ORQUESTA SINFÓNICA DE LA UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID – OSUCM
La Orquesta Sinfónica de la Universidad Complutense de Madrid (OSUCM), dirigida por José Sanchís, surge en el curso 2012-2013 como un espacio donde la música trasciende lo académico para convertirse en un lenguaje compartido entre universidad y sociedad.
Desde sus inicios, la orquesta se ha definido como un espacio de encuentro entre formación y excelencia, disciplinas diversas y culturas. Sus integrantes, en su mayoría estudiantes universitarios con sólida preparación musical, encuentran en ella un entorno exigente que impulsa su desarrollo artístico mediante ensayos rigurosos y el contacto con docentes de prestigio.
Más de 450 jóvenes músicos han formado parte de este proyecto, hoy consolidado como un referente en el ámbito universitario. Su identidad multidisciplinar y su apertura a estudiantes internacionales generan un diálogo enriquecedor donde ciencia, arte y cultura convergen.
A lo largo de su trayectoria, la OSUCM ha actuado en destacados escenarios, abordando un repertorio amplio que dialoga entre tradición y modernidad, con especial atención también a la recuperación del patrimonio musical español.
En el ámbito de la creación actual, la orquesta participó en la edición 2025 del Festival COMA, siendo nuevamente invitada en 2026, lo que refuerza su presencia en este espacio dedicado a la música contemporánea.
Fiel a su vocación social, impulsa iniciativas pedagógicas y solidarias, acercando la música a nuevos públicos. La grabación de su primer álbum en su décimo aniversario simboliza su madurez artística y su proyección futura.
GERARDO LOPEZ LAGUNA, piano
Premiado en «The Second Tees-Side International Eisteddfor», Middlesbrough. Profesor Superior de Piano, por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Diplomado en Profesor de Educación General Básica, por la Escuela Normal «Sagrada Familia» de Sigüenza. Consejero de la Institución Provincial de Cultura «Marqués de Santillana» (Guadalajara). Ha sido Profesor de Piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Profesor de Piano, Improvisación e Iniciación al Jazz en el Conservatorio Profesional de Música Amaniel, miembro del Grupo LIM, y pianista solista en la Orquesta y Coro Nacionales de España. Ha tocado con numerosas agrupaciones y orquestas españolas, actuando en numerosos países de Europa, Asia y América. Pertenece a la ONG «Voces para la Paz». En la actualidad participa en diferentes proyectos musicales corales, de cámara y piano.
JOSÉ SANCHÍS, director artístico y musical
Nacido en Picassent (Valencia), José Sanchís es reconocido como uno de los directores de orquesta españoles con mayor proyección de su generación, destacando por su excelencia artística y su compromiso con la formación musical.
Actualmente, es Director Titular y Artístico de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Complutense de Madrid y colabora como director invitado con diversas orquestas tanto a nivel nacional como internacional.
Tras completar sus estudios de trompeta e Historia y Ciencias de la Música, obtuvo el título en Dirección de Orquesta con distinción por la Associated Board of the Royal Schools of Music del Reino Unido. Posteriormente, perfeccionó su formación en la Academia Chigiana de Siena con el maestro Gianluigi Gelmetti.
Ha dirigido prestigiosas formaciones como la Orquesta de Valencia, la Orquesta Sinfónica de Navarra, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Orquesta de Córdoba, la Joven Orquesta Nacional de España, la Sophia Festival Orchestra y la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias, entre otras.
Entre 2014 y 2021, fue fundador y Director Titular y Artístico de la Orquesta Sinfónica Bankia (posteriormente Orquesta Sinfónica CaixaBank), un proyecto pionero en España que promovió el talento joven y la excelencia musical, llevando su música a los principales auditorios del país.
Asimismo, ha dirigido en algunos de los escenarios más emblemáticos de España, como el Palau de la Música de Valencia, el Auditorio de Zaragoza, el Palau de la Música Catalana, el Palau de les Arts de Valencia, el Auditorio Baluarte de Pamplona, el Teatro Monumental de Madrid, el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid, el Auditorio Manuel de Falla de Granada, el ADDA de Alicante, el Auditori i Palau de Congressos de Castellón y el Auditorio de Cuenca, entre otros.
