06NOV

DO 12:00

Auditorio CentroCentro

[Inter\Ciclo] Austria

AERDUO

Maria Mogas Gensana, acordeón; Patricia Coronel Avilés, saxofones

OLGA NEUWIRTH (1968)                               Spleen III (1999/2001)

FELIZ ANNE REYES MACAHIS (1987)             Lutang (2017/2018)

JOAN GÓMEZ ALEMANY (1990)                    Les fleurs du mal (2021)

KLAUS LANG (1971)                                        Cantica christinae II – confluents* (2022)

 

SOBRE EL CONCIERTO

Spleen del francés, spleen representa el estado de melancolía, sin causa definida, o de angustia vital de una persona. El término popularizado por Baudelaire, provenía de una errónea creencia desde la antigua Grecia, en la que creían que el buzo (splēn) estaba asociado a la melancolía. Bajo este título, presentamos un programa hilado a través de obras inspiradas en letras del escritor francés Baudelaire (Neuwirth, Gómez Alemany), obras que involucran un sentimiento profundo incluso entre la relación entre el instrumento y la voz (Reyes Macahis) y dos estrenos de compositores austríacos.

OLGA NEUWIRTH

Olga Neuwirth ( Graz, 1968) comenzó a tocar la trompeta a los siete años. Estudió composición en la Escuela de Música y Artes de Viena entre 1987 y 1993, en la clase de Erich Urbanner y en el Instituto Electroacústico de Música. En 1985, Neuwirth continuó sus estudios en el Conservatorio de Música de San Francisco (con Elinor Armer) y en el San Francisco Art College (Pintura y Cine). El contacto que tuvo con Adriana Hölszky, Tristan Murail y Luigi Nono supuso un importante impulso para su carrera.
Invitada del DAAD de Berlín en 1996, Olga Neuwirth fue objeto de dos conciertos monográficos en el Festival de Salzburgo en 1998. Al año siguiente recibió el Premio de Promoción de la Fundación Ernst von Siemens de Múnich y el Premio Hindemith de la Festival de Schleswig-Holstein. El estreno de su primera ópera, Bählam’s Feast, tuvo lugar en el Vienna Festwochen en 1999; Neuwirth recibió el Premio Ernst Krenek por este trabajo.
En 2000 se estrenó en Londres Clinamen/Nodus, escrita para Pierre Boulez y la Orquesta Sinfónica de Londres; Posteriormente siguió una gira mundial, estando disponible en CD. Fue Compositora en Residencia, junto con Pierre Boulez, en el Festival de Lucerna en
2002.
En 2006, Olga Neuwirth fue elegida miembro de la Academia de las Artes de Berlín. Ese mismo año se estrenó en el Festival de Salzburgo el concierto para trompeta “…miramondo múltiple…”, para la Filarmónica de Viena bajo la dirección de Pierre Boulez y con el solista Håkan Hardenberger.
En 2022 fue premiada con el prestigioso premio Ernest von Siemens Music Prize, así como el Grawemeyer Award Music Prize por su ópera “Orlando”.
http://www.olganeuwirth.com/news.php

SPLEEN III (1999/2001)
Es la tercera de una serie de obras para instrumentos graves a solo, de la compositora austríaca Olga Neuwirth. En todas ella, exporta la virtuosidad del instrumento por todo el registro sonoro a través de técnicas extendidas para reflejar el espíritu de los poemas “Le fleurs du mal” del escritor francés Baudelaire.

JOAN GÓMEZ ALEMANY

(1990, Valencia) estudió composición con Clemens Gadenstätter enla Kunst Universität Graz (KUG) y anteriormente con Oliver Rappoport en el Conservatoriodel Liceu. También es graduado en piano por el Conservatorio del Liceu y licenciado enBellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (UPV), especializándose en cine ypintura. Recibió clases privadas con los compositores Mark Andre, Pierluigi Billone, RaphaëlCendo, Brian Ferneyhough, Ashley Fure, Wolfgang Heiniger, Dmitri Kourliandski, MichaelMaierhof, Hèctor Parra, Alberto Posadas, Stefan Prins, Yann Robin, Jorge Sánchez-Chiong,Rebecca Saunders, Mauricio Sotelo, etc.Su música se tocó y estrenó en festivales como Darmstädter Ferienkurse, Impuls,

Manifeste-IRCAM, Archipel, reMusik, Ensems, Mixtur, Barcelona Modern Festival, etc. Sutrabajo fue interpretado por orquestas como la SWR dirigida por Gregor A. Mayrhofer, Ose!Orquesta Sinfónica dirigida por Daniel Kawka y la JOGV (Jove Orquestra de la GeneralitatValenciana) dirigida por Pablo Rus Broseta. Y ensembles como Ensemble Nikel, EnsembleMultilatérale, Ensemble Adapter, Schallfed Ensemble, Szene Intrumental, IEMA(International Ensemble Modern Academy), Container Ensemble, PARCOURS, BCN216,etc. Su música fue lanzada por el sello discográfico Liquen Records y transmitida por lasradios de la SWR, ÖRF, À Punt Ràdio València, UNDAE Radio Círculo de Bellas Artes yUniversos Paralelos.Joan Gómez Alemany compagina la creación musical junto con la creación cinematográficay las artes visuales en continuo diálogo y borramiento de las disciplinas. Ha realizado cursosde cine con directores como Pedro Costa, Víctor Erice y Miguel Ángel Baixauli, comotambién de crítica y teoría del cine con Juan Miguel Company, Javier Moral, Carlos F.Heredero, Ángel Quintana, Vicente Ponce entre otros. Ha realizado numerososcortometrajes y estrenó recientemente su primer largometraje «De rerum natura» en la UPV.

