TRÍO FERNÁNDEZ-APELLÁNIZ
DAVID APELLÁNIZ, violonchelo
Formado musicalmente en Francia con Jacques Doué. Alumno durante su formación superior del maestro Frans Helmerson en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Ha recibido los consejos N. Gutman, D. Geringas, B. Pergamenchikov, B. Greenhouse, P. Müller, Trio Beaux Arts, Cuarteto Hagen y Cuarteto Italiano. La persona que mas decisivamente ha influido en su relación con la música es el maestro Xavier Gagnepain, reputadísimo músico francés. Actúa como solista con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Gulbenkian de Lisboa, Orquesta de Extremadura, Ensemble Nacional de Lyon, Orquesta de Córdoba, Orquesta Nacional de Honduras, Orquesta Sinfónica de Valencia, Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, Orquesta Sinfónica de Barcelona, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Orquesta Sinfónica de Gijón, Orquesta Filarmónica de Málaga, etc. en los más importantes Ciclos y Salas, como el Festival de Salzburgo, Festival de Lyon y Nice, Konzerthaus (Berlín), Festival “a Tempo” (Caracas), Auditorio Nacional de Madrid, Teatro Maestranza (Sevilla), Palau de la Música Catalana, Festival Internacional de Granada, Palacio de Festivales (Santander), Quincena Musical Donostiarra.
LUIS FERNÁNDEZ CASTELLÓ, clarinete
“Clarinetista de altos recursos técnicos parejos a un sentido musical de primerísima calidad estética” SCHERZO. Premiado en “Rising Star Berlin”, “Primer Palau”, “Vienna International Competition”, “Juventudes Musicales de España”, entre otros premios, Fernández-Castelló se caracteriza por “un sonido lleno de calidez y una dulzura exquisita” OPERA WORLD. Desarrolla una interesante carrera como solista y músico de cámara que le ha llevado a destacados festivales nacionales e internacionales en Francia, Alemania, Italia, Bélgica, Holanda, Grecia, Luxemburgo, Marruecos o Portugal. Ha actuado en las principales salas españolas como el Auditorio Nacional (Madrid), Palau de la Música Catalana (Barcelona), Auditorio de Zaragoza y Palau de la Música (Valencia). Destacado por sus interpretaciones del repertorio clásico y romántico, Fernández-Castelló también siente un especial interés por la música de su tiempo y ha trabajado intensamente con destacados compositores como Francisco Coll, Leonardo Balada, José María Sánchez-Verdú o Luca Francesconi, produciendo más de un centenar de estrenos de Jesús Torres, Miguel Gálvez-Taroncher, Sergio Blardony, Antonio Gómez-Schneekloth, etc. Sus últimos discos “The Singing Clarinet” (Orpheus Classical) y “Leonardo Balada´s Chamber Music” (Naxos) han recibido los elogios de la crítica especializada. Destacan también sus grabaciones para RNE, Catalunya Ràdio, Transópera, Deutsche Grammphon, IVC o PrimTON. Desde 2016 es Artista Henri Selmer-Paris y Artista Vandoren-Paris.
CARLOS APELLÁNIZ, piano
Comienza sus estudios musicales con la pianista Françoise Doué en la École Nationale de Musique de Bayonne-Côte Basque. Tras terminar su formación siendo galardonado con la medalla de oro, continúa su perfeccionamiento con los pianistas Jacques Rouvier y Pascal Devoyon en el Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, donde es laureado con el primer premio de Piano y el primer premio de Música de cámara. Perfecciona su formación musical en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Dmitri Bashkirov y Galina Eguiazarova. Ha seguido en numerosas clases magistrales los consejos de Alicia de Larrocha, Leon Fleisher, François-René Duchâble, Dario de Rosa y Emile Naoumoff, entre otros.
