ALEJANDRO GÓMEZ PAREJA
El violonchelista español Alejandro Gómez Pareja ha actuado como solista con la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, la Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim, l’Orchestre de Caen y la Mid-Atlantic Symphony Orchestra. Entre sus reconocimientos destacan el primer premio en el Concurso Internacional Joël Klepal, el segundo premio del Galardón Internacional de Violonchelo Pau Casals y del Elizabeth Loker International Concerto Competition, así como el Len Lickorish Memorial Prize en el Royal Over-Seas League International Competition. Como músico de cámara ha colaborado con artistas como Midori Goto, Vivian Weilerstein, Nicholas Mann, Anthony Marwood, Natasha Brofsky, Marta Gulyás, Alena Baeva, Marc Coppey, John Myerscough, Krzysztof Chorzelski (cuarteto Belcea) y Jonathan Brown (cuarteto Casals).
Más allá de los escenarios, Alejandro participa activamente en proyectos que exploran tanto la dimensión social de la música como el repertorio contemporáneo. Ha participado en diversos proyectos sociales como Musethica, ICEP en España, Alemania, Laos y Japón, con el objetivo de llevar música en vivo a comunidades en riesgo de exclusión social. Graduado de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, donde estudió con Jens Peter Maintz, actualmente cursa un máster en la Royal Academy of Music de Londres con John Myerscough.
RAFAEL BLÁZQUEZ SÁNCHEZ
Nace en Madrid en 1969. Es compositor y músico multinstrumentista (saxofón, guitarra, instrumentos de púa y dulzaina).
Realizó los estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Madrid, obteniendo el título superior de Composición y el Master de Nuevas tecnologías de la Música Actual: Creación e Interpretación.
Ha recibido el premio de composición Flora Prieto 2020.
Fue miembro fundador del grupo de composición TALEA con el que realizó numerosos estrenos en festivales de música contemporánea, como el Festival de Tres Cantos, XIX Festival de música contemporánea de la Habana, Teatro Albéniz, etc.
Ha estudiado composición con Luis de Pablo, Manuel Seco de Arpe, Jesus Rueda y José María Sánchez-Verdú electroacústica con Eneko Vadillo y Julián Ávila Sausor, análisis con Enrique Igoa y Manuel Ariza, armonía y contrapunto con Vicente Sempere, Alicia Díaz, y Lourdes Melero y Audiovisuales con Alejandro Román.
Actualmente es socio de la AMCC (Asociación Madrileña de Compositores). Compagina su labor de composición con la pedagógica, impartiendo clases como profesor de guitarra e instrumentos de púa.
web: http://www.rafaelblazquez.es/
GEOMETRÍA DEL ECO
Geometría del eco se construye a partir de una lógica de crecimiento inspirada en la naturaleza. Como un árbol que desarrolla ramas y hojas a partir de un mismo tronco, la obra parte de pequeñas células sonoras que se multiplican y transforman, manteniendo una unidad común sin repetirse nunca de forma idéntica.
En el violonchelo solo, cada gesto nace de otro anterior: cambia de registro, de ritmo, de articulación o de color, y deja tras de sí una resonancia. El eco se convierte así en memoria viva del sonido.
THOMAS DEMENGA
Nacido en Berna, es un solista, compositor y pedagogo de renombre internacional, considerado uno de los violonchelistas y músicos más destacados de nuestro tiempo. Ha actuado en los festivales y centros musicales más importantes del mundo y ha ofrecido numerosos conciertos junto a músicos de la talla de Heinz Holliger, Gidon Kremer, Thomas Larcher, Hansheinz Schneeberger, Tabea Zimmermann y Paul Meyer. Ha actuado como solista con orquestas de prestigio como la Berliner Sinfonie-Orchester, la Boston Symphony Orchestra, L’Orchestre de la Suisse Romande, la ORF-Symphonieorchester Wien, la Tonhalle-Orchester Zürich y la Zürcher Kammerorchester. Su trayectoria se caracteriza por una profunda exploración de diversas épocas históricas y estilos de interpretación y composición. La improvisación y la nueva música son aspectos fundamentales de su labor artística; ha desarrollado una voz propia como compositor e intérprete de música de los siglos XX y XXI. Ejerce la docencia en la Hochschule für Musik de Basilea. Fue «Artiste étoile» en el Festival de Lucerna en el verano de 2003. Es director artístico del Festival de Davos («Young Artists in Concert») desde agosto de 2001. Su obra artística cuenta con un impresionante testimonio discográfico a través de una serie de álbumes publicados por ECM New Series.