Su segundo largometraje «Temps i espai. Un dia s’eleva 2018-2020» en colaboración con elpintor Josep-Marí Gómez Lozano será estrenada próximamente en la Filmoteca de Valenciaen colaboración con la Sala de exposiciones del Ayuntamiento de Valencia. Ha realizado suprimera exposición individual con partituras gráficas, vídeos y fotografías titulada «Entre lovisual y lo sonoro. Reapropiación de la materia y el material » en la Fundación la Posta. Suobra se ha podido ver y escuchar en museos como el Georges Pompidou, IVAM, Centre delCarme Cultura Contemporània, etc. Entre sus proyectos interdisciplinares más recientescabe destacar la colaboración del proyecto-grabación discográfica «Interaccions sonores»con Josep Lluís Galiana para saxofón y electrónica, que explora los límites entreimprovisación, composición, sonido acústico y sonido electrónico.En 2022 estrenó su primera ópera de cámara donde combinó de forma interdisciplinarmúsica, vídeo, escenografía, electrónica y siendo estrenada en la Ópera de Graz. (*JoanGómez Alemany)

https://soundcloud.com/joan-g-mez

LES FLEURS DU MAL (2021)

Casualidad o no, esta composición se empezó a escribir justo al terminar de leer por segunda vez Las flores del mal de Baudelaire (la primera vez fue en 2013). Este largo poemario y magna obra que fue desarrollada por el autor durante un largo período de tiempo, condiciona en varios aspectos esta composición. No es baladí la descabellada comparación entre el poema y la composición inspirada por este. Hay un absurdo y fuerte desequilibro entre un texto escrito durante varios años, que resume todo un «credo e ideal» del autor; frente a una «modesta y sencilla» composición dentro del género de cámara, para dos instrumentos (como dos son un libro y un lector), pensada y escrita a lo largo de dos meses. Su partitura se terminó de escribir en el retrogradable 21-03-2021 (es verdad, aunque parezca ficción). Esta tensa y fracturada comparación, «se puede escuchar en los sonidos de las obras». En música, el uso de poemas suele ser casi siempre para voz (canción-lied, ópera, oratorio, etc.). Sin este instrumento, el poema resulta imposible de explicitarse. Que aquí no exista la voz, ha sido una estrategia conscientemente meditada y la forma en que los poemas son citados, es múltiple y compleja. El poema a su vez inspira y limita lo sonoro, pero también lo sonoro elige a posteriori con qué poema puede relacionarse. La composición camerística se escribe como contradicción, resultando ser como una especie de ópera sin libreto ni orquesta, o una canción sin voz ni piano. No sólo se cita a Baudelaire, sino también algunos destacados compositores (Berg, Fauré, Debussy y Caplet) que han hecho uso de sus poemas (citando tanto su música, como sus poemas citados). Pero a diferencia de ellos, que recurren a la voz musicalizando poemas enteros de Las flores del mal, en el caso de mi obra, la fragmentación y disolución tanto de los poemas, como de las citas de los compositores que lo citan, ha sido un recurso principal para crear esta composición. Redes que se tejen en forma de espiral entre los diferentes elementos utilizados, gracias a la idea de la cita, es lo que propicia a su vez otra idea muy presente en la composición. La construcción circular, simétrica y retrogradable. Ésta viene inspirada por el propio Baudelaire, quien utiliza estructuras muy organizadas, como el pantoum en el poema Armonía de la tarde.

FELIZ ANNE REYES MACAHIS

(n. 1987 en Rizal, Filipinas) estudió composición con Jonas Baes, Kamran Ince, Oliver Schneller, Joachim Heintz y recientemente completó su posgrado con Beat Furrer en la Universität für Musik und darstellende Kunst Graz. Basada en Graz, está actualmente realizando los estudios de doctorado en la misma universidad. Recibió el Niedersachsen Kompositionsstipendium 2016, que también le dio la oportunidad de ser una de las artistas residentes en Martin-Kausche-Ateliers, Künstlerhäuser Worpswede. Sus premios recientes incluyen un segundo premio de {Raum::Klang} Wettbewerb Interaktive Klänge für 3D-Labor de I2audiolab, Hochschule für Angewandte Wissenschaften Hamburg por su mediación de instalación de sonido interactivo para Wave Field Synthesis System y Advanced real-time tracking (con gafas pasivas target & tree target), y una comisión para escribir una ópera de 30 minutos como ganador del Internationaler Kompositionswettbewerb NEUE SZENEN IV der Deutschen Oper Berlin. Cuenta con el apoyo de Styria-Artist-in-Residence y KulturKontakt Austria para la residencia de compositores de este año en Graz y Viena, y de l’Association des Amis de Royaumont para su participación en Royaumont l’Académie Voix Nouvelles.