Su sólida carrera le ha llevado a ganar cinco primeros premios internacionales y a desarrollar una ininterrumpida actividad musical que le ha llevado a actuar en los cuatro continentes: España, Francia, Bélgica, Alemania, Hungría, Portugal, Reino Unido, Italia, Dinamarca, China, USA, Marruecos, Venezuela, Argentina, México, Cuba, Mozambique, etc. Como solista ha actuado con la Orchestre Nationale de Bayonne, la Orquesta de Cámara Andrés Segovia, Orquesta Pablo Sarasate, Orchestre de Chambre de Marseille, Orquesta de Valencia o el Grup Instrumental de Valencia… en prestigiosas salas como el Palau de les Arts, Palau de la Música, Auditorio Nacional de Madrid, Salle Gaveau de París, Teatro Colón de Buenos Aires, etc.
ROMÁN ALÍS
Nació en Palma de Mallorca en 1931 y falleció en Madrid en 2006. Entre 1948 y 1959 realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona, con maestros como Rafael Gálvez, Juan Pich Santasusana, Joaquín Zamacois o Eduard Toldrá. En 1961 obtuvo el Primer Gran Premio Internacional de Composición de Divonne-les-Bains, celebrado en París donde conoció a compositores como Olivier Messiaen y Salvador Bacarisse, entre otros. En 1963 fue nombrado Catedrático de Contrapunto y Fuga en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, y desde 1971 fue profesor de Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, hasta su jubilación en 1996.
Su obra Los salmos cósmicos fue compuesta gracias a una beca concedida por la Fundación Juan March en 1969. A lo largo de su trayectoria profesional colaboró como comentarista, compositor, director y arreglista en radio, cine y televisión.
Román Alís recibió numerosos encargos de orquestas, festivales y otras entidades, como la Orquesta Nacional de España, la Semana de Música Religiosa de Cuenca, o el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea. También fue conferenciante y jurado de premios y concursos musicales.
EDUARDO COSTA ROLDÁN
Máster en Composición por la Universidad Goldsmiths de Londres con la máxima calificación. El trabajo de Costa ha sido premiado en diversos concursos y festivales y su música ha sido interpretada en los cinco continentes de la mano de intérpretes internacionales de reconocido prestigio; Banda Sinfónica Municipal de Madrid, solistas de la OCNE, solistas de la orquesta de RTVE, Eunmi Ko, Sini Virtanen y Julia Keller (Strings and Hammers Trio), Roger. B. Williams, Ensemble Kuraia, Sofya Melikyan y Julián Elvira. Precisamente su colaboración con el flautista Julián Elvira ha dado lugar a un repertorio exclusivo para la flauta Prónomo, un instrumento creado por el citado intérprete. Podemos encontrar su trabajo en IBS Classical, Innova Records y Ravello Records
“PULSAR […] prospera maravillosamente en los extremos de sonoridad que se pueden obtener cuando se combinan piano, violín, contrabajo y percusión. Los patrones rítmicos cambiantes, hábilmente unidos a través de un pulso constante, brindan el máximo interés. La obra llega a un clímax y luego parece desvanecerse en el frío espacio interestelar”. Frank Daykin, New York Concert Review.
“El estreno y encargo de Eduardo Costa, RITUALES, que abrió boca, tradujo con encanto y conocimiento de causa, las diferencias tímbricas y técnicas complementarias de los instrumentos en liza […] Una obra de elegante factura”. Luis Mazorra, ritmo.es
«PERFIL DEL AIRE […] El compositor nos trae un manojo de hilos musicales de un gran interés y absolutamente innovadores incluso en el momento actual […] Oro puro este trabajo» Miguel Ángel Pérez Martín, Doce notas.com
HORIZONTES, Trio para Clarinete, Cello y piano (2020)
Estrenada en 2020 en el festival Coma ´20, esta obra forma parte de una serie inspirada por el horizonte. Se trata de trasladar al lenguaje melódico la línea que resultaría de dibujar el horizonte de un paisaje imaginario. El paisaje en esta obra explora la repetición de una altura como representación de un horizonte sereno y plano como la meseta central española. Algunos pequeños accidentes geográficos puntúan esa línea estática a través de grupos de escalas o intervalos que la interrumpen. La primera sección es contemplativa y serena. De forma sutil la repetición constante se transforma en pulso. El horizonte se mueve como la imagen desde la ventana de un tren que es atravesada súbita y periódicamente por los postes de tensión eléctrica.
