ANA TRONCOSO Y NACHO OJEDA
Nacho Ojeda es un pianista centrado en la música de nuestro tiempo y las nuevas posibilidades que esta ofrece a la hora de vivir experiencias rompedoras en la sala de conciertos. Él entiende la composición, la interpretación y la improvisación como tres partes inseparables del proceso de creación musical, y se aproxima a la música con pasión e intención en cualquier género que acomete.
JACOBO DURÁN-LORIGA
Madrid 1958, estudió composición con Carmelo Bernaola y Luis de Pablo. Se especializó en Colonia en la composición con medios electroacústicos, aunque su producción se centra en la música instrumental. Su obra, con un catálogo de un centenar de obras, abarca géneros diversos como la ópera Timón de Atenas, el melólogo Cántico de Mallick, o la música para cine Tata mía de José Luis Borau, o las instalaciones sensoriales (Sydney, LIFT de Londres). Ha recibido encargos de las principales orquestas y festivales españoles.
Entre 1993 y 1998, Durán-Loriga ha sido profesor de Composición y de Estética musical del Conservatorio de Albacete. Compositor Asociado a Proyecto Guerrero entre 1996 y 2003. Director del magazine La noche cromática (2004-2008) de Radio Clásica, RNE, entre otros programas realizados para dicha emisora. Director del Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y de la revista Quodlibet. Premio de creación radiofónica RNE/CDMC- 2011 con Las cuitas de Job. Editor de la editorial Periferia. Patrono de la Fundación Sax-Ensemble. Hoy se centra en la composición y la reflexión estética, más específicamente sobre el tiempo musical.
TRES TELEARIAS
1 – El contestador (2007) – Texto de Vanesa Pérez-Sauquillo
2 – El tranvía (2008) – Texto de Francisco Vighi
3 – A Roberto Schumann (2017) – Texto de Gerardo Diego
Las tres telearias se estrenan en esta ocasión como colección, aunque ya fueron interpretadas separadamente. Es improbable que componga más piezas en tan inusitado género, así que quedan agrupadas de este modo y ordenadas cronológicamente.
Cada una de ellas nació por un encargo en el que se me imponía el poeta, pero yo he elegido el texto. Cada pieza tiene sus características propias, no buscándose una unidad estilística.
¿Que por qué se llaman telearias, y no canciones o Lieder? Ah, ahí está la gracia…
Jacobo Durán-Loriga
AGUSTÍN GONZÁLEZ ACILU
Alsasua, Navarra, (18 de febrero de 1929 – Madrid, 15 de agosto de 2023). Inició sus estudios musicales en su villa natal con Luis Taberna, continuándolos en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Enrique Massó, Francisco Calés y Julio Gómez. Por otra parte, realizó trabajos de musicología para la Institución Príncipe de Viana sobre compositores navarros del siglo XVIII. En 1962 obtiene, por concurso-oposición, la beca extraordinaria de la institución anteriormente mencionada para ampliar estudios de composición en París, Venecia y Roma. En 1964 asistió como invitado al International Ferienkurse Für Neue Musik, de Darmstadt (Alemania) y al IV Corso Internazionale de Arte e Cultura nella Civiltà Contemporanea (Venecia). Por otra parte, posteriormente, realizará diversos trabajos de investigación lingüística orientados a una futura aplicación musical en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas.
Entre los premios obtenidos durante su carrera, cabe mencionar los siguientes: el Premio Samuel Ros (1962), accésit a la mejor obra estrenada en la temporada 1967-68, representación de Radio Nacional de España en el Prix Italia en 1971, representación en la Tribuna de Compositores de la Unesco, Premio Nacional de Música en 1971 (con una segunda concesión en 1998), Beca de la Fundación Juan March 1972, miembro fundador de la ACSE (Asociación de Compositores Sinfónicos Españoles), Premio Príncipe de Viana de la Cultura y Medalla de Oro del Conservatorio Superior de Música de Madrid en 2009, así como Doctorado Honoris causa por la Universidad Pública de Navarra en 2011.
Agustín González García de Acilu ejerció la docencia como profesor de Armonía en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y de Composición en cursos como el de «Técnicas del siglo XX» en el Conservatorio Navarro de Música Pablo Sarasate, de Pamplona (1984-87).
PEDRO GUAJARDO
Pedro Guajardo Torres, (Madrid, 1960), compositor, video-artista, performer. Estudia en el RCSMM, obteniendo el título de profesor superior de solfeo y el título de profesor de piano y asiste a cursos de música contemporánea con M. Porrás, C. Halffter y L. de Pablo. Asiste a cursos internacionales como Granada, Compostela, Darmstadt, Siena, etc. estudiando con L. Nono, C. Bernaola y L. de Pablo, etc. Participa en cursos en el IRCAM, y es invitado al festival de Donaueschingen por la SWRF de Alemania y la Fundación J. March. Obtiene un máster en composición por el California Institute of the Arts como becario Fulbright y ‘Master in Music’ en dirección de orquesta por la University of Missouri-Columbia, obteniendo la beca Banco de España.
