Nuevo Ensemble de Segovia
Con una ingente labor por más de tres décadas, el Nuevo Ensemble de Segovia, neSg, dedica su actividad a la difusión del repertorio de música contemporánea y es la versión actual del conjunto formado por Flores Chaviano, su director, en 1992.
Ha participado en numerosos festivales de música contemporánea tanto a nivel nacional como internacional pudiendo destacar el Festival de Primavera de Salamanca, Festival en Bilbao, Valencia,el Festival de Música Española de León, el COMA (Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid), el Ciclo de Conciertos de la Universidad Autónoma de Madrid, las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia (de las que es grupo residente), Teatros del Canal, Academia de Bellas Artes de San Fernando, Centro centro, Sociedad General de Autores, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid o el Festival HLCC of SUNY College at New York (EEUU), entre otros.
Durante estos años el neSg ha realizado el estreno absoluto de decenas de obras (la mayoría dedicadas a la agrupación) de destacados compositores actuales y extranjeros como Tomás Marco, Sebastián Marine, Consuelo Diez, Carlos Cruz de Castro, José Ma Garcia Laborda. Cruz López de Rego. Enrique Muñoz, Alejandro Moreno, Beatriz Arzamendi. Magali Ruiz, Orlando Jacinto Garcia, Danilo Avilés, Ma. Luisa Ozaita, Manuel Angulo, Mercedes Zavala, Sebastián Sánchez Canas, Angela Gallegos, Patrick Burgan, Javier Jacinto, Ricardo Gassent, Juan Piñera o su propio director, Flores Chaviano.
El neSg, bajo la experimentada batuta en la dirección de Flores Chaviano, está compuesto por Elena de Santos, piano, Ana Isabel Gómez, flautas Sergio Sánchez, clarinetes, Pablo Castaño, saxofones y Eugenio Uñón percusión. Así mismo, todos ellos compaginan su labor interpretativa con la docente, lo que muestra su compromiso e implicación activa con la enseñanza musical.
Con motivo de nuestro concierto por el 30 aniversario en la Real Academia de Bellas Artes (RABASF) el compositor y Academico de RABASF Tomás Marco, destacó en la Revista Scherzo del 23/10/22.
“Hace treinta años en 1992, se presentaba en su ciudad el Ensemble de Segovia, que dirigido y fundado Flores Chaviano, ha desarrollado una ingente labor en beneficio de la música actual y que también actúa regularmente en Madrid………Actuaban ahora dentro del interesante programa del Festival COMA 22 que sigue desarrollándose producido por la madrileña asociación de compositores. El programa fue de gran calidad………Señalamos la gran calidad individual y colectiva del Nuevo Ensemble de Segovia, lo acertado del programa elegido que sin duda era de los mejores de todo el COMA, y la reacción de un público que no solo llenaba la sala, sino que demostró pasárselo realmente bien y entusiasmarse con músicas que, más que nuevas o viejas, lo que ocurría es que eran buenas y estaban bien tocadas.”
ANA BEYRON
Compositora madrileña, ganadora del Concurso de Composición del Teatro de la Zarzuela (2025) y del 1º Premio del Festival de Narnia, Italia por música para acción.Su obra ha sido seleccionada por el Comité de Soundtrack del Festival de Cannes con la ASM. Seleccionada por Alastair King para grabar con la Fames Institute Orchestra por la Fundación Juan March y el British Council para el curso #WeAreEquals.
También ha grabado una obra con la Orquesta Sinfónica de RTVE en el Teatro Monumental, un CD para contrafagot solo y electrónica con Ángel Flores con la editorial Anachrony Records en México. Premiada por Ibermúsicas y Lírica Disidente por su Lied El Jinete de Mar.
EL CANTO DE LAS SIRENAS MUDAS
La obra explora poéticamente la idea de un lenguaje propio de las sirenas, comprensible únicamente bajo el agua. Al emerger a la superficie, su voz se transforma progresivamente hasta extinguirse por completo. La propuesta sonora se articula como una transición desde el sonido hacia el ruido, y de este hacia el silencio. A lo largo de este proceso, se busca sugerir la presencia de una voz que intenta persistir incluso cuando ya no puede ser escuchada. Durante los pasajes silenciosos, los intérpretes soplan a través de recipientes con agua, produciendo burbujas sin alturas definidas teniendo la impresión de que las sirenas continúan intentando hablar aun cuando ya no pueden emitir palabras inteligibles, como vestigios de un lenguaje sumergido que se resiste a desaparecer.
ANTONIO BLANCO TEJERO
Antonio Blanco Tejero (Jerez de la Frontera (España), 1979), se forma como compositor principalmente en los conservatorios superiores de Sevilla y Milán, donde estudia Dirección de Orquesta y Coro así como Dirección de Escena. Ha sido vencedor de diversos premios internacionales de Composición como Claxica 2009 y artista residente en la Real Academia de España en Roma, Creadores Iberoamericanos en México y la MacDowell Colony en Estados Unidos, entre otras instituciones. Su música de cámara y orquestal ha sido estrenada en importantes circuitos de música contemporánea como los del CNDM.
Actualmente es profesor de Composición y Armonía en el Grado Superior de la escuela Música Creativa de Madrid y profesor de Análisis y Armonía en el Conservatorio Torrejón y Velasco de Albacete.
CONSUELO DIEZ
Estudió en el Real Conservatorio de Madrid los Títulos Superiores de Composición, Piano y Solfeo y Teoría de la Música. Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, Doctora en Artes Musicales y Master of Music por la Universidad de Hartford en EE.UU. Ha recibido los Premios: “Norman Bayles”, “Real Art Ways”, “Pi Kappa Lambda” y “Ned and Frances Black Fund” en EE.UU.; “Ciudad de Heidelberg”, en Alemania; Premio de la Música (Sgae), “II Panorama de Jóvenes Compositores de la ONE”, “Jóvenes Creadores de Madrid”, ”Viva el Espectáculo”, Nacional Ignacio Nieva y Premio Dulcinea de Castilla La Mancha, y primer Premio de Composición María de Pablos, en España. Ha representado a España en la Tribuna Internacional de compositores de la UNESCO y en el Festival World Music Days. Ha compuesto música sinfónica, de cámara, vocal, electroacústica, para danza, documentales y teatro. Ha sido interpretada en el Carnegie Hall y Lincoln Center de N.Y., La Fenice de Venecia, Teatro de la Ópera de Sidney, Filarmónica de San Petersburgo, Teatro Real, Auditorio Nacional y Palacio Real de Madrid, Filarmónica de Berlín, Teresa Carreño de Caracas, Teatro Colón de Buenos Aires, Palacio de Bellas Artes de México, etc. Tiene obras en 37 discos de los sellos Nibius, Verso, RTVE, Several Records, Classic World Sound, Hyades Arts y Junta de Andalucía. Y publicadas en Mundimúsica, Musicalis, Nadir y Junta de Andalucía. Ha sido Directora del Conservatorio de Ferraz (Madrid); del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC) y del Festival de Alicante del Ministerio de Cultura; miembro del Comité Ejecutivo de la European Conference of Promoters of New Music (ECPNM); Directora de los Festivales “Clásicos en Verano” y “Arte Sacro” y Asesora de Música de la Comunidad de Madrid. Actualmente es directora del Festival de La Mancha, miembro del Comité Internacional de Honor de la Fundación Chiti (Italia) y desarrolla su labor docente en una cátedra de Composición del Real Conservatorio Superior de Madrid.
LLAMA DE AMOR VIVA
Llama de amor viva es una obra escrita en 2026, para Flauta, Clarinete, Saxo, Percusión y Piano, por encargo de Flores Chaviano, fundador y director del grupo Nuevo Ensemble de Segovia (NESG), con destino a ser estrenada durante el Festival COMA 2026, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.
Está basada en diversos aspectos de la vida y obra de San Juan de la Cruz. Por ejemplo, fechas importantes en su vida, están relacionadas con la organización de alturas, tanto melódica como armónicamente. Asimismo, la obra está dividida en dos secciones, sin solución de continuidad, igual que ocurre con la producción poética de San Juan, que suele encontrarse organizada en dos periodos por parte de los especialistas.
El número ocho, por otro lado, estuvo muy presente en la vida de San Juan, y aquí cobra mucha importancia en algunos parámetros de la primera sección.
En otro orden de cosas, se pueden encontrar usos anafóricos en la música, de la misma manera que él hacía en su poesía. Así, algunos instrumentos, a veces, hacen “comentarios” de lo que han realizado otros, o de lo que lleva a cabo el instrumento que protagonice el discurso musical en ese momento, igual que San Juan escribió comentarios a su propia obra en verso.
En Llama de amor viva aparecen dos citas reconocibles de obras mías anteriores, de “Ligeramente se curva la luz”, y de “Nada te turbe”, obra, esta última, que enlaza con la que aquí comento en su concepto originario, ya que está basada en un poema de Teresa de Jesús, del mismo título, siendo ella y el autor que nos ocupa, los más grandes místicos de la historia del mundo occidental.
JOSÉ MARÍA GARCÍA LABORDA
(León, 1946) es un compositor, musicólogo y profesor de la Universidad de Salamanca. Ganador del premio de investigación humanística 2013 concedido por la Sociedad Menéndez Pelayo.
Realizó sus primeros estudios musicales en el Conservatorio de Música de su ciudad natal. En 1972 se trasladó a Alemania para ampliar estudios de composición y de musicología. Es titulado en composición (discípulo de Hans Ulrich Engelmann) y pedagogía musical (estudios en la Hochschule für Musik de Fráncfort del Meno (Alemania) y doctor en Musicología por la Universidad Wolfgang Goethe de la misma ciudad (su tesis doctoral sobre el Monodrama “Erwartung” de A. Schönberg fue tutorizada por los prestigiosos musicólogos Carl Dahlhaus (Berlín) y Ludwig Finscher (Fráncfort del Meno) y publicada en la conocida editorial alemana Laaber en 1981).En Alemania tomó contacto con prestigiosos compositores de la vanguardia alemana, como G. Ligeti, K. Stockhausen, L. Berio, L. Nono, M. Kagel, entre otros.
En 1977 fue becado para asistir a los Cursos de Verano de Música Nueva de Darmstadt (Darmstädter Ferienkurse), en donde realizó el curso de análisis que impartían G. Ligeti y C. Halffter en esa edición. Y en 1978 recibió una beca para visitar la Fundación Gaudeamus en Bildhoven (Holanda) y el Estudio de Música Electroacústica de la Universidad de Utrecht (en donde asistió a las clases del compositor M. König). A su vuelta a España en 1980 fue también becado para asistir al XI curso de composición impartido por Carmelo Bernaola en el Curso Manuel de Falla de Granada.
Como miembro de la Junta directiva de la ACSE (Asociación de Compositores Sinfónicos Españoles) durante los años de la década de los ochenta y noventa asistió como invitado en varias ocasiones a la Biennale Musical de Berlín Oriental organizada por la antigua República Democrática Alemana y al encuentro de Compositores del Eje Norte y Sur en Miami (Estados Unidos).
Ha sido profesor de Armonía y Formas musicales en el Conservatorio Profesional de Música de Cáceres (1983-1986), Catedrático de musicología por oposición en el Conservatorio Superior de Música de Murcia y profesor Asociado en la Universidad de Murcia (1986-1991). También ha sido Asesor de Música de la Comunidad Autónoma de Murcia y director del Aula de Música de la esa Universidad durante varios años. Desde 1991 ha sido Profesor Titular de la Universidad de Salamanca y desde 2009 Catedrático de Musicología en la Universidad de Salamanca. Coordinador del Master de Música Hispana en la Universidad de Salamanca durante tres años.I gualmente ha sido también Asesor de Música en esta Universidad en el Servicio de Actividades Culturales. Ha impartido cursos on-line en la titulación de Musicología de Universidad de la Rioja como profesor colaborador. Ha impartido numerosas conferencias y cursos de análisis en distintos Conservatorios de toda España y también ha dado clases magistrales en las Universidades alemanas de Heidelberg, Hamburgo y Berlín. Desde su residencia en la ciudad de Salamanca ha impulsado el conocimiento, la creación y difusión de las obras de numerosos compositores españoles a través de sus actividades en la Universidad de Salamanca, con cursos de análisis, conferencias y festivales. En Salamanca dirige, desde el año 1992, el Festival Internacional de Primavera de Música Contemporánea, que actualmente va por su vigésima quinta edición en 2016.
Como compositor ha compuesto más de 100 obras de todos los géneros y estilos que se han estrenado en diversos países (como Japón, China, Estados Unidos, Uruguay, Panamá, Suráfrica, Alemania, Suecia, Estonia, Finlandia, Francia, España, etc.) consiguiendo varios premios y reconocimientos internacionales. Ha recibido encargos de prestigiosas instituciones europeas y españolas. Finalista del Concurso de Composición Arpa de Oro de la Confederación de Cajas de Ahorro por su obra «Cántico» para Conjunto instrumental. Premio Bravo de Composición de los Medios de Comunicación de la Iglesia por su obra escénica para coro y orquesta “Francisco de Asís”. La Fundación Autor en unión de la Asociación de Orquestas Sinfónicas Españolas promocionó su Cantata Sinfónica “León 810-2010” para dos coros y orquesta sinfónica en el 2010, que se ha publicado en CD por la SGAE. Ha recibido el Premio de la Real Sociedad Menéndez y Pelayo 2012 por su libro La Sociedad Filarmónica de Madrid (1901-1936): Contexto histórico y valoración del repertorio (2011).
Entre sus publicaciones, destacan: Studien zu Schönbergs Monodram Erwartung op. 17 Laaber Verlag, Laaber (1981), El Expresionismo Musical de A. Schönberg (1989), Forma y Estructura en la música del siglo XX (1996), La música del siglo XX: Emancipación y modernidad (2000), En torno a la Segunda Escuela de Viena (2005) y La Sociedad Filarmónica de Madrid 1901-1936 (2011).
Algunos de sus discos más relevantes son: Amalgama: Música española para saxofón (1992), Coplas a la mujer imaginada (1992), Reflejos en el aire(1997), Obras de cámara (2001), Tríptico de Salamanca: Música para tres pinturas (Luis de Horna) sobre tres poemas (2002), Homenaje a la Guitarra: Flores Chaviano (guitarra) (2002), Crónica de un sentimiento: Ocho Compositores Españoles (2003), Música de Aniversario (2006), León 910-2010: Cantata Sinfónica a la Fundación de un Reino (2011), Te Deum (2014).
A LA SOMBRA “DEL ENCINA”
La obra contiene en su título dos claras referencias: una histórica y otra geográfica.
La primera alude al compositor salmantino Juan del Encina (1468-1529), del que se toman algunos motivos de sus conocidos villancicos, que alternan en dos planos sonoros diversos, con estructuras más abstractas y libres, basadas en un “modo” peculiar de seis sonidos, con el que he trabajado últimamente.
La alusión geográfica alude a las características encinas que pueblan la provincia de Salamanca a cuya sombra trabajo actualmente.
José M. García Laborda. Salamanca, 1 de mayo de 2026
JORGE MIGUEL GONZÁLEZ
Titulado superior de guitarra, miembro de la Asociación Madrileña de Compositores (AMCC) desde 2015. Profesor de guitarra y conjunto instrumental en el conservatorio Pedro Aranaz, Cuenca.