JORGE DÍAZ
Jorge Díaz es licenciado en Música de la Universidad Experimental de las Artes de Caracas y Maestro Compositor en la Cátedra Latinoamericana de Composición del Conservatorio de Música Simón Bolívar. En 2014 obtiene Mención honorifica en el IV concurso de Composición Universidad Simón Bolívar, obra estrenada en el XVIII Festival Latinoamericano de Música. En 2020 obtiene el tercer lugar del concurso de composición organizado por El sistema y la ONU Componiendo tu Futuro, el mismo año obtiene el tercer lugar en el primer concurso Internacional del Cayambis Institute for Latin American Studies in Music con su obra Cuatro piezas para insectos publicada por Cayambis Music Press. En 2021 forma parte de la XX promoción de la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores de Córdoba (España).
IGNACIO FERRANDO
Estudia piano con Pepita Cervera, Teresina Jordà, Eugenio Nebolsin y Asya Nebolsina. Se licencia en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene), donde estudia composición con Gabriel Erkoreka y Ramon Lazkano. Obtiene el Máster en Composición Musical con Nuevas Tecnologías por la Universidad Internacional de La Rioja y actualmente realiza estudios de doctorado en Música y Artes Escénicas en la Universidad Autónoma de Madrid.
Ha asistido a clases magistrales con destacados compositores como Mauricio Sotelo, Moritz Eggert, Ivan Fedele, Fabián Panisello, Alberto Posadas, Félix Ibarrondo, Elena Mendoza, Johannes Maria Staud, Gerard Pesson, Christopher Young y Oscar Bianchi. Completa su formación artística con estudios en la Escuela de Teatro Yllana y con el dramaturgo Giuliano Corti. Asimismo, es licenciado en Ingeniería Informática por la Universidad Complutense de Madrid y ha colaborado como periodista musical para Mundoclasico.
Como compositor y letrista, ha escrito obras para formaciones muy diversas —desde piezas solistas hasta gran orquesta, pasando por música de cámara, vocal, musical, electroacústica, pop, rock y audiovisual con electrónica en tiempo real—, abarcando un amplio espectro estilístico, desde el rock hasta la música de vanguardia, con un marcado interés por el eclecticismo como motor creativo contemporáneo.
Destaca especialmente su trabajo en el ámbito de la ópera y el teatro junto a Jorge Ferrando, con obras como El sueño de Dalí en una noche de Picasso, galardonada en la Biennale di Venezia 2018; Los aspirantes, obra ganadora del Primer Concurso de Proyecto de Creación Lírica del Teatro de la Zarzuela; Whisky a Kepler, ganadora del 1st Competition – International Residence for the Musical Theatre of the XXI Century (Opera Factor); y Whisky en Kepler: refugiados en el espacio, ganadora de la convocatoria Green Stage 2024-2025 de la Fundación EDP – Escuela de Música Reina Sofía.
Entre los premios recibidos en el ámbito instrumental destacan el Premio Arriaga en la XXV edición del Premio Jóvenes Compositores de la Fundación SGAE-CNDM, la convocatoria para jóvenes compositores Plural Ensemble 2014, el Certamen Moondance Live, así como haber sido finalista del VIII Premio de Composición Carmelo Bernaola.
Actualmente es profesor de Fundamentos de Composición Electroacústica en el Conservatorio Superior de Música de Aragón y de Instrumentación y Orquestación en la Universitat Digital Europea.
DEGRADADOS
Degradados es una obra para violonchelo y electrónica que explora el concepto de la degradación desde una perspectiva artística y creativa. Entendida como erosión, desgaste o transformación de un material, la degradación se traslada aquí al ámbito sonoro, donde el discurso musical se ve progresivamente alterado y redefinido.
