Las I Jornadas de Encuentros Profesionales de Música Contemporánea, coorganizadas por la Asociación Madrileña de Compositores y Compositoras (AMCC) y la Fundación SGAE, se celebraron los días 10 y 11 de enero de 2024 en la Sala Manuel de Falla de la SGAE en Madrid. Esta primera edición, que tuvo una asistencia que llenó el aforo los dos días, pretendían convertirse en plataforma necesaria para el diálogo, el intercambio profesional y la difusión de la creación musical actual en España. Nacieron con el lema de ser un «punto de inflexión» para el sector. El objetivo fue reunir a todos los eslabones de la cadena de valor de la música contemporánea (creadores, gestores, instituciones y medios) para diagnosticar los problemas de visibilidad y sostenibilidad del género. Realizamos un seguimiento fotográfico y documental completo de las Jornadas que puede verse en https://amcc.es/exito-rotundo-de-los-encuentros-profesionales-de-musica-contemporanea/
A continuación, un resumen de los diferentes paneles y los vídeos completos de las charlas.
PANEL 1: Música contemporánea y transversalidad cultural. El debate es moderado por Juan Lucas (director de la revista Scherzo) y cuenta con la participación de Ana Vázquez Silva, Ricardo Gasent y el reconocido compositor Tomás Marco. Los puntos clave tratados en el encuentro fueron:
1. La Transversalidad como Herramienta de Supervivencia. El panel comienza analizando cómo la música contemporánea, a menudo percibida como «difícil» o intelectual por el gran público, encuentra una vía de conexión mucho más eficaz cuando se fusiona con otras artes (cine, danza, artes plásticas). Se menciona el ejemplo histórico de la ópera Wozzeck de Alban Berg como una obra atonal que se impuso gracias a su fuerza dramática y escénica.
2. El Cine: Del «Matrimonio» por Necesidad a la Creación Conjunta. Ana Vázquez Silva (presidenta de Musimagen) destaca que el cine y la música comparten la «narrativa del tiempo». Se discute el estigma histórico de la música de cine como algo «alimenticio» para los compositores de concierto. Tomás Marco señala que hoy esa barrera ha desaparecido, y compositores como Alberto Iglesias o Federico Jusid transitan con éxito por ambos mundos [[51:55]].
3. Música y Artes Plásticas: Experiencias en España. Tomás Marco recuerda que en España se han realizado experiencias pioneras desde los años 60, como las colaboraciones en la galería Juana Mordó o conciertos inspirados en la obra de Lucio Muñoz o Zóbel. Se critica que, a menudo, los museos españoles no comprenden bien la música y programan obras que no tienen relación artística real con las exposiciones.
4. El Soundpainting y la Música Escénica. Ricardo Gasent explica el concepto de Soundpainting, un lenguaje de signos para la composición multidisciplinar en tiempo real que integra música, danza y teatro. Destaca que en la danza, el compositor tiene mayor libertad y un diálogo más profundo con el coreógrafo que en el cine comercial, donde la música suele llegar al final del proceso.
5. Retos: El Prejuicio del Público y la Educación. La palabra «Contemporánea»: Se debate si el propio término aleja al público. Muchos asistentes disfrutan de una obra de nueva creación si se les presenta en un entorno sugestivo, pero evitan el concierto si se etiqueta como «música contemporánea».
El intelectualismo sordo: Se lamenta que en España sea común que intelectuales de otras áreas (literatura, filosofía) presuman de no saber nada de música, algo impensable en otros países europeos.
Música Popular vs. Culta: Ante la pregunta de un asistente sobre la falta de conexión con el Rock o el Pop, se mencionan ejemplos de minimalistas (Philip Glass) trabajando con figuras como David Bowie o Brian Eno.
En conclusión, el panel defiende que la música contemporánea no debe aislarse, sino buscar activamente alianzas con otras disciplinas para recuperar su función social y emocional. Se puede consultar el vídeo completo a continuación:
PANEL 2: La música contemporánea en las programaciones. El debate se centra en la dificultad de integrar la música actual en las temporadas estables de las orquestas y en la búsqueda de soluciones para su normalización. Con Andrés Luis Lacasa, presidente dela Asociación Española de orquestas Sinfónicas AEOS; Maria Antonia Rodríguez, gerente de la Orquesta y Coros de la Comunidad de Madrid ORCAM; Beatriz Arzamendi, responsable de música y coordinadora Centro Coreográfico Canal. Modera: Gonzalo Pérez Chamorro, editor de la revista Ritmo
1. La Paradoja del Consumo Cultural. El moderador plantea una paradoja: mientras que en el cine o la literatura el público suele preferir las novedades más recientes, en la música clásica existe un rechazo hacia lo actual, prefiriéndose el repertorio tradicional de hace siglos. Se aportan datos: la música de compositores vivos ha pasado de representar un 3% a un 14% en las programaciones españolas en la última década, pero sigue siendo una cifra minoritaria.