En octubre de 2015, debutó como director musical en el Teatro de la Zarzuela con la producción de Galanteos en Venecia de F. A. Barbieri, obteniendo una nominación a los Premios Max 2016. En 2017 dirigió Lazarus de F. Schubert en el Festival de Música Religiosa de Cuenca y en noviembre de 2021 se presentó en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.
En diciembre de 2022, debutó en la sala principal del Teatro Real de Madrid al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid. Recientemente, ha realizado su primera grabación con el sello Cezzane Producciones junto a la Orquesta Sinfónica de la Universidad Complutense de Madrid, interpretando obras de Tchaikovsky, Beethoven y Rimsky-Korsakov.
Como conferenciante, ha impartido ponencias sobre dirección de orquesta y divulgación musical en diversas instituciones, incluyendo tres de las universidades más prestigiosas del mundo: el Instituto Cervantes en la Universidad de Harvard, la Universidad de Yale y la Universidad de Stanford.
También ha desarrollado su labor docente como profesor de dirección de orquesta e interpretación orquestal en diferentes instituciones, destacando la Fundación Princesa de Asturias y los Cursos de Verano de El Escorial de la UCM.
Entre sus próximos compromisos destaca su debut en Estados Unidos, donde dirigirá a la Harvard Radcliffe Orchestra en Cambridge, Massachusetts.
FLORES CHAVIANO
Además de una intensa carrera guitarrística que lo llevó por escenarios como Palacio de Bellas Artes de México, Estocolmo, Varsovia, Milán, Berlín, Madrid, Metropolitan Opera House de NY, Kennedy Center de Washington D.C. Palermo, Viena, Florencia, Pekin, Gdans, Eslovaquia y Chekia entre otros, ha compuesto y estrenado obras con orquestas tales como: Orquesta Simón Bolívar de Venezuela. O S N de México D. F. ,Orquesta Sinfónica estatal de Armenia, Filarmónica de Stad Sibiú Rumanía Academia de Gdansk-Polonia –OSPA-Orquesta de Granada, Orquesta clásica de Madrid, la ORCAM, Filarmónica de Montevideo, Orquesta Sinfónica Siciliana, Orquesta de Cámara de Solidaria Asturias (OCAS) con actuaciones en la Sede de la ONU y en el Centro cultural de Harlem N.Y. Sede Cental de la OEA Washington Orquesta y Carnegie Hall Sinfónica del Salvador, O S de Castilla y León, Orquesta Ibérica de León, Orquesta Odón Alonso, Sinfónica de Matanzas –Cuba, , Atlantic Chamber Orquesta, Sinfónica de la UAM, dirigidas entre otros por los maestros Josep Pons, Oliver Díaz, Francisco Savín (México) Maximiano Valdés, Damiano Tognetti, Thierry Fischer, Alfredo Rugeles-Venezuela- Arthur Weisberg, Ruggero Chiesa, Ruggero Barbieri, Juan de Udaeta , Germán Cáceres, José L. Temes, Rubén Gimeno, . Manuel Paz, Javier Jacinto, Manuel Tébar, Enrique Muñoz, José Sanchis. Y en el COMA 26, Orquesta Sinfónica de UCM. Ha escrito obras por encargo del Consejo de las Artes de Canadá, de la OCNE, CDMC del INAEM, Fundación Príncipe de Asturias, Comunidad de Madrid. Conservatorio del Nalón y RNE.
Enrique Franco Crítico Musical de El País España: “Flores Chaviano excelente concertista y profesor de guitarra cubano, bien conocido y prestigiado, entre otros muchos valores, por su servicio constante a la música de su tiempo, explicó el miércoles en el Patio de los Arrayanes seis capítulos importantes de la música latinoamericana, un recital fascinante por la música y por la complicidad ambiental, nocturna y alhambrísta” Festival Internacional de Música y danza de Granada.
José Luis García del Busto Crítico de ABC: “ningún aficionado que haya seguido el desarrollo de la música en los últimos años en España desconoce a Flores Chaviano, guitarrista y compositor nacido en Cuba y establecido en nuestro país, donde lleva a cabo múltiple labor concertistica creativa y docente. Son numerosísimas las obras para guitarra que Chaviano ha promovido, sugiriendo su composición y estrenándolas. Muchas de ellas le han sido dedicadas”
Paquito D´Rivera. Saxofonista y Compositor New York: “He conocido y admirado a Flores Chaviano desde hace muchos años, y puedo decir que no es solamente un gran profesor y Guitarrista Clásico, si no uno de los artistas que con más sabiduría ha sabido trabajar en el rescate de las más finas y a veces obscuras páginas de nuestra música popular. El Cd de la Trova lírica es delicioso, voces empastadas y gusto exquisito”.