En este proceso, la electrónica desempeña un papel esencial: lejos de limitarse a deteriorar o reducir el material original, amplía su universo tímbrico y abre nuevas posibilidades de escucha. La obra plantea así una reflexión sobre la propia naturaleza de la degradación, cuestionando si, en el contexto artístico, este proceso implica necesariamente una pérdida o si, por el contrario, puede convertirse en una forma de enriquecimiento y transformación creativa
CARLOS HERNÁNDEZ SÁNCHEZ
Salmantino. Afincado en Madrid. Tanto su formación como su carrera profesional discurren en torno a tres pilares fundamentales: la música, las relaciones entre el arte y la tecnología y la educación. Coordina grabaciones y producciones musicales en los estudios Gabazero (Madrid). Desde el año 2025 trabaja además como redactor musical en Radio Clásica (RNE).
Ingeniero Industrial en la especialidad de Automática y Electrónica, Graduado en Música y Máster en Tecnologías para la Composición de Bandas Sonoras y Música para Videojuegos. Estudia composición, orquestación y armonía moderna con el compositor Ramón Paus y se forma en otras materias participando en talleres y cursos con músicos como Hebe Onesti, Lulo Pérez o Jennifer Batten entre otros muchos.
Como compositor, en el terreno de la música clásica contemporánea, destaca su variado catálogo de obras de cámara. Miembro de la Asociación Madrileña de Compositores (AMCC) y habitualmente programado en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid (COMA). Sus obras han sido interpretadas y grabadas por conjuntos de cámara como Globo Ensemble o 4Sonora y por solistas como Rocío Gómez, Gala Kossakowski, Iván García Redondo o Alberto Villaescusa.
En el ámbito de las músicas populares y urbanas cuenta con una extensa y ecléctica trayectoria en la que ha trabajado con numerosas bandas como intérprete, compositor y arreglista: Time Symmetry, OKAPI Project, Born to Run: la música de Bruce Springsteen, Trinidad Jiménez Electric 4tet, Solfamidas, Big Band del Conservatorio Rodolfo Halffter…
Ha producido, compuesto e interpretado música en muy diversos estilos y para distintos medios: piezas audiovisuales, espectáculos de danza, contenidos infantiles, sintonías radiofónicas, arreglos y dirección de big bands… Colabora habitualmente con la Revista Mirlo poniendo música a sus fotografías y contenidos literarios.
En otros campos como el arte sonoro y el new media art explora las sinergias entre arte y tecnología formando parte del equipo técnico del artista Arturo Moya Villén y colaborando puntualmente con artistas internacionales como Ting Zhang. Piezas exhibidas en Pinta Miami, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, JustMAD…
LUIS NAVARRO VALCÁRCEL
Compositor y docente afincado en Madrid, especializado en músicas actuales e interesado en la confluencia entre instrumentos acústicos y medios tecnológicos, con especial atención a la voz.
Realiza sus estudios superiores de música en el Conservatorio Superior de Música de València, formándose con los maestros Andrés Valero-Castells, Tomás Gilabert y Enrique Sanz Burguete. Posteriormente cursa estudios de posgrado en el Conservatorio Superior de Aragón (CSMA), donde se perfecciona con el maestro José María Sánchez-Verdú. Paralelamente, estudia Filología Alemana en la Universitat de València y Dirección de Orquesta en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM).
Completa el Máster en Nuevas Tecnologías de la Música Actual en el RCSMM, bajo la tutela de la Dra. Michèle Dufour, y recibe formación adicional de destacadas figuras del panorama musical como José María Sánchez-Verdú, Alejandro Román, Alicia Díaz de la Fuente, Fernando Villanueva y Julián Ávila. Amplía su formación con compositores de reconocido prestigio nacional e internacional como Beat Furrer, Mauricio Sotelo, Stefano Gervasoni, Luis de Pablo, Alberto Posadas, Agustín Charles y Leonardo Balada.
Ha sido galardonado con el Primer Premio en el XXIV Concurso Internacional de Composición Coral «Juan Bautista Comes» (2010) por su obra Laudate Dominum, para doble coro y solistas, y recibió una Mención de Honor en el Japan International Choral Composition Competition (2023) por Haiku, para coro mixto. En 2025 es seleccionado para participar en el II Obradoiro de Composición auspiciado por la Real Filharmonía de Galicia, dentro del marco del Festival de Música Contemporánea RESIS, con la obra «De espacios y gentes (ii)», dirigida por el maestro Jordi Francés.