2. El Dilema del Gestor: ¿Servicio Público o Rentabilidad?. Andrés Luis Lacasa (presidente de AEOS) y María Antonia Rodríguez (gerente de la ORCAM) explican la presión que sufren los gerentes. Por un lado, tienen la obligación de servicio público de promover la creación actual; por otro, deben responder ante patronatos políticos por la venta de entradas y el número de abonados. Se menciona que programar una obra contemporánea es mucho más caro que una de Beethoven debido a los derechos de autor y las restricciones de las editoriales para retransmitir por streaming.
3. La Necesidad de Nuevos Formatos y Espacios. Se debate sobre la «liturgia» del concierto tradicional, que puede resultar aburrida o intimidante. Beatriz Arzamendi apela a la creatividad y a la transversalidad (unir música con danza o pintura) para atraer al público joven. Se sugiere que las orquestas utilicen espacios alternativos fuera de los grandes auditorios para romper el estigma de la música contemporánea como algo «difícil».
4. Educación y Crisis del Sector. Existe un consenso sobre el estado «desolador» de la música en la educación obligatoria. Los ponentes subrayan que sin una base educativa, es imposible generar audiencias futuras que aprecien lenguajes musicales nuevos. 5. Intervenciones del Público (Músicos y Compositores) Juanjo Guillem (percusionista) denuncia la falta de «managers» especializados en música contemporánea, lo que obliga a los intérpretes a ser sus propios gestores. Jorge Grundman reclama que las instituciones públicas no deberían rendir cuentas solo por beneficios económicos, comparando el Auditorio Nacional con un hospital público que debe dar servicio independientemente de la «rentabilidad» de cada planta. Se pone como ejemplo positivo a las Bandas Sinfónicas (como la de Barcelona), que integran música de compositores vivos de forma mucho más natural y asidua que las orquestas.
El encuentro concluye con una llamada a la unión de todo el sector (compositores, gerentes y críticos) para dejar de pelear por «migajas» y exigir una política cultural que proteja la creación nacional. Se puede consultar el vídeo completo a continuación:
PANEL 3: Nuevos espacios de difusión y distribución. Moderado por la periodista Eva Sandoval, el debate aborda cómo la tecnología y los datos están transformando la supervivencia económica de los compositores.
1. El Algoritmo y la Analítica de Datos. Manuel Ruiz del Corral (Novus Promúsica) sostiene que un sello discográfico moderno debe ser experto en ciencia de datos. Explica que el algoritmo de plataformas como Spotify tiene «reglas» (basadas en la forma de onda, el tempo o la combinación de compositores en un disco) que determinan la visibilidad. Menciona que han logrado 6 millones de escuchas para sus artistas aplicando estas estrategias. Defiende que, aunque el creador deba hacer concesiones, es la única forma de que la música «llegue al móvil de todo el mundo».
2. El Agravio Comparativo en el Streaming. Cecilia León (Ediciones Joaquín Rodrigo) denuncia que el sistema actual de reparto de beneficios perjudica gravemente a la música clásica: Reparto por «tracks», no por duración: Se paga lo mismo por una canción de pop de 3 minutos que por un movimiento de sinfonía de 15 minutos. Falta de metadatos obligatorios: A menudo las plataformas omiten el nombre del compositor, atribuyendo la autoría al intérprete (ej. la Fantasía para un gentilhombre apareciendo como obra de Andrés Segovia y no de Joaquín Rodrigo).
3. Nuevos Modelos de Promoción y Experiencia. David Alonso (Wise Music Group) destaca la importancia de crear una «noticia» o «experiencia de usuario» alrededor de la obra: Sugiere el uso de podcasts para humanizar al compositor y que cuente su proceso de creación. Alonso apuesta por la interdisciplinariedad (mezclar clásica con electrónica o artes visuales) para atraer a públicos de otros géneros (mainstream) que buscan experiencias inmersivas.
4. El Reto de la Inteligencia Artificial. El panel concluye con una reflexión sobre la IA. Ruiz del Corral confiesa estar utilizando ChatGPT para componer y comprender cómo el «monstruo» entiende la semántica musical y las series dodecafónicas. Advierten que la IA ya es capaz de generar sinfonías en segundos y que el sector debe unirse para proteger sus derechos ante este cambio imparable.
5. Propiedad Intelectual y Piratería Digital. Se menciona que, aunque el digital ha vencido a la piratería discográfica, la piratería de partituras sigue siendo un problema masivo en plataformas no controladas, lo que asfixia a las editoriales independientes.