Ha sido seleccionado en la «I Tribuna de Jóvenes Compositores» de la Fundación J. March, recibe mención de honor en la P.A.S. (Percussion Arts Society) de EE.UU. Ha obtenido el 3º Premio Internacional de Composición por Ordenador ‘Pierre Schaeffer’ en Italia, 1998; 1º premio de Composición para Armónica de Cristal ‘Thomas Bloch’, 2000, Francia; 1º premio del IV concurso Internacional ‘Eduard Grieg Memorial’, 2000, para cuarteto de cuerda, Noruega; mención especial en el 1º Premio SGAE de Música Electroacústica 2001 y palmarés en Synthèse 2003 en el apartado de multimedia. Sus obras han sido programadas en numerosos festivales Internacionales.
En el campo audiovisual ha sido seleccionado en festivales como el FIJR de Granada, Sensxperiment, InCINEración, el maratón de Música Visual de Boston, MuVi (Video and moving image on Synesthesia), Cinemística y realizado bandas sonoras, música para teatro y danza, así como instalaciones en diferentes festivales como ‘Art Inside the Park’ en Jefferson City, Missouri, EE.UU.
De 2007 a 2009 fue artista invitado residente en la Universidad de Columbia-Missouri, EEUU, donde ha sido sido profesor de Música Visual en el departamento de arte y profesor en el departamento de música y director invitado de la UMC Philharmonic Orchestra y del Contemporary Music Ensemble estrenando su Concierto para Percusión y Orquesta en versión multimedia y Lumen, performance multimedia de su grupo Eklektika, formado con Rebecca Choate en 1994, con el que ha realizado giras nacionales actuado en lugares como el MNCARS, Madrid o CAAC de Sevilla, e internacionales (México, EE.UU). En 2009 recibió una residencia artística de la fundación Rockefeller en el Centro Bellagio, Italia. En 2011 fue profesor invitado Erasmus en la Estonian Academy of Music and Theater en Tallin, Estonia. Estrena su último concierto video-performance EkLEkTIkA ReduX en el ‘Centro Guerrero’ en Granada en homenaje al pintor Julio Juste. Ha sido catedrático de composición en el RCSMVE de Granada donde impartió durante más de dos décadas, composición para medios electroacústicos, audiovisuales, tecnología musical, composición para bandas sonoras, etc. Recientemente le han dedicado conciertos monográficos en el RCSMM y tras su jubilación en el RCSMVE de Granada.
AMERICAN LOVE SONGS
Es un breve ciclo de canciones muy sencillas e íntimas.
Describe con su poesía el gran amor entre los padres de mi mujer, Rebecca y está dedicado a ellos.
De Al Brooks, su padrastro, son tres de los poemas. Falleció hace un par de veranos (2024) y estuvo los 12 últimos años de su vida añorando a su amor, Jane Brooks (Pitman), de quien es el poema de la última de las canciones ‘Sunday Morning’ (#1), aunque fue compuesta la primera (2012) y en la que se describe la sencillez de la felicidad y el amor. Tanto esta, como ‘Valentine – Long Distance Love’ (#2), fueron originalmente escritas para voz y ‘violone’ o contrabajo, estrenadas por Ana Huete y Jerónimo Fdez Casas en el Auditorio M. de Falla en Granada. Aquí se utiliza el piano simulando los ‘pizzicati’ de estos instrumentos. Song for Jane (#3), tuvo su preestreno en el concierto monográfico que me dedicaron en el RCSMM con los alumnos/as de la cátedra de improvisación de Carlos Galán en noviembre de 2022. Aquí se presenta el ciclo completo para voz y piano por primera vez con el estreno de ‘I miss you’ (#4), la última del ciclo, compuesta entre 2020 y este año. Aunque el orden se puede alterar, se sugiere:
1- Song for Jane
2- Valentine – Long distance love
3- I miss you
4- Sunday Morning
Pedro Guajardo
CONSTANCIO HERNAEZ MARCO
Constancio Hernáez Marco (Madrid, 1957) es un compositor español con obra vocal, camerística y sinfónica. Su música se ha presentado en el Auditorio Nacional de España, la Fundación Juan March, el Ehrbar Saal de Viena y el Mozarteum de Salzburgo, así como en festivales especializados de Europa y Latinoamérica.
Ha trabajado con agrupaciones como la Atlántida Chamber Orchestra, Sonor Ensemble y el Coro de Cámara Vocal Leo, además de diversos solistas de prestigio e internacionales. Su discografía incluye ediciones en NAXOS, NIBIUS y NOVUS PROMÚSICA, y su obra ha sido difundida por Radio Clásica de RNE y RTVE. Formado en el Conservatorio de Madrid, mantiene desde hace décadas un catálogo sostenido que desarrolla un lenguaje contemporáneo claro y coherente dentro de su estética personal.
AL ARRULLO DEL CANTO / CANCIÓN DE NAHIA
Al arrullo del canto, sobre un poema de Josefa Chacón, desarrolla un clima íntimo y contenido. La escritura vocal se adapta con naturalidad al ritmo interno del texto, mientras el piano sostiene un acompañamiento discreto que refuerza la claridad del discurso. La pieza se articula desde la serenidad y el equilibrio, sin subrayados expresivos.