Sus obras instrumentales se presentaron en KunstFestSpiele Herrenhausen (Hannover), Mise-en Festival (Nueva York), Divertimento Ensemble International Workshop for Young Composers (Bobbio), Internationale Katarzyna Myćka Marimba Academie (Hannover), Etchings Festival (Auvillar), Duong Dai Festival (Ho Chi Minh), Asian Composers League Contemporary Music Festival (Bangkok), Manila Composers Lab (Quezon City), NEXT GENERATION: programa para estudiantes de música y composición de Donaueschingen Musiktage (Trossingen), Pasimusic Festival (Kuopio), y en el 6º Festival de Música China-ASEAN (Nanning), en cooperación con conjuntos como Ensemble Mosaik, Divertimento Ensemble, East Coast Contemporary Ensemble, Ensemble Schwerpunkt, MikroEnsemble, Chambre d’écoute, Ripieno Ensemble y Ensemble Aventure. Sus instalaciones interactivas se presentaron en espacios como Kulturzentrum Faust, Sprengel Museum, esc medien kunst labor, Kunstraum Tosterglope y Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM). Recibió becas y encargos de la Fundación Musica AntiquaNova (Argentina), Manila Composers Lab, financiado por Ernst von Siemens Musikstiftung, Conseil des Arts et des Lettres du Québec, Conseil des Arts du Canada y Hannoversche Gesellschaft für Neue Musik.

En 2021 recibió Startstipendium, del Ministerio Federal de Arte, Cultura, Servicios Públicos y Deportes (BMKOES) Austria

https://www.felizmacahis.com

LUTANG (2017/2018)

La obra de la joven compositora filipina basada en Graz (Austria) se centra en el uso y la experimentación de la voz. La palabra lutang significa en filipino flotar, fluir o a la deriva – dependiendo dónde se ponga el acento en la palabra. La obra es una exploración a través de la voz de la propia compositora, la voz del acordeonista y su posible conexión y flujo natural hacia y desde el sonido del instrumento.

KLAUS LANG

(*1971 Graz / Austria) vive en Steirisch Lassnitz (Austria). Estudió composición y teoría de la música (con H.M. Preßl, B. Furrer e Y. Pagh-Paan) y órgano. A Klaus Lang le encanta el té y le disgustan las cortadoras de césped y Richard Wagner. La música de Klaus Lang no es un medio para transmitir contenidos extramusicales, como emociones, ideas filosóficas o religiosas, propaganda política, publicidad, etc. Su música no es un lenguaje utilizado para comunicar contenidos no musicales. La música es vista como un objeto acústico libre y autónomo. En su trabajo no utiliza el sonido, se explora el sonido y se le da la oportunidad de desplegar sus ricas bellezas inherentes. Sólo cuando el sonido es solo sonido, es perceptible como lo que realmente es: un fenómeno temporal, un tiempo audible. Klaus Lang ve el tiempo como el material genuino de un compositor y al mismo tiempo también como el contenido fundamental de la música. En su opinión, el material musical es el tiempo percibido a través del sonido, el objeto de la música es la experiencia del tiempo a través de la escucha. La música es el tiempo hecho audible. (*extraído de la página web del compositor)

klaus lang: composer and organist (mur.at)

 

AERDUO

AER es un dúo de acordeón y saxofón nacido en Austria en 2017. Un proyecto forjado mientras cursaban sus estudios de Máster en Practice Performance in Contemporary Music con el prestigioso ensemble Klangforum Wien. Coincidiendo en los mismos principios, el dúo se establece con un fuerte ligamen a la interpretación rigurosa de música de nueva creación, así como a la colaboración con jóvenes compositores. En su corta trayectoria, AER ha sido protagonista de festivales en Austria y España (Impuls[1]Minuten Konzerten 2018, Musik in Krumegg 2018, NueBo Festival 2018, Mute Festival 2019/ 2020,Mostra Sonora Sueca 2021, Festival de Música Contemporánea de Ponferrada, Res de Musicas Juventudes Musicales, etc) y primeros premios en concursos internacionales (Recre@ Competition 2018, 2o premio) y el trabajo directo con compositores consolidados como Simon Steen-Andersen, Francisco Martín Quintero, César Camarero, Juan Delgado Serrano, José Manuel Hormigo, Victor Estapé, Joan Gómez Alemany, entre otros.

COMPONENTES:

Maria Mogas Gensana, acordeón

www.mariamogasgensana.com

Patricia Coronel Avilés, saxofones

www.patriciacoronelaviles.com

MÁS INFORMACIÓN:

  • Página web: www.duoaer.com
  • Página facebook: AER DUO
  • Instagram: @aerduo

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