RICARDO DURAN BARNEY
Compositor, instrumentista y artista sonoro mexicano – español. Sus obras comprenden piezas para instrumento solista, para ensamble, orquesta, obras electroacústicas, música mixta con soporte fijo y electrónica en vivo, las cuales se han presentado en importantes festivales internacionales.
Una mayor parte de su producción artística se desarrolla en el ámbito de la electroacústica mixta, pues es de su interés los aspectos de la reinterpretación sonora de los movimientos corporales de los ejecutantes, ya sean estos músicos o de otras disciplinas artísticas, para lo cual experimenta con diversos sensores de movimiento, obteniendo así, diferentes y nuevas posibilidades expresivas en su música.
Ha obtenido diferentes premios y becas entre los cuales se encentran: “Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico” de Guanajuato, 2011 y 2013., “Beca Jóvenes Creadores del FONCA” 2014., Seleccionado con la obra “N4CH2” dentro de una convocatoria competitiva del festival “MusicArte Festival de música contemporánea” en Panamá, 2015., Premiado con el 3er lugar la obra “KVAR” en el concurso, International Composition Competition “Amici Della Musica di Cagliari” Italia, 2015., Prenominación y selección de su pieza “ALRISHA” para ser publicada por la editorial MatchingArts en el concurso, 2nd Keuris Composers Contest, Países Bajos, 2016., Ingreso al Programa: “Sistema Nacional de Creadores de Artes 2020 – 2022, del FONCA (Sistema de apoyos a la creación y a proyectos culturales)”.
ALRISHA (2016) para clarinete, violoncello y piano
Compuesta para el 2nd Keuris Composers Contest (Países Bajos, 2016), Alrisha toma su título de una estrella binaria situada en la constelación de Piscis. Parte del material de la obra fue generado a partir de relaciones derivadas de dicha constelación y convive con ciertas referencias al canto cardenche mexicano.
La obra fue pre-nominada y seleccionada para su publicación por la editorial MatchingArts en el marco de dicho concurso.
GERARDO DANIEL GARDELÍN
Director, compositor, pianista y arreglador argentino con nacionalidad italiana residiendo y trabajando en Madrid desde el año 2022. Entre sus estrenos más recientes se encuentra su Suite para tuba y piano”Porteño”, grabada en Alemania y estrenada el pasado 17/05/2024 en Mannheim, por el dúo de Siegfried Jung en tuba y Sussane Endres en piano junto a las Piezas para Tuba, piano y Arpa, “El inmortal”, grabada por el trío de Siegfried Jung, junto con Sussane Endres en piano y Johanna Jung en arpa, formando parte del mismo álbum junto con la pieza para tuba y arpa “Between us”.
Varias de sus obras sinfónicas fueron también estrenadas en Europa el pasado 25/05/2023 en Rumanía en el Teatro Paul Constantinescu, con la orquesta Filarmónica de la ciudad de Ploiesti bajo la dirección del maestro Walter Hilgers y con Daniel Crespo como solista de trompeta.
Tambien su versión sinfónica de la cancion “Granada”, en la sala Lahovari de la ciudad de Bucarest, Rumania por la orquesta filarmónica dirigida por Walter Hilgers, el pasado 15/04/2024 y “Metamorfoseando”, en un movimiento para Orquesta de cuerdas, recientemente interpretada por la Orquesta Klaipeda de Lituania en el Festival Alborada Clásica en Granada, bajo la Dirección del Maestro Alexis Soriano el pasado 03/02/2023.
Sus obras sinfónicas y de cámara fueron estrenadas en diversos teatros del mundo, entre ellos el Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina; el Teatro de la Universidad de Oklahoma en Estados Unidos; el Teatro 1º de Mayo de la provincia de Santa Fe, Argentina; el Auditorio de la ciudad de Bergen en Noruega; el Auditorio del Festival Galaico en España; el Auditorio del Festival de Gramado en Brasil, el Auditorio de la ciudad de San Pablo, Brasil; en el Salón Dorado del Teatro Colón; en la sala principal del Centro cultural Kichner de Buenos Aires, etc.
Dichas obras comprenden Conciertos para Cuarteto de cornos y orquesta; trompeta y orquesta; cuarteto de trombones y orquesta; tuba y orquesta; una Fantasía para orquesta sinfónica ”Universum”, una Suite ‘Escenas rurales”; un Divertimento sinfónico sobre el Capricho 24 de Paganini, un Poema sinfónico ”Raíces”; una obra para orquesta de cuerdas ”Metamorfoseando”; una Suite para flauta solista y Orquesta, una Suite para orquesta “Peregrinos”; tangos sinfónicos ”Furtivo” y “Ciudadano”; varios arreglos sinfónicos en todos los estilos. Entre sus obras de cámara está su Suite para flauta y piano “Andando caminos”, la suite “Vertientes americanas” para cuarteto de dos flautas, piano y contrabajo; suite para trompeta, tuba y piano; suite para dúo de flauta y oboe; piezas para trio de cello, flauta y piano; dúos de cello y flauta; obra para conjunto de metales y percusión; pieza para tuba solista y septeto de bronces; pieza para cuarteto de trombones y tuba solista, etc.
Sus obras pueden verse en el canal de youtube Gerardo Gardelin https://www.youtube.com/channel/UC-pBvdbiYxoOsKwxEL3IxgA y en la página web www.gerardogardelin.com
CARLOS MARIO GONZÁLEZ PORTELA
Carlos Mario González Portela nace en Madrid el día 15 de junio de 1941. Realiza los estudios de Bachillerato en el colegio San José de los Hermanos Maristas de Madrid, los de Arte Dramático en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y los de Música en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, licenciándose en Interpretación, Composición y Dirección de Orquesta.
En el año 1964 es contratado como profesor de música en el Colegio Decroly de Madrid, donde funda un coro de voces blancas, con el que gana el premio «Mili Porta» a la mejor dirección de coros.
En 1978 es contratado como profesor interino para impartir clases de Solfeo y lectura expresiva en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
En 1982 es contratado como Archivero Copista de la Orquesta Nacional de España. Ese mismo año, por medio de concurso oposición (turno libre), gana la plaza de profesor auxiliar de Conjunto Coral e Instrumental en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
En 1984 es becado por el Gobierno Belga para realizar un curso de perfeccionamiento de Dirección de Orquesta, impartido por René Defossez en la Academia Internacional D’Eté de Wallone (Libramónt) Bélgica. Al regresar de Bélgica es nombrado Vicesecretario y posteriormente Secretario del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, cargo que desempeñará hasta 1988.
En 1987, por medio de concurso de méritos, gana la plaza de profesor auxiliar de Dirección de Orquesta en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid trabajando, sucesivamente, como auxiliar de los catedráticos: Spiteri, García Nieto y García Asensio.
En 1988 funda la Orquesta Sinfónica de Alumnos Españoles, dando conciertos en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Orense (cine Avenida), Pontevedra (teatro Principal, donde le entregan la medalla de la ciudad) y Madrid (Teatro Real). También en el Conservatorio Teresa Berganza de Madrid funda una Orquesta Sinfónica y una Banda con la que ganó el premio nacional de Bandas Juveniles «Enrique de la Hoz».
En septiembre de 2011 se jubila de la pedagogía dedicándose, plenamente, a la composición y a realizar un Doctorado en la Universidad Complutense de Madrid, en el programa «Transmisión de ideas y formas en el arte contemporáneo», realizando la Tesis Doctoral bajo la dirección de la Doctora Victoria Eli
Rodríguez, con el título «La inspiración que cesa. Román Alís Flores. Caminos de un compositor», defendiéndola en enero de 2016.
Como compositor tiene catalogadas más de 50 obras, tanto de cámara, como sinfónicas y corales.
Desde el año 2012 pertenece a la Asociación Madrileña de Compositores AMCC.
JUAN LUIS MADRIGAL
Nacido en Madrid, inicia sus estudios musicales en Juventudes Musicales a los 7 años. Posteriormente continúa sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música de Alcalá de Henares, obteniendo el Título Profesional de Música en la especialidad de Piano en el año 2003. En el año 2008 recibe el título de Ingeniero de Telecomunicación en la Universidad de Alcalá, siendo galardonado con el Premio Extraordinario Fin de Carrera y la acreditación de ser el primero de su promoción, y comienza a trabajar como ingeniero en una empresa consultora de ingeniería madrileña, en la que trabaja hasta el mes de marzo de 2016.
En el año 2013 inicia Estudios Superiores de Música en la especialidad de Composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, comenzando a estrenar sus composiciones musicales desde la primavera de 2014. Ha obtenido excelentes calificaciones en múltiples asignaturas, finalizando sus Estudios Superiores de Música en la especialidad de Composición en 2018, y obteniendo el Premio de Honor de Composición 2018 del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En julio de 2017 y julio de 2018 asiste, respectivamente, a los Cursos Internacionales de Postgrado en Composición Musical VIII y IX, celebrados en la Universitat Politècnica de Valéncia, ambos impartidos por Leonardo Balada.
En noviembre de 2017 resulta galardonado con una de las Ayudas a la Creación y Desarrollo de las Artes Escénicas, Musicales y Cinematográficas 2017 de la Comunidad de Madrid en la categoría de Composición Musical por su proyecto y obra «Música de los elementos» para orquesta, que se divide en cuatro movimientos, dedicados al aire, al agua, a la tierra y al fuego, los cuales simbolizan, respectivamente, los estados de la materia gaseoso, líquido, sólido y plasmático, evocando las emociones y sensaciones humanas asociados a cada uno de ellos.
Ha asistido a clases con los compositores y profesores Manuel Seco de Arpe, Leonardo Balada, Alfonso Romero, Zulema de la Cruz, Alicia Díaz de la Fuente, Enrique Igoa, Enrique Rueda, Manuel Martínez Burgos, Juan Medina, Eduardo Armenteros, Alejandro Román, Ángel Huidobro, Lourdes García Melero, Javier García y Álvaro Guijarro, entre otros.
En octubre de 2018 inicia su actividad docente intermitentemente y durante más de dos años en centros profesionales y superiores de música, destacando su desempeño tanto en la Escuela Superior de Canto de Madrid como en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid como catedrático interino de Composición, habiendo impartido docencia en asignaturas como Armonía, Contrapunto, Análisis Musical y Armonía y Contrapunto de los siglos XX y XXI en las Enseñanzas Superiores de Música.
Su música se caracteriza por ser evocadora, sensorial y emocional en lo externo, lo cual la dota de un notable nivel de accesibilidad de cara al público general, si bien en lo interno, y de cara al público más experto, contiene también un nivel considerable de estructuración, profundidad, intelectualización y depuración en la técnica compositiva. Es un ejercicio delicado, sofisticado y complejo de equilibrio y síntesis de los planteamientos humanístico y científico, es decir, de las facetas artística y técnica del compositor, en el que prima siempre la realidad sonora con respecto a la partitura. En lo humanístico, está interesado en los usos de la música y el arte para mejorar el estado o condición del ser humano actual, así como a la dignificación de su condición en un mundo complejo, problemático, rápidamente cambiante y, a menudo, aparentemente caótico y disgregado, recurriendo en la mayoría de sus piezas a distintos elementos filosóficos, narrativos, científicos, emocionales o sensoriales, entre otras posibilidades.
Si bien no renuncia a priori a ningún planteamiento o técnica de la historia de la música allá donde proceda, suele optar con frecuencia por la claridad, las técnicas instrumentales tradicionales, la idea de belleza y la síntesis de elementos de distintos estilos como respuesta a los planteamientos rupturistas más agresivos predominantes en las vanguardias del siglo XX, en su búsqueda de recuperar el equilibrio entre la tradición y la innovación y, a la vez, de tender puentes entre la música contemporánea y el público. En el caso de las obras que emplean medios electroacústicos tiende a emplearlos como una extensión simbiótica de los instrumentos acústicos, integrándolos completa y naturalmente en la obra musical. Su objetivo es crear una música clásica contemporánea técnicamente depurada y equilibrada, que sea satisfactoria intelectual, emocional y sensorialmente para todo tipo de público, es decir, crear obras de arte sintéticas que admitan lecturas a varios niveles de profundidad.