En resumen, el panel hace un llamamiento a los músicos «clásicos» para que dejen de ser analógicos y comprendan las reglas del siglo XXI si no quieren «extinguirse como los dinosaurios». Se puede consultar el vídeo completo a continuación:
PANEL 4: Catálogo de Música Española Actual para Violín. Responsables del CDAEM (Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música) anuncian el lanzamiento de este catálogo. Presentan: Mª José González Ribot, Área de Investigación y Difusión del Centro de Difusión de las Artes Escénicas y la Música CDAEM Cristina Marcos Patiño, Área de Documentación Música del Centro de Difusión de las Artes Escénicas y la Música CDAEM
1. Una Nueva Colección: «Catálogo de Música Española Actual». El CDAEM inaugura con este volumen una serie dedicada a recopilar el repertorio contemporáneo español por instrumentos. El objetivo es crear una herramienta eficaz para intérpretes y estudiantes: Para encontrar piezas de estudio y concierto; para programadores y gestores: para facilitar la inclusión de música actual en sus ciclos; para investigadores: como base documental de la creación reciente.
2. El Catálogo de Violín. Este primer volumen parte de una investigación exhaustiva de más de tres años del violinista Manuel Guillén. Incluye casi 2.000 obras compuestas para violín (solo, dúo de violines, o violín solista con conjunto). Los criterios de selección han sido obras de compositores españoles (o residentes) creadas a partir de 1950 (coincidiendo con el impulso de la Generación del 51). Cada entrada incluye título, duración, fecha de composición, datos del estreno absoluto, ediciones de partituras (con ISMN), grabaciones disponibles y dedicatorias.
3. Formato Digital e Interactivo. A diferencia de un libro tradicional, se ha optado por una edición digital en PDF que permite funcionalidades avanzadas: Enlaces directos: El catálogo incluye links a vídeos en YouTube o audios en SoundCloud para que el usuario pueda escuchar la obra de inmediato; Conexión con el fondo del CDAEM: Indica si el centro dispone de la partitura física, la grabación o el programa de mano para su consulta; Nivel de dificultad: Se incluye (cuando el autor lo ha facilitado) el grado de complejidad técnica de la obra para orientar a profesores y alumnos.
4. Invitación a la Colaboración. Las ponentes lanzan un «aviso a navegantes»: invitan a otros intérpretes que hayan recopilado información sobre sus respectivos instrumentos (flauta, piano, violonchelo, etc.) a colaborar con el CDAEM para que sus trabajos sirvan de base para los próximos volúmenes de la colección. El catálogo ya está disponible para su consulta gratuita y descarga a través de la web oficial del CDAEM. Se puede consultar el vídeo completo a continuación:
PREMIOS AMCC: Ceremonia de entrega de los Premios AMCC 2023 (Asociación Madrileña de Compositores), celebrada durante las I Jornadas Profesionales de Música Contemporánea.
Premios Otorgados. La asociación reconoció la labor de difusión, investigación e interpretación en cuatro categorías:
Difusión y Divulgación: Los Conciertos de La 2 (RTVE). Arturo Morales, su director, agradeció el reconocimiento a la labor de servicio público y la visibilidad que el premio otorga a un equipo pequeño pero comprometido.
Investigación: Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música (CDAEM). Su directora, Marina Bollaín, destacó la importancia de hacer visibles los «tesoros» documentales que custodia el centro para investigadores y ciudadanos.
Interpretación (Festival COMA): Grupo de Música Contemporánea del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM). Pablo Puig resaltó que la música contemporánea es un pilar en la formación de los alumnos, quienes estrenan regularmente obras de sus propios compañeros.
Interpretación de Música Contemporánea: José Luis Temes. El director fue homenajeado por su trayectoria de casi medio siglo dedicada al estreno de obras contemporáneas y a la recuperación del patrimonio histórico español.
Tras la entrega, los premiados participaron en un coloquio sobre el estado actual del sector:
La «Escena Perdida» de la Música: José Luis Temes planteó una reflexión crítica: mientras el interés por el patrimonio histórico español crece, la música contemporánea parece perder eco. Comparó la situación con perderse escenas clave de una película (entre 1930 y 1980), lo que impide al público actual comprender y «enamorarse» de los lenguajes actuales.
Normalización vs. Cuotas: Se debatió la necesidad de normalizar la presencia de obras contemporáneas en las programaciones habituales, evitando que se traten como una «cuota» obligatoria o algo ajeno al repertorio estándar.
Apoyo Institucional: Pablo Pucho señaló la dificultad de encontrar espacios para que los jóvenes intérpretes muestren su trabajo, debido a la desaparición de la gratuidad en el alquiler de salas y la falta de un apoyo institucional más decidido.
Nuevos Canales: Se destacó la importancia de las plataformas digitales y las redes sociales para llegar a nuevos públicos, aunque defendiendo siempre la primacía de la música en directo.
El acto finalizó subrayando que la creación contemporánea no es solo una cuestión profesional, sino un compromiso humano y educativo para construir una sociedad más crítica y libre.
Se puede consultar el vídeo completo a continuación: