JOSÉ ANTONIO GARCÍA FUERTES, guitarra
Lorena Barile, flauta (1)
Auditorio del Centro Cultural Conde Duque
- DANIEL CASADO (1962)
- Divertimento – Estudio *
- LUIS DE PABLO (1930)
- Fábula
- VALENTÍN RUIZ (1939)
- Sonata de las soleares
- DANIEL STÉFANI (1949)
- Elegía VII
- MIGUEL PONS (1975)
- Sonata para flauta y guitarra(1)
| DANIEL CASADO |
Daniel Casado (Madrid, 1962), guitarrista, flautista de pico y compositor. Ha compuesto obra para guitarra, piano, cuarteto de cuerda, coro y diversas formaciones de cámara. Es profesor en la EMMD de Collado Villalba y en la UAM. Ahora está especialmente ilusionado en escribir música para sus hijos Clara y Diego, pianista y percusionista respectivamente, un reto de altos vuelos.
Divertimento – Estudio *
Como puede deducirse del título, compuse esta obra con un propósito claramente pedagógico. Su forma musical radica en un juego de variaciones a partir de un tema propio antiquísimo, una melodía original en forma de simple escala (el tema generador) que escribí para aquellos alumnos que se inician en la guitarra. Así la pieza creció hasta derivar en una propuesta de recursos guitarrísticos de cierta dificultad (notas repetidas, arpegios, escalas, diferentes diseños de contrapunto, acordes, fraseo sobre posiciones abiertas, etc.). Todo ello en forma de un entretenido paseo estético, homenaje sonoro con un guiño cómplice a los Sor, Schönberg, Debussy, el mundo del blues, la milonga o la amable sonoridad de una balada new age.
(*) La pieza solo ha sido interpretada hasta ahora en círculos exclusivamente pedagógicos
| LUIS DE PABLO |
Luis de Pablo nació en Bilbao en 1930. Comenzó sus estudios de piano a los 7 años y desde los 12 compuso de forma autodidacta. Su primera vinculación con un profesional de la composición fue con Mauricio Ohana, dándole a conocer las técnicas seriales de la Escuela de Viena, así como las principales obras de referencia del lenguaje musical del momento (Boulez, Stockhausen, etc.). A partir de ese momento, intentó buscar un lenguaje propio, siendo su capacidad como compositor estimulada en esta primera época por los núcleos de Juventudes Musicales, Nueva Música, Tiempo y Música, Música Abierta y la Actividad del Aula de Música del Ateneo madrileño. Por otra parte realizó estudios de composición con Max Deutsch en París y participó, desde 1956, en los cursos de Darmstadt de música contemporánea. Al finalizar la década de los cincuenta, empezó a dar a conocer su obra simultaneando, en años posteriores, su carrera de compositor con la de conferenciante, ensayista y traductor de textos fundamentales de la música contemporánea. En 1964 fundó en Madrid el primer Laboratorio de Música Electrónica de España y, posteriormente, el centro privado ALEA, que presentó al público madrileño la música de cámara actual, así como las músicas tradicionales de culturas no occidentales.
El catálogo de Luis de Pablo abarca más de 150 obras distribuidas en todos los géneros: música orquestal, música de cámara, instrumentos solistas, música vocal, música electroacústica, ópera, etc.; todas sus obras han sido interpretadas en repetidas ocasiones por diversos directores, intérpretes o formaciones, como Cuarteto Arditti, Pierre Boulez, Bruno Maderna, Orquesta Nacional de España, Orquesta de París, Claude Helffer, José Ramón Encinar, Orquesta SWF Baden-Baden, NDR de Hamburgo, Filarmónica de Berlín y Trío Arbós, etc.
Por otra parte, ha sido profesor de composición en Buffalo (New York), Ottawa, Montreal, Madrid, Milán, Estrasburgo y ha impartido cursos sobre su obra en París, Madrid, Ueno Gakuen (Tokyo), Instituto Torcuato di Tella (Buenos Aires), Academia Santa Cecilia (Roma), Elisabeth School of Music (Hiroshima) y UCLA (Los Angeles), por citar tan solo unos ejemplos.
Luis de Pablo cuenta con numerosos reconocimientos como: Académico de Bellas Artes (Madrid y Granada), Académico de Santa Cecilia (Roma), Académico de la «Regia Accademia Filarmonica» de Bolonia, de la Real Academia Belga, Oficial de las Artes y Letras de Francia, Medalla de Oro del Rey, Medalla de Oro de la Cruz Roja Española, Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (Madrid), Premio Fundación Guerrero, Premio CEOE de las Artes, Medalla de las ciudades de Rennes y Lille (Francia) y miembro de la Sociedad Europea de Cultura desde 1966.
| VALENTÍN RUIZ |
Nacido en Jaén en 1939, inició sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, a la vez que se unió al grupo Combo Beta como músico de jazz, viajando por países como Portugal, Angola y Sudáfrica; en este último se instaló durante diez años, trabajando como intérprete y profesor. Regresó a España y en 1973 retomó sus estudios musicales de contrapunto y fuga, composición y dirección de orquesta, con los maestros Francisco Calés, Antón García Abril, Román Alís y Enrique García Asensio, obteniendo el Premio de Honor de Fin de Carrera en 1977.
Ha sido profesor numerario de armonía en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, entre 1978 y 1990, y desde 1992 en el Conservatorio Profesional «Teresa Berganza» de dicha ciudad. Ha recibido numerosos premios como compositor, entre los que pueden citarse el Premio Villa de Madrid (1977) por su obra Concierto para banda, el Premio Manuel de Falla de música de cámara (1978) por su Cuarteto de cuerda o el Premio del I Concurso de Composición de la Orquesta Sinfónica de Asturias (1982) por su Concierto astur. Ha recibido encargos de la Fundación Principado de Asturias, del CDMC, de los Festivales Internacionales de Música de Santander, Úbeda y Alicante, de la Orquesta y Coro Nacionales de España, y de los Ciclos de Cámara y Polifonía del INAEM, entre otros. y, recientemente, del Festival Musical de Texas (Houston, USA) y la Semana de Música Religiosa de Cuenca. Sus obras han sido programadas por la Cape Simphony Orchestra, Orquesta Sinfónica de México, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Sinfónica de Asturias, Orquesta Ciudad de Málaga, Orquesta Sinfónica de Baleares y Orquesta Nacional de España.
Sonata de las soleares
| DANIEL STÉFANY |
Es dentro del último cuarto del siglo XX de la composición española que Stéfani adquiere una dimensión singular definida tanto por la personalidad e independencia de su lenguaje como por la precisa consecución de logros creativos. Sin duda su trayectoria artística se ve especialmente influenciada por los consejos y direcciones de dos maestros, el español Federico Mompou y el argentino Alberto Ginastera, que son ejemplo de carrera muy personal y de total independencia estética y técnica. Y eso es principalmente lo que Stéfani ha heredado de ellos. A lo largo de una serie de obras en las que el piano tiene una atención principal pero ni mucho menos excluyente, Stéfani ha ido consiguiendo una depuración de su lenguaje que le ha llevado a una difícil y eficaz sencillez. Hombre de amplia cultura e intereses artísticos, que abarcan campos como el cine, la literatura o las culturas sudamericanas, es un profundo conocedor de la variedad de corrientes musicales que la música mundial ha producido en tiempos recientes. Una amplitud de conocimientos que le sirven precisamente para evitar la mimetización y llegar a imponerse la difícil ascesis de hablar con un lenguaje propio. Un lenguaje que tiene en cuenta las vanguardias para trascenderlas y los post-modernismos para trasgedirlos. Una concepción musical que le lleva a plantearse-la música como una creación comunicativa, un diálogo del hombre hacia el hombre, un hecho cultural a través de un medio sonoro y no un fin que se agote en sus propios límites.Su propia práctica como pianista, tanto como solista como en formaciones de cámara, le han llevado a una valoración de la praxis musical por encima de la especulación. Y ello no quiere decir que no reflexione profundamente sobre las implicaciones de la creación musical, sino que el resultado de la meditación va más allá de la escritura, establece un nexo con una realidad exterior representada por el propio auditor y por el intérprete que sirve de medio transmisor y recreativo. De esta manera, lo que es un hecho creativo se va convirtiendo en un hecho comunicativo para acabar siendo lo que más importa: una realización cultural.
Daniel Stéfani es de esos compositores capaces de desarrollar un arco evolutivo constante en la que cada obra enlaza naturalmente con la anterior y prepara la siguiente de forma que sería posible un conocimiento de su obra estrictamente cronológico pero también como si fuera un mosaico en el que cada pieza explica las demás, porque todas juntas son las que dan sentido a un conjunto. De esta forma, su obra se produce con constancia y sin fisuras de una manera natural y no resulta nunca ni excesivamente prolífica ni tampoco observa interrupciones. Aquí también se manifiesta una naturalidad compositiva que es, desde otro punto de vista, una de las mejores virtudes de su música: naturalidad, algo nunca forzado, un producto que aparece con la inexorabilidad de una función vital y que nos hace sospechar que Stéfani nació precisamente para ofrecer estas obras como un árbol nace y se justifica por el hecho de ofrecer sus frutos.
Tomás Marco*
* Tomás Marco es compositor, critico, Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Elegía VII
| MIGUEL PONS |
Realiza su formación musical en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, estudiando Armonía con Gabriel Fernández Álvez, Contrapunto y Fuga con Juan Carlos Panadero, Composición e Instrumentación con Valentín Ruiz y Antón García Abril, Electroacústica con Zulema de la Cruz , Acústica con Antonio Calvo-Manzano, Folklore y Canto Gregoriano con Emilio Rey e Ismael Fernández de la Cuesta respectivamente, participando al mismo tiempo en los cursos de análisis de la música del siglo XX con Enrique Blanco y Ángel Huidobro, y en numerosos encuentros didácticos con compositores como Carmelo Bernaola, Román Alís, Luis de Pablo, Claudio Prieto y Cristóbal Halffter, entre otros. También en este periodo realizará los primeros cursos de Dirección de Orquesta y Dirección de Coros. Como instrumentista estudia Piano con Rubén Fernández Picardo y Clavel Cabeza, y asiste a cursos de perfeccionamiento con Marcelino Domínguez y Aquiles delle Vigne.En este periodo obtiene el Premio de Honor de Armonía y Melodía Acompañada, Premio de Honor de Composición e Instrumentación, y Matriculas de Honor en Acompañamiento, y en Formas Musicales. Así mismo en 2001 recibe el Tercer Premio SGAE de Jóvenes Compositores por su obra “Trobant Vents” para quinteto de viento.
Paralelamente a sus estudios musicales, obtiene la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Entre los años 2005 y 2007 participa activamente en la organización del Festival de Música Contemporánea de Madrid como miembro de la Junta Directiva de la Asociación de Compositores Madrileños, ejerce como docente en la Escuela de Música Creativa de Madrid, y en el terreno audiovisual participa en los Talleres de Música y Sonido para Cine organizados por la Fundación Autor.
Su música ha sido interpretada en diversos festivales nacionales e internacionales y difundida en televisión y radio, destacando entre sus intérpretes grupos como el Sartory Cámara, Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, Ensemble Télémaque (Marsella), Solistas de la Orquesta Nacional y de la Orquesta Sinfónica de Madrid, Nederlands Blazers Ensemble y Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid bajo la batuta de directores como Luis Aguirre, Claudio Ianni, Raoul Lay, Arturo Tamayo o José Ramón Encinar, con quien recientemente ha grabado sus tres últimas obras sinfónicas para la colección “Compositores Españoles y Latinoamericanos de Música Actual” de la Fundación BBVA y el sello discográfico Verso.
En el terreno profesional compatibiliza la música “de concierto” con la creación y producción de música para el ámbito audiovisual como la televisión, la publicidad y la ficción, la actividad de arreglista en diversos géneros musicales, así como con la dirección y realización audiovisual, que, junto con la música, representa otra de sus pasiones.
Sonata para flauta y guitarra
Diseñada en tres movimientos sin solución de continuidad, la obra, como su título indica, responde a la estructura propia de la sonata, tanto en su escolástico planteamiento bitemático de su primer movimiento, como en el desarrollo cíclico de los elementos protagónicos dentro de la alternancia de sus tres tempos principales: Allegro, Largo espressivo y Presto.
Su lenguaje armónico sencillo, insinúa deliberadamente el mundo tonal que vertebra esta forma musical, haciendo uso de giros y reposos cadenciales que subdividen los distintos bloques que conforman la pieza.
Flauta y guitarra comparten protagonismo en este dúo, alternando el peso del material temático, aportando cada uno lo que le es propio, agilidad y definición de la flauta frente a la calidez de la que difícilmente puede huir la guitarra.
| JOSÉ ANTONIO GARCÍA FUERTES
Estudió en el Conservatorio Superior de Música de Oviedo, y posteriormente en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con el catedrático Miguel Ángel Jiménez. Su formación se completa asistiendo a numerosos cursos y masterclass con las figuras más relevantes del panorama guitarrístico mundial. Desde 1990 ha venido actuando en numerosas localidades de la geografía española y portuguesa, así como en Pakistán, Vietnam y Asia central, donde ha realizado giras en 2003, 2004, 2005, 2006 y 2007. También ha colaborado con la “Orquesta de la Comunidad de Madrid”, “Plural Ensemble”, “Orquesta Filarmonía” y se ha presentado como solista con diferentes orquestas: “Orquesta de la Universidad Autónoma de Madrid”, “Orquesta de las Escuelas Municipales de Música de Madrid”, «Orquesta Sinfónica Académica de Kazajstán», “Orquesta Concertone”, “Orquesta Camara Nova”, “Orquesta Filarmónica de Astana”, “Orquesta de cámara de Bishkek”, “Hanoi Philarmonic Orchestra”… Ha tocado en importantes salas, destacando el Auditorio “Fernando Lopes-Graça”, Teatro de la Zarzuela, Ateneo de Madrid, Residencia de estudiantes, Palacio Real de Aranjuez, Auditorio de Zaragoza, Teatro de la Ópera de Almaty (Kazajstán), Filarmonía de Bishkek (Kirguistán), Universidad de Islamabad (Pakistán), Teatro della Forma (Roma), Hanoi Opera House, Palacio de la Granja o Sala Kursaal de San Sebastián. Asimismo ha realizado grabaciones para Radio y TV. Es invitado a participar en festivales de música y guitarra, entre los más recientes “Festival Luna Lunera”, “Festival Internacional Andrés Segovia”, “Jornadas de Música Contemporánea de Segovia” “International Guitar Festival, Bath (Inglaterra)”… Le han sido otorgados premios y menciones en diversos concursos internacionales como Concurso Internacional “Ciudad de Coria”, Mención de Honor Fin de Carrera-Conservatorio Superior de Música de Madrid, Diploma d’Onore “Torneo Internazionale di Musica”, Concurso Internacional “Andrés Segovia-Ciudad de Linares”, Concurso Internacional de Guitarra Clássica “Ciudad de Tomar-Portugal”. En 2006 fue distinguido como “Diplomado con Honores” en la Cátedra “Ecos del Mediterráneo” del “Festival Internacional Andrés Segovia”, y en 2008 ha sido galardonado con el premio “Luteria in Concerto” en los “Incontri con i Maestri” organizados por la asociación “Rosso Rossini” de Roma. Recientemente ha grabado para Columna Música un CD junto al cuarteto “Cavatina” y al pianista Aurelio Viribay. |
| LORENA BARILE
Fue becada por la Fundación Antorchas, Fundación del Teatro Colón en Argentina y por Arts Orford Centre en Canadá para perfeccionarse con los Maestros Alfredo Iannelli, Julius Baker y Robert Langevin. Invitada por el Maestro Antón García Abril, grabó su obra “Música para una abadía” en la televisión española Antena 3. Ha ofrecido numerosos conciertos tanto como solista, como con grupos de música de cámara y como integrante de orquesta en Argentina, Brasil, Estados Unidos, España, Polonia, Alemania, Francia, Israel, Irlanda y Gabón. Ha sido distinguida con el premio “Andrés Segovia – Ruiz Morales” otorgado por el Curso Universitario Internacional Música en Compostela, y reconocida por el gobierno argentino con las distinciones “Raíces” y “Embajadores de todos los tiempos”, por su aporte a la difusión de la Música Clásica. |
FOTOGRAFÍAS DE LA ACTUACIÓN
