en una pequeña cadencia virtuosística para cada instrumento, que dará paso a la última sección en allegretto giocoso, de carácter más movido sobre notas repetidas que ascienden y descienden en persistente movimiento cromático entre todo el grupo, para finalizar sobre densos acordes del piano subrayados con el v. cello sobre los mencionados movimientos cromáticos.
IGNACIO FERRANDO
Estudia piano con Pepita Cervera, Teresina Jordà, Eugenio Nebolsin y Asya Nebolsina. Se licencia en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene) tras cursar estudios con Gabriel Erkoreka, Ramon Lazkano, Stefano Scarani, Zuriñe F. Gerenabarrena, Loic Mallié, Guillermo Lauzurika, Jesús Rueda, Ana García Urcola, José Luis Campana, Margarita Lorenzo de Reizábal y Enrique Azurza. Ha asistido a masterclasses de Mauricio Sotelo, Moritz Eggert, Ivan Fedele, Fabián Panisello, Alberto Posadas, Félix Ibarrondo, Elena Mendoza, Johannes Maria Staud, Gerard Pesson, Hans Zimmer y Christopher Young. Completa su formación artística con estudios en la Escuela de teatro Yllana. Asimismo, es Licenciado en Ingeniería Informática por la UCM y ha trabajado en la edición digital de partituras, desarrollo de software musical y plataformas de radio musical en internet y como periodista musical para Mundoclasico.
Su música ha sido interpretada en festivales como: Biennale di Venezia, Sinkro de Vitoria-Gasteiz, Musica Viva de Lisboa, Musikaste, Jornadas FAIC (Federación de Asociaciones Ibéricas de Compositores), Rompeolas, Bicentenario de la reconstrucción de San Sebastián, Aniversario del Gernika, Festival de Música Diversa, Festival de Ensembles y en auditorios como: Teatro Arsenale, Auditorio de Zaragoza, Petit Palau, Auditorio 400, Teatro Campos Elíseos, Museo San Telmo, Galería Muster-Meier de Berna, GKS de la Hochschule der Künste Bern…… Entre los galardones recibidos destacan: Premio Arraiga de la XXV edición del Premio Jóvenes Compositores de la Fundación SGAE-CNDM, ganador de la Convocatoria para jóvenes compositores PluralEnsemble 2014 y del Certamen Moondance Live, seleccionado para el XIII Taller de sonido y música para cine de la Fundación SGAE, finalista del VIII Premio de Composición Carmelo Bernaola y la distinción Biennale Musica College 2018. Asimismo, ha recibido encargos de Camille Levecque, Musikagileak, Ciklus Ensemble, UhUh Producciones, KEA, Fundación Miguel Ángel Colmenero… Su música ha sido estrenada por agrupaciones como PluralEnsemble, Espai Sonor, Cicklus, Kuraia, Xare… Como compositor y letrista escribe obras para todo tipo de formaciones desde solista, pasando por música de cámara, música vocal, gran orquesta, musical, electroacústica, pop, rock y audiovisual con electrónica en tiempo real; abarcando un amplio abanico de estilos desde el rock a la música de vanguardia, interesado en el eclecticismo como motor creativo actual. Destaca su trabajo operístico junto a Jorge Ferrando con la obra "El sueño de Dalí en una noche de Picasso" seleccionada por la Biennale de Venezia 2018 y estrenada en el 62 Festival Internacional de Música Contemporánea de Venecia y el proyecto "Los Aspirantes", ganador del "Primer Concurso de Proyecto de Creación Lírica del Teatro de la Zarzuela".
EDUARDO LORENZO
Estudia en el R.C.S.M. de Madrid y posteriormente en la Musikhochschule Köln, en Alemania. Participa y es premiado en los principales foros de creación musical (Acanthes-Ircam 2005 y 2006, Orchesterkomposition SWR 2006, XIV y XVI Premio “SGAE-Jóvenes Compositores”, I Muestra de Jóvenes Compositores del CDMC, II European Musical Creation Workshop, XI Premio Internacional Andrés Gaos, VIII Premio Internacional Luis Morondo…). Su música, de gran fuerza expresiva, se ha interpretado y grabado en Madrid, Santander (55º Festival Internacional de Música), Valencia, Bilbao, Berlín, Colonia, Estrasburgo, Montpellier, ClermontFerrand (Festival de Musiques Démesurées 2016) La Habana (XIX Festival de Música Contemporánea), México (Festival Cervantino, Guanajuato 2004).., por grupos como Orchestre National de Lorraine, Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, Orquesta Sinfónica de Galicia, Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, Proyecto Guerrero, Modus Novus, Ensemble Kuraia, Espai Sonor, o solistas de la Orquesta de RTVE y ORCAM (Ciclos de Cámara de RTVE y de la Fundación Canal). Estrena además obras videoelectróacusticas en festivales como Art Cologne 2006 y KHSM köln.