CÁNTIGAS DE LUZ
Cántigas de Luz es ante todo para mí, lanzar una plegaria hacia el infinito el deseo de encontrar esa Luz divina. Se estrenó en el verano de 2025 en el Festival de música Antigua de Gijón, por la Orquesta de Cámara Solidaria dirigida por Manuel Paz. Podemos inscribirla en la estética de la “música contextual” que utiliza fuentes históricas en este caso las Cántigas del Rey Alfonso X conocido como Alfonso el Sabio y las transforma con técnicas actuales.
JESÚS ÁNGEL LEÓN
El violinista y compositor Jesús Ángel León estudió en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona con Xavier Turull, Josep Poch, Manel Oltra y Carles Guinovart, entre otros. Es licenciado en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad Central de Barcelona. Finalizada su formación académica y universitaria, se perfeccionó con Uri Pianka y con Ruggiero Ricci. Ha sido solista de la Orquesta Sinfónica de Madrid y de la Sinfónica de Euzkadi. Así mismo, ha sido miembro fundador del Cuarteto Arcana, con el que se presentó en el Teatro Real de Madrid y en la sede de la UNESCO en París en 1988. También ha sido concertino de la Orquesta Clásica de Madrid y de la Orquesta Nacional de España. Como solista, ha actuado con orquestas como «Solistes de Catalunya», Orquesta Clásica de Madrid, Orquesta “Villa de Madrid”, Orquesta Sinfónica de Chamartín, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Nacional de España, Orquesta de Cámara “Reina Sofía», Orquesta de la Comunidad de Madrid, «Orquestra Catalana de Cambra» etc., con directores como Cristóbal Halffter, Odón Alonso, Josep Pons, Yeruhan Scharovsky o Günther Herbig, con el que debutó como solista con la ONE en 1997. Siempre ha mantenido un firme compromiso con la música y los compositores españoles de su tiempo. Así lo acreditan los innumerables estrenos de obras españolas que protagonizó con el cuarteto Arcana y con el SONOR ENSEMBLE dirigido por Luis Aguirre. En 2002 se convirtió en el primer violinista español que interpretaba el Concierto nº1 para violín y orquesta de Cristóbal Halffter. Lo hizo con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León dirigida por el propio compositor. Jesús Ángel León ha realizado numerosas grabaciones radiofónicas, discográficas y para televisión. Con el pianista Miguel Ángel Muñoz ha grabado para GYC Records obras de Manuel Valls, Xavier Montsalvatge, José Luis Turina y Antón García Abril; y para el sello «Verso», obras de Falla, Toldrá y Joaquín Turina, en trabajo ampliamente elogiado por la crítica especializada. En el 2004 estrena el concierto para violín y cuerdas «Mecánica del olvido», de Pablo Riviére, del que es dedicatario, en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante. Junto a Miguel Ángel Muñoz, realiza poco después una gira internacional, auspiciada por el CDMC y el Instituto Cervantes, que incluye la participación en las «Jornadas Mediterráneas de Música Contemporánea» de Estambul, y sendos recitales en París y en Viena. Por encargo del Festival «América-España», realiza una orquestación de los «Sis Sonets» de Eduard Toldrà que él mismo estrena en Madrid con la Orquesta Nacional de España y en Barcelona con la “Orquestra Catalana de Cambra”. En los últimos años, su dedicación a la composición es creciente. Sus obras han sido presentadas en diversas salas españolas (Auditorio Nacional de Madrid, Auditorio de Valencia, Auditorio de Zaragoza, Palacio de Festivales de Santander) así como en diversos festivales internacionales (Festival Paderewski de Varsovia, Festival de Lisboa y Estoril, Festival de Reikiavik, Festival de Música Contemporánea de La Habana, festival COMA de Madrid). Su música ha sido interpretada por solistas como Birgit Kolar o Gudrun Olaffsdottir, por grupos como el “Sonor Ensemble”, “Solistas de Madrid”, o cuarteto “Manuel de Falla”, y por formaciones orquestales como la “Orquestra Catalana de Cambra”, la “Orquesta Ciudad de Granada”, la “Orquesta Clásica Española” o la “Orquesta Nacional de España”.