La correcta interpretación de su música exige del intérprete una gran exactitud y destreza técnica en el cuidado de los detalles y, a la vez, una sensibilidad y expresividad considerables. Todo ello puede comprobarse en sus múltiples publicaciones en su web https://www.juanluismadrigal.com/, en la cual pueden escucharse interpretaciones de algunos de sus últimos estrenos en ediciones pasadas del festival COMA por intérpretes de primer nivel, de la talla de Laura Ballestrino (piano), Luis Fernández-Castelló (clarinete) y Carlos Apellániz (piano), entre otros.
EL PARTENÓN
Para clarinete en Si♭, violonchelo y piano Estreno absoluto a cargo del Trío Apellániz-Castelló Festival COMA’26
El Partenón nace del deseo de explorar un equilibrio absoluto entre las facultades del intelecto y de la emoción, tendiendo un puente entre el desarrollo de una estructura calculada y la pura evocación expresiva. Si bien la creación artística suele oscilar entre lo apolíneo y lo dionisíaco, esta obra se sitúa más bien en un ideal «ateneico»: un espacio de contención, pureza formal, simetría y profunda lucidez. La figura de Atenea —la diosa virgen, caracterizada por una firme contención emocional y sexual, así como por ser la divinidad de la sabiduría, la techné (la técnica y el arte) y la estrategia guerrera (basada en la agudeza mental más que en el derramamiento de sangre)— inspira una música que emplea el rigor geométrico frente a la exacerbación de la emoción.
A nivel armónico, este concepto se materializa inicialmente a través de un absoluto predominio diatónico, símbolo de la pureza y el orden original. La arquitectura de la obra traza, a partir de ahí, una línea histórico-filosófica inspirada en el devenir del célebre templo de la Acrópolis:
- El esplendor original: La primera sección evoca la edificación y el apogeo del templo. Se emplean los modos modernamente denominados dórico, eólico, jónico y mixolidio, con un claro predominio del dórico (enlazando de forma directa con el orden arquitectónico del monumento), entretejidos con escalas defectivas que aportan una sonoridad arcaica pero renovada bajo una perspectiva contemporánea.
- La fractura y la pérdida de integridad: El devenir histórico del edificio, transformado en iglesia, mezquita y, finalmente, en un almacén de pólvora cuya explosión en el siglo XVII (ante el cañonazo del ejército veneciano) truncó su estructura, se traduce musicalmente primero en una evolución melódico-contrapuntístico-textural de la pureza diatónica y, posteriormente, en una deconstrucción tensa y violenta del material. La pureza original estalla mediante una progresiva y tensa cromatización de la armonía y un proceso de saturación diatónico-cromática. En este punto, el piano adquiere un papel crucial con el empleo de clústeres, bloqueando el espacio acústico y materializando sonoramente la pérdida de la integridad estructural.
- La belleza de la ruina: La última sección contempla el templo en su estado actual. A pesar de la fractura de sus líneas, el Partenón sigue emanando una belleza sublime. La música abraza esa permanencia y el equilibrio de sus restos, proyectándose hacia el futuro con la esperanza de su conservación.
En el plano instrumental, el violonchelo actúa a menudo como un eje resonante y telúrico. La obra explota las frecuencias naturales de sus cuerdas al aire (do – sol – re – la), que sirven de anclaje acústico, combinadas con una exigente escritura de dobles y triples cuerdas, así como una fluctuación constante entre armónicos naturales y artificiales frente a otros pasajes de escritura más tradicional y lírica. El clarinete y el piano interactúan con este mapa de resonancias, expandiendo los límites del color y la textura. En buena parte de la obra, el clarinete y el violonchelo se emplean como una prolongación tímbrica de la parte pianística, fundiéndose entre sí en un solo elemento.
El Partenón es, en última instancia, un diálogo entre el rigor geométrico de la partitura y la libertad acústica del sonido en el espacio; una obra concebida tanto para atraer al público especializado, por su rigor compositivo y profundidad conceptual, como al público general por su equilibrio, claridad y accesibilidad estética.
MERCEDES ZAVALA
Mercedes Zavala (Madrid 1963), formada en piano y composición en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, en Londres con Malcolm Singer, es también licenciada en filosofía por la UNED, con suficiencia investigadora en Estética. En 1989 comenzó su carrera como compositora, que ha mantenido hasta hoy con continuidad junto a la docencia, con incursiones frecuentes en la interpretación, la investigación, la difusión y la gestión musical.