FRATERNAL
La obra está concebida en un único movimiento de aproximadamente nueve minutos, en el que se suceden diferentes estados acústicos, concebidos dentro de un ámbito de la resonancia ampliada y desarrollados en un espacio sonoro continuo. Los diferentes eventos sonoros aparecen solapados y entretejidos a modo de voces infinitas que permanecen diluidas en la memoria, y que “nacen libres e iguales en dignidad y derechos, y dotados como están de razón y conciencia, deben comportarse fraternalmente los unos con los otros”, parafraseando la Declaración Internacional de los Derechos Humanos y apoyándome en la referencia poética de Walt Whitman (en su doscientos aniversario) y de Miguel de Unamuno.
CARLOS APELLÁNIZ, Piano
Nace en Irún (Guipúzcoa). Comienza sus estudios musicales en "l'Ecole Nationale de Musique Bayonne Côte-Basque" con la pianista Françoise Doué, donde es galardonado con la Medalla de Oro. Perfecciona su formación musical en el Conservatorio Nacional Superior de Música de Paris (Villette), bajo la tutela del maestro Jacques Rouvier y Pascal Devoyon es galardonado con el Primer Premio de Piano y el Primer Premio de Música de Cámara por unanimidad. Continua su formación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Dimitri Bashkirov y Galina Eguiazarova. Así mismo ha recibido consejos de maestros de la talla de Alicia de Larrocha, Leon Fleisher, François-René Duchable, Darío de la Rosa, Emil Naoumoff, etc. Su sólida trayectoria profesional es avalada por cinco Primeros premios internacionales de Piano y una ininterrumpida actividad musical que la ha llevado a actuar en cuatro continentes: Ha actuado en España, Francia, Bélgica, Alemania, Hungría, Portugal, Reino Unido, Italia, Dinamarca, China, USA, Marruecos, Venezuela, Argentina, México, Cuba, Mozambique… como solista junto con la Orchestre Nationale de Bayonne (Francia), Orquesta de Cámara Andrés Segovia, Orquesta Pablo Sarasate (Pamplona), Orquesta de Cámara de Marsella (Francia), Grup Instrumental de València, Orquesta Filarmónica de Ciudad de México, Orquesta de Valencia, Plural Emsemble…en salas de prestigio como Palau de les arts, Palau de la Música, Auditorio Nacional, Auditori de Barcelona, Palacio de Festivales de Santander, Salle Gaveau de Paris, Teatro Colon de Buenos Aires,… Ha realizado grabaciones para Radio France, Radio Nacional de España, Euskadi Irratia, Radio Bremen, Radio Bartok (Budapest)…Recientemente ha grabado la integral de Sonatas e Interludios para Piano preparado de John Cage. ha grabado la integral para Trio de música de cámara de Leo Brouwer con el sello Fundación Autor en el SGAE así como el disco "La bella cubana" con el sello RICY Productions en Los Angeles (California USA)…con música de creación actual cubana y recientemente la integral de obras de cámara del compositor Benet Casablancas… Se produce asiduamente con diferentes grupos de Música de Cámara así como de solista en diferentes Festivales Internacionales… Es pianista solista del "Grup Instrumental de Valencia" con el que ha obtenido el Premio Nacional de Música 2005 – que otorga el Ministerio de Cultura- . LUIS FERNÁNDEZ CASTELLÓ, Clarinete
Premiado en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España y el Concurso Intercentros-Melómano, Luis Fernández desarrolla una interesante carrera como solista y músico de cámara, habiéndose presentado en numerosos festivales nacionales e internacionales como el Festival Ensems de Música Contemporánea de Valencia, el Festival de Música y Danza de Granada, la Bienal de Arte Contemporáneo del Mediterráneo (Grecia), el Festival de Música y Danza Ciudad de Úbeda o la Semana de Música Religiosa de Cuenca. En España Luis Fernández ha actuado como solista en el Auditorio Nacional, Palau