FALLESCA
“Fallesca” es un concierto breve para piano y orquesta, concebido como un homenaje a Don Manuel de Falla en el 150 aniversario de su nacimiento y 80 de su muerte. Aunque la obra presenta alguna referencia clara a “EL Amor Brujo”, he intentado preservar el principio estético de Don Manuel consistente en “guardar el espíritu sin recurrir a la letra”. Esta breve fantasía para piano y orquesta invoca la presencia y el aroma del lenguaje fallesco procurando evitar la recurrencia continua a las citas textuales. La orquesta parte del orgánico que Falla utilizó para la versión de “El Amor Brujo” de 1915, pero es evidente que él hubiera preferido una cuerda un poco más numerosa que la que pudo utilizar en aquel lejano estreno del Teatro Lara. Sirva este sencillo y humilde homenaje como contribución a la memoria de quien tuvo que soldar la historia de la música española con la de la música europea. Y como gesto de admiración a quien culminó prácticamente en solitario tan ingente tarea.
Jesús Ángel León
KATRINA PENMAN
Compositora y flautista británica, afincada en Valladolid desde hace dieciséis años. Realizó sus estudios en la Royal College of Music de Londres y en la Accademia del Teatro alla Scala de Milán. Autora de numerosas obras de música de cámara, ha recibido premios por sus composiciones de parte de los Global Music Awards (ediciones 2024, 2025 y 2026), Vienna Classical Music Academy (2023), Akademia Awards (Los Ángeles, 2023), European Classical Music Awards (2023), entre otros.
Sus obras para flauta han sido estrenadas en festivales como la Mid-Atlantic Flute Convention (Washington DC, 2025), Convención de Flautistas de Estados Unidos (Chicago, 2022, San Antonio, 2024, Portland, 2026), World Flutes Festival (Argentina, 2025), Convención de Flautistas de España (Málaga, 2023), Festival Internacional de Flauta de Sir James Galway (Weggis, Suiza, 2019) y han sido interpretados en salas, conservatorios y universidades en España, Portugal, Italia, Austria, Turquía, Serbia, Estados Unidos, Argentina, Colombia, Brasil y Gran Bretaña, entre ellos, los conservatorios de Guildhall y Trinity Laban en Londres, el Real Conservatorio de Música de Madrid, la Escuela Superior Katarina Gurska y la ESMUC de Barcelona.
En mayo 2026 la Orquesta Sinfónica de Castilla y León estrenó la Cantata que le encargaron, interpretada junto a 2,000 escolares de toda la comunidad durante seis funciones bajo la dirección musical de Jhoanna Sierralta.
Su álbum monográfico “Beyond” fue nominado a Mejor álbum instrumental en los Premios de la Academia de la Música de España, edición 2026.
TO ANDALUSIA AND BEYOND
Esta obra, para flauta y cuerdas, fue creada en 2025 a partir de una versión original para flauta y piano que se publicó en 2021.
A finales del año 2016, tras su primera visita a Andalucía, la compositora estuvo conversando con la conocida flautista y docente Wendela van Swol, primera flauta de la orquesta de Córdoba, quien le animó a escribir una nueva pieza para flauta y piano.
Se inspiró en una antigua melodía andaluza encontrada en un libro escrito por Felipe Pedrell que pertenecía a su madrina, de la colección de su padre, un músico aficionado que había viajado mucho por Europa y coleccionaba partituras.
La obra contiene secciones basadas en formas musicales andaluzas, en particular la rumba y la soleá, y otras secciones con formas más libres, como la introducción a modo de cadencia para la flauta, y una nana en la parte central de la pieza.
La versión para cuerdas fue un encargo de Pilar Constancio, flauta solista del Teatro Real de Madrid, quien la estrenó en dicho teatro en la temporada de cámara del año 2025.