Ha llevado a cabo una asidua labor colaborativa en contextos interdisciplinares, trabajando junto a reconocidos intérpretes y creadores como Abel Sánchez-Aguilera, Rebeca Santiago y el Ensemble Teatro del Arte Sonoro, así como con Sara Sabag, José Madrid Giordano y Jaume Vidal.
Ejerce la docencia en diversos centros, como el Conservatorio Superior de Castilla-La Mancha —donde colaboró en la creación de la revista de investigación musical ConSonancias— y la Escuela Universitaria de Artes TAI. Actualmente es profesor de Fundamentos de Composición en el Conservatorio Federico Moreno-Torroba, en Madrid y, desde 2022, pertenece a la Asociación Madrileña de Compositores y Compositoras (AMCC).
UMBRALES IMAGINADOS, para violoncello solo
El umbral es la zona de transición entre dos espacios, entre dos estados. Es un límite difuso. Un espacio indefinido donde las posibilidades aparentan su máximo potencial antes de transformarse.
La música es el drama del sonido que se manifiesta en los umbrales. El sonido, el silencio, el movimiento, la performance, habitan en el tránsito mismo. Los límites entre el gesto y el sonido se difuminan. Incluso desaparecen.
Como sucede en los rituales de paso en las sociedades humanas, el gesto y el sonido viven en un espacio liminal, donde ya han dejado de pertenecer a un estado original e íntegro, pero en el que todavía no pertenecen al nuevo estado.
Umbrales imaginados (2017/2026) se mueve en ese espacio liminal de la interpretación musical y de la percepción auditiva. Un espacio acústico que acepta la incertidumbre y la cultiva.
ADOLFO NÚÑEZ
Nació en Madrid (1954), compone para una variedad de medios (concierto, música grabada, audiovisual, etc.) pero se interesa especialmente en ampliar la música instrumental mediante la electroacústica. Prefiere el clasicismo al romanticismo y le fascinan la coherencia y la economía de medios, establecidas mediante esquemas temporales muy claros y dinámicos. No concibe sus obras en términos de tensión o relajación, sino mediante procesos que llevan el contenido musical desde un punto a otro. Y a lo largo de estos viajes musicales se generan nuevos materiales y relaciones. Algunas de sus piezas exploran el humor, ya que considera que es una de las características más importantes del ser humano.
Titulado superior en Composición, Guitarra e Ingeniería Industrial, estudió con los compositores Guerrero, Bernaola, Alís, García Abril, Ferneyhough y de Pablo; así como Computer Music en el CCRMA (Stanford University) con Chowning. Premios: Polifonía, Paul&Hanna (EE.UU.), Musica Nova’95 (R. Checa), SGAE, etc. Encargos: Orquesta Nacional de España, IIMEB (Bourges), Musica/Realtá (Milán), INA-GRM (París), Plural Ensemble, Radio Nacional de España, Comunidad de Madrid, Fundación Canal, Mixtur. Doctorado por la Universidad Autónoma de Madrid, es docente en ésta, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Centro Superior Katarina Gurska. Escribió Informática y Electrónica Musical (Paraninfo) y fue director del LIEM-CDMC (Madrid). (www.adolfonunez.com).
DOLE para violonchelo solo
Se plantea como una breve composición, para violonchelo solo, realizada con pocos elementos que tienen un carácter unificado entre sí. La aparición temporal de uno u otro elemento se decide a partir de una planificación o esquema general, que no obstante permite ciertos márgenes de libertad de escritura.
La elección del instrumento ha sido propiciada por las connotaciones que tiene el violonchelo para el autor, en especial su tendencia a la expresión de emociones tristes y melancólicas, y de aquí se deriva el título. Sin embargo, la pieza es abstracta y no trata de expresar nada extra musical.
Dedicada al violonchelista Oswaldo Ovejero, fue compuesta en Arezzo (Italia) en 1981 durante la asistencia del autor a un curso impartido por Brian Ferneyhough, maestro del que quizás se aprecie su influencia en esta pieza.