Canción de Nahia, se enmarca en el género de la nana. El texto de Felipe Gallego, escrito pensando en la nieta del compositor, se integra en un movimiento ondulante y repetitivo característico del estilo. La obra está dedicada por el compositor a su nieta, lo que aporta un marco personal que convive con la sobriedad general de la pieza.
En estas dos piezas para voz y piano trabajo con una escritura de cámara que prioriza la claridad prosódica y la economía de materiales. La línea vocal se construye desde un lirismo contenido y un gesto musical natural, evitando énfasis retóricos. El lenguaje se sitúa en un ámbito moderadamente contemporáneo: actual y depurado, sin recurrir a procedimientos de la estética experimental ni del rupturismo, en continuidad con la práctica vocal reciente.
ANDRÉS PONCELA
Andrés Poncela (Madrid, 1996) es titulado superior de Música en la especialidad de Composición por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y máster de Composición Electroacústica y con Nuevos Medios por el Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska. Ha compuesto obras para instituciones como los Teatros del Canal, Plural Ensemble, Centro Cultural Casa de Vacas, MonteverdiChor München y Koninklijk Conservatorium Brussel. Ha recibido reconocimientos como el Primer Premio de Composición Orquestal Flora Prieto (2019), el Primer Premio de Composición para Música de Cámara Agustín Ramos (2020), el Premio Jóvenes Compositores Plural Ensemble (2024) y el Premio Jóvenes Compositores de la Fundación SGAE-CNDM (2025). Actualmente dirige el Coro Villa de Móstoles y es becario de la Residencia de Estudiantes, en la que desarrolla un proyecto de creación musical.
FUE UNA CIUDAD ARDIENDO
I.
UN MALABARISTA
(MR. JACK)
Las manos alzan una pequeña esfera y otra, y otra,
y otra. Se alzan, se abren, tornan. O es la misma:
una constante esfera por el aire.
Mientras las manos agitantes mueven
ese planeta múltiple y lo insertan
en el aire feliz. La luz no cambia.
No cambia nada, pues la bola vive
un sol perpetuo, hecho múltiples soles proseguidos:
un gran sol simultáneo. Rueda y asciende, y cae y gira y arde,
arde en cada pupila, ahora en redondo,
de cada espectador. Rueda de luces,
de vidas giradoras, en anillo sin fin, sin par viviendo.
¡Libertad, libertad! Rosa del mundo.
Retratos con nombre (1958-1965)
II.
NOCHE CERRADA
Ah, triste, ah inmensamente triste
que en la noche oscurísima buscas ojos oscuros,
ve solo el terciopelo de la sombra
donde resbalan leves las silenciosas aves.
Apenas si una pluma espectral rozará tu frente,
como un presagio del vacío inmediato.
Inmensamente triste tú miras la impenetrable sombra en que respiras.
Álzala con tu pecho penoso; un oleaje
de negror invencible, como columna altísima
gravita en el esclavo corazón oprimido.
Ah, cuán hermosas allá arriba en los cielos
sobre la columnaria noche arden las luces,
los libertados luceros que ligeros circulan,
mientras tú los sostienes con tu pequeño pecho,
donde un árbol de piedra nocturna te somete.
Sombra del paraíso (1939-1944)
III.
VOZ LEJANA
(PAUL ÉLUARD)
Fue una ciudad ardiendo, fue un suspiro, y dorose.
Fue una mirada triste con su verdad, o un humo.
Callad. Las calles lentas van despacio hacia sombras.
Las quejas como besos en lo oscuro se rompen.
Pero fue más: una ira, una cólera, o un orden.
Un orden soberano como en la mar las olas.
Playas humanas tienden a la música arenas.
La libertad. Y cantan. La libertad. Responden.
Retratos con nombre (1958-1965)
IV.
UN TÉRMINO
Conocer no es lo mismo que saber.
Quien aprendió escuchando; quien padeció o gozó;
quien murió a solas.
Todos andan o corren, mas van despacio siempre
en el viento veloz que ahí los arrastra.
Ellos contra corriente nadan, pero retroceden,
y en las aguas llevados, mientras se esfuerzan cauce arriba,
a espaldas desembocan.
Es el final con todo en que se hunden.
Mar libre, la mar oscura en que descansan.
Poemas de la consumación (1965/1966)
V.
LIBERTAD CELESTE
(…)
Pero arriba la cabeza se evade.
Belleza soberana, majestad de la frente,
piel serena de oriente donde un sol se retrata,
donde un sol tibiamente se ciñe como un brazo,
una piel fina, amada, de una mujer desnuda.
¡Cielo redondo y claro donde vivir volando,
donde cantar batiendo unos ojos que brillan,
donde sentir la sangre como azul firmamento
que circula gozoso copiando mundos libres!
Mundo a solas (1934-1936)
Poemas de Vicente Aleixandre.
Partitura se puede consultar aquí: https://n9.cl/h1sbz
Música compuesta por Andrés Poncela en la Residencia de estudiantes entre 2025 y 2026.