ALEJANDRO ROMÁN
(Madrid, 1971) destaca en la escena española como uno de los compositores más relevantes de su generación. Su música, descrita por la crítica como “ecléctica, original y muy personal”, refleja influencias del jazz, el cine, la música contemporánea, el pop y el rock, y ha sido elogiada por su sensualidad, elegancia y riqueza sonora. Ha compuesto más de ochenta obras sinfónicas, además de música para cine, teatro y danza, con estrenos y grabaciones en España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Italia, República Checa y Cuba, entre otros países.
En su faceta cinematográfica, ha compuesto las bandas sonoras de numerosas películas, colaborando con directores como Toni Bestard, Miguel Santesmases, Raúl Cerezo, Alejandro Amenábar, Juan Carlos Claver o Zoe Berriatúa.
Su música ha sido interpretada por prestigiosos solistas, ensembles y orquestas, y ha recibido encargos de importantes instituciones, entre los que destaca la obra obligada para el 56º Concurso Internacional de Piano “Premio Jaén”. En 2016, el Concurso Internacional de Piano “Compositores de España” le dedicó su XVII edición. Su catálogo incluye una importante producción para arpa, escrita en estrecha colaboración con la arpista María Rosa Calvo-Manzano, quien en 2015 le dedicó una monografía con la grabación de la integral de su obra arpística.
Ha sido galardonado con diversos premios, como el Premio Nacional de Música “Cultura Viva” y el Premio a la Mejor Banda Sonora Original en el Festival de Cine de Zaragoza. Es miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, de Musimagen, de la Asociación de Compositores Madrileños (AMCC), y forma parte del patronato de la Fundación Sax-Ensemble, promoviendo la creación y difusión de la música contemporánea para saxofón.
Doctor en Filosofía por la UNED, es especialista e investigador en música cinematográfica. Compagina su labor creativa con la docencia como profesor de Composición para Medios Audiovisuales y del Máster en Nuevas Tecnologías en la Música Actual en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. También es profesor del Programa de Doctorado “Música y su Ciencia y Tecnología” de la Universidad Politécnica de Madrid y director del Máster en “Tecnologías en la Composición de Bandas Sonoras y Música para Videojuegos” de la Universidad Complutense de Madrid. En 2024 fue elegido Académico de la Real Academia de Doctores de España (RADE) en la Sección de Arquitectura y Bellas Artes.
Es autor de diversos libros de referencia sobre análisis y creación de música para cine, entre ellos El lenguaje musivisual, Análisis musivisual y Composición musivisual.
TAMBOURIN, Op. 13. Variaciones para Orquesta sobre un tema de Rameau
El tambourin era un baile provenzal que se acompañaba con una música alegre en compás binario. Recibía este nombre porque la música imitaba el sonido de un tambor, generalmente mediante una figura repetitiva en el bajo. Su origen se relaciona con un pequeño tambor de procedencia árabe denominado tambourin o tambour de Basque. Esta danza se interpretaba junto con una pequeña flauta llamada galoubet o flaviol. Por otra parte, tambourin, en francés, se traduce como “pandereta”.
Jean-Philippe Rameau incluyó tambourins en muchas de sus óperas, como Platée, Les Indes galantes y Les fêtes d’Hébé. El de esta última se hizo especialmente célebre en un arreglo para teclado incluido en la suite en Mi menor de sus Pièces de clavecin. Los tambourins fueron muy populares durante todo el siglo XVIII y pueden encontrarse también en obras como Alcina, de Händel, o Iphigénie en Aulide, de Gluck.
El tema del Tambourin de Rameau es el punto de partida de estas variaciones sinfónicas, compuestas en 2001 para orquesta con maderas a dos. Se trata de una serie de seis variaciones en las que el tema original no se presenta como una simple melodía adornada, sino como un material musical sometido a transformaciones de carácter, ritmo, armonía, textura y color orquestal. El término “sinfónicas” alude precisamente a ese tratamiento amplio y plenamente orquestal del tema, en el que la variación afecta no solo a la línea melódica, sino también a la construcción formal, al desarrollo tímbrico y a la energía general de cada sección.
En la obra abunda el uso de la técnica de “espejo”, mediante la cual los motivos del tema aparecen invertidos y suenan simultáneamente con el tema original, generando un juego de reflejos entre la referencia barroca de Rameau y una escritura orquestal de carácter más contemporáneo.
Alejandro Román