de la Música Catalana, Auditorio de Zaragoza y Palau de la Música de Valencia, así como en numerosos países de Europa. Entusiasta de la música contemporánea, ha estrenado numerosas obras, muchas de ellas dedicadas expresamente a él, además de haber trabajado con los compositores Francisco Coll, Leonardo Balada, José María Sánchez-Verdú o Luca Francesconi y con grupos como Grup Instrumental de Valencia. Entre sus registros cabe mencionar los realizados para RNE, Catalunya Ràdio o los sellos Transópera, IVM y PrimTON. Su experiencia orquestal es amplia como miembro de la Joven Orquesta Nacional de España. Ha colaborado con la Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Madrid y Orquesta Valencia habiendo sido dirigido por Jesús López Cobos, Miguel Harth-Bedoya, Christian Zacharias, Eliahu Inbal, Gustavo Dudamel, Zubin Mehta o Vladimir Fedoseyev. Se graduó en el Conservatorio Superior de Valencia con José Cerveró y Máster en Interpretación con Wenzel Fuchs, Fabrizio Meloni, François Benda y Joan Enric Lluna. Cabe destacar también en su formación artística personalidades como Eduard Brunner, Cristo Barrios, José Luis García Asensio o Lorenzo Coppola. Luis Fernández es artista exclusivo Henri Selmar-París y Vandoren-París. DAVID APELLÁNIZ, Violonchelo
Formado musicalmente en Francia por el maestro Jacques Doué. Alumno durante su formación superior del maestro Frans Helmerson en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Ha recibido los consejos N. Gutman, D. Geringas, B. Pergamenchikov, B. Greenhouse, P. Müller, Trio Beaux Arts, Cuarteto Hagen y Cuarteto Italiano. La persona que mas decisivamente ha influido en su relación con la música es el maestro Xavier Gagnepain, reputadísimo músico francés. Actúa como solista con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Gulbenkian de Lisboa, Orquesta de Extremadura, Ensemble Nacional de Lyon, Orquesta de Córdoba, Orquesta Nacional de Honduras, Orquesta Sinfónica de Valencia, Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, Orquesta Sinfónica de Barcelona, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Orquesta Sinfónica de Gijón, Orquesta Filarmónica de Málaga, etc. en los mas importantes Ciclos y Salas, como el Festival de Salzburgo, Festival de Lyon y Nice, Konzerthaus(Berlín), Festival “a Tempo” (Caracas), Auditorio Nacional de Madrid, Teatro Maestranza (Sevilla), Palau de la Música Catalana, Festival Internacional de Granada, Palacio de Festivales (Santander), Quincena Musical Donostiarra, etc. Ha relizado más de 15 grabaciones como solista, de entre las que cabría destacar su reciente grabacíon de la integral de la música de cámara M. Ravel y la integral de los trios de J. Turina como miembro del prestigioso Arriaga Piano Trio, para sellos como Naxos, Sony, Col-legno, Neos, Verso, RNE, etc. Acogidas todas ellas por revistas como Scherzo, Ritmo, Melomano y las internacionales BBC Magazine y Fanfare como trabajos de excelente sello artístico. La prestigiosa revista “gramophone” destaca su reciente intervención en su último registro para Naxos como sobresaliente revelación. Es requerido regularmente por formaciones profesionales nacionales para el puesto de violonchelo solista como la Orquesta de Valencia, la Orquesta Sinfónica de Navarra o la Orquesta de Cadaqués. Actua regularmente con prestigiosos músicos y formaciones camerísticas nacionales e internacionales como Cuarteto Casals, N. Chumachenco, G. Causse, Rainer Schmith (Cuarteto Hagen), A. Meunier, P. Halffter, D. Masson, Paul MCCreesh, C. Apellániz, A.L. Castaño, J. L. Gallego, A. Rosado, J. Torre, A. Sukerlan, M. Borrego, Cuarteto Bacarisse, J. Puchades, Ashan Pillai, J. M. Román, etc. Es violonchelo solista de la Orquesta de Cámara Reina Sofía. |