Su carrera toma impulso en los noventa, ampliando estudios en el campo de la interpretación de la música del siglo XX, la pedagogía y la composición. En 1990 ingresa como profesora numeraria de Armonía y melodía acompañada, obteniendo plaza en el RCSM y despega su carrera compositiva con estrenos en Inglaterra, posteriormente en España, Austria y EEUU (1995, encargo de la Western Illinois University). Es también activa interpretando al piano repertorio actual y sus propias obras a solo o con el Grupo Secuencia. Se interesa además por la música africana, y realiza varios cursos de percusión, el último viajando a Senegal en 1996. En 1997 se licencia en Filosofía por la UNED, donde después ha realizado estudios de doctorado en la especialidad de Estética.
En España las obras de Mercedes Zavala comienzan a tener presencia continuada en la programación desde 1999, recibiendo desde entonces encargos de instituciones y festivales como el INAEM, INJUVE, Comunidad de Madrid, Fundación Canal, CDMC-revista Quodlibet, Auditorio Nacional, IVAM, entre otros. Paralelamente a este despliegue de su carrera compositiva empieza a interesarse por la recuperación y divulgación del repertorio de las compositoras históricas. Ingresa en el Consejo del Instituto de Investigaciones Feministas de la UCM de Madrid y realiza publicaciones, conferencias y cursos sobre compositoras, como el del Escorial, el Master de la UCM o diversos cursos a profesores de la Comunidad de Madrid. También en estos años ejerce de subdirectora del CPM Teresa Berganza, organizando las actividades culturales del centro, colabora con Radio Nacional y preside la Asociación mujeres en la música, desde donde dirige el Festival de Getxo, la temporada de conciertos de Madrid, y pone en marcha el Proyecto Pedagógico de Música y Género, con el objetivo de impulsar la inclusión de obras de compositoras en las aulas y en el repertorio concertístico.
Ha enseñado armonía, composición, análisis y música del siglo XX durante tres décadas en el Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza de Madrid, dirigiendo en una de ellas el Departamento de Composición.
Gran parte de su obra ha sido escrita por encargo o a petición de excelentes intérpretes y grupos. Sería injusto hacer una selección aleatoria de nombres, baste subrayar el importante papel que como motivadores y promotores de su música desempeñan. En abril de 2026 el Plural Ensemble, dirigido por Fabián Panisello, le dedicó en el Auditorio de Galicia, un concierto monográfico, una muestra relevante de las composiciones de los últimos 20 años.
Fuera de nuestras fronteras tiene actividad como jurado, conferenciante o profesora invitada y presenta sus obras en distintos países europeos y americanos, como en México (Festival Puentes 2009, Palacio de Bellas Artes, UNAM), Uruguay, Cuba (Festival de Música Contemporánea de La Habana 2011, 2014, 2024), Australia (University of Western Sydney), Nueva Zelanda (University of Canterbury) y EEUU, en esta última en Pennsylvania (Shippengurg University), Miami (FIU), New York (Lincoln Center), California (Berkeley University) y más recientemente Washington DC (Georgetown University) y Baltimore (Peabody Institute).
Su catálogo incluye piezas vocales, orquestales y camerísticas; pero también obras pedagógicas, una atención intermitente al teatro musical, y una persistente influencia de la literatura.
SIN PÁJAROS
Obra encargo de la Fundación Ibermúsica para el Ciclo Km0, fue estrenada por Ana María Alonso a la viola y Rubén Yessayan al piano el 19 de marzo de 2025, y a ellos dedicada.
La versión para violonchelo y piano que se estrena hoy no es una simple transcripción, fue compuesta simultáneamente a la de viola y tiene algunas modificaciones importantes por razones instrumentales, pero también expresivas. Su desolada atmósfera remite a la obra Helada, de Thomas Bernhard, de donde extraigo esta frase que es la mejor presentación de la pieza: “tuve la sensación de que los gritos de los pájaros […] se hubieran congelado en el aire. Esperaban así su liberación.”