Primer premio del XIX Concurso de Composición de Guitarra Clásica Andrés Segovia por su obra Cromático o semifinalista en el Concurso de Composición Michele Pittaluga con su cuarteto con guitarra Prospettiva.
Entre los encargos recibidos se encuentra “Tres relatos” para flauta, arpa, violín y viola, para la Fundación Canal, el ballet Servet o la soledad, para la compañía de danza La mov, o Variaciones sobre O gloriosa Domina, encargada por el guitarrista David González.
Con más de una treintena de estrenos, ha sido interpretado por numerosas agrupaciones y solistas del ámbito de la música contemporánea como el Ensemble Kuraia, Cuarteto Chagall, Nuevo ensemble de Segovia, Sax ensemble o Sonor ensemble.
CRUZ LÓPEZ DE REGO
(Barcelona 1957). Cursó sus estudios musicales en los Conservatorios Municipal de Barcelona y Superior de Madrid, obteniendo diversas titulaciones superiores. Completa su formación dentro y fuera de España con profesores como A.Barrio, P. Espinosa y F. Donatoni, entre otros. Desarrolla su actividad docente e investigadora como Catedrática de Música en la Universidad Autónoma de Madrid.
REBECA SANTIAGO MARTÍNEZ
Guitarrista y compositora, sus obras han sido programadas en numerosos festivales y ciclos de conciertos nacionales e internacionales: COMA, Festival After Cage, Madrid Actual, [Inter/Cliclo], Festival SOXXI, Festival de la guitarra de Sevilla, Superweek, Festival internacional de guitarra José Tomás, Pas Percussion Week, Malaysian Concert Series, Festival Internacional de Músicas Actuales de Estrasburgo y se han escuchado en países como Italia, Francia, Portugal, Suiza, Malasia, China, Dinamarca, Alemania y EE.UU.
En 2022 obtuvo el Primer Premio en el VII Concurso Internacional de Composición Manuel de Falla. En 2025 fue galardonada con el Primer Premio en el Vienna Forum Gitarre Composition Competition y la Mención especial del jurado en el Concurso Internacional de Composición San Francisco de Asís 2025. Su obra está editada por Gehrmans Musikförlag, Les Productions D’Oz y Brotons y Mercadal.
Directora musical e integrante del grupo vocal Lux Contemporánea y el ensemble Teatro del Arte Sonoro.
LA PARADOJA DE TESEO
Plutarco cuenta que, para honrar la hazaña heroica de Teseo, los atenienses conservaron su barco durante siglos. Cada vez que una de sus piezas se deterioraba era sustituida por otra idéntica, del mismo material y función, hasta que finalmente ninguna de las partes originales permanecía. Sin embargo, la nave seguía siendo reconocida como el barco de Teseo.
Esta paradoja, formulada en la Antigüedad, plantea una pregunta que continúa siendo profundamente vigente: ¿qué permanece cuando todo cambia? ¿En qué reside la identidad cuando la materia que la constituye ha sido completamente reemplazada? La cuestión adquiere una dimensión especialmente inquietante cuando se traslada a nuestra propia existencia: si nuestro cuerpo, nuestra memoria y nuestras experiencias se transforman continuamente, ¿qué hace que sigamos siendo nosotros mismos?
La paradoja de Teseo propone un recorrido sonoro en el que permanencia y cambio conviven en un equilibrio inestable. Los materiales musicales evolucionan mediante procesos de sustitución, deformación y recontextualización; cada transformación conserva la huella de la anterior mientras abre nuevas posibilidades de desarrollo. La instrumentación —flauta, clarinete bajo, saxofón barítono, percusión y piano— favorece un continuo desplazamiento de funciones y colores tímbricos, haciendo que una misma idea musical reaparezca bajo distintas identidades sonoras.
Más que ofrecer una respuesta a la paradoja, la obra propone habitarla. La transformación deja de ser un simple recurso compositivo para convertirse en el principio estructural que articula el discurso musical y en una reflexión sobre la naturaleza cambiante de la identidad.