IMÁGENES DE LA ACTUACIÓN
VERONIKA MAYER (*1977)
Compositora y artista sonora independiente austríaca. Sus trabajos incluyen composiciones instrumentales y electroacústicas, instalaciones sonoras y performances con electrónica en vivo. Es activa como improvisadora electrónica, actuando en solitario y en diferentes colaboraciones, así como con artistas visuales.
Sus obras se han presentado en diversos festivales de música y arte sonoro contemporáneo y experimental en Austria, Argentina, República Checa, Dinamarca, Alemania, Gran Bretaña, Indonesia, Italia, México, Eslovaquia, Suiza, Estados Unidos.
Ha recibido encargos de Wien Modern, Jeunesse Wien, ÖGZM, Ensemble Reconsil, Ensemble Platypus, Hörstadt, e_may/association LAUT, The International Rosario Marciano Piano Competition, entre otros. En 2011 recibió la Beca para Jóvenes Artistas del Ministerio Federal de Educación, Arte y Cultura de Austria, 2007 el Premio Theodor-Körner de Ciencias y Arte.
Veronika Mayer estudió música electroacústica con Germán Toro-Pérez y Karlheinz Essl, composición con Detlev Müller-Siemens y piano clásico con Jochen Köhler en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Es miembro de la red austriaca snim – red espontánea de música improvisada.
SCHWARM. / SWARM
Schwarm es un concepto para una improvisación grupal mediante una partitura gráfica con instrucciones de interpretación.
Los intérpretes son un enjambre, un rebaño, por ejemplo un enjambre de abejas. Todos los intérpretes se orientan entre ellos y siguen a los demás para formar un grupo más homogéneo, se adaptan unos a otros y avanzan juntos. Se siguen (o evitan) en cuanto a tono/registro, gesto y timbre. El foco central de la pieza es escucharse atentamente unos a otros, lo que define la forma, de la misma manera que lo hace el enjambre.
La pieza fue compuesta para el Ensemble austriaco Snim (red espontánea de música improvisada) y fue estrenada en 2014.
ÜBERFLOGEN. / FLOWN OVER
La vaga impresión que uno tiene de un país en el que no ha crecido y en el que no ha vivido durante mucho tiempo determina el concepto de la obra. Esa impresión se convierte en un acercamiento, una aproximación, un breve presentimiento que emerge brevemente. Como a vista de pájaro, sin llegar a comprender captando fragmentos y segmentos, en un intento de entender lo extranjero y su idiosincrasia. Uno sigue siendo un extraño rascando la superficie. Además, queda lo que permanece en el recuerdo: una bandada de gaviotas que se eleva.
Überflogen fue un encargo del Austrian Ensemble Reconsil para el proyecto Exploring the World, en el que varios compositores escribieron obras sobre un país concreto (en este caso España), y se estrenó en 2014.
La instrumentación original -flauta, oboe, clarinete, trompa, violín, viola, violonchelo, piano- fue adaptada para la interpretación del Ensamble Teatro del arte sonoro para flauta, clarinete, saxofón, violín, violonchelo, percusión y piano.
ALYSSA ASKA (*1985)
Compositora, investigadora y docente, vive y trabaja en Graz. Especialmente interesada en obras que combinan la estética acústica y electroacústica. Estudió tecnología musical y composición en la Universidad de Oregón y composición en la Universidad de Columbia y tiene un doctorado de la Universidad de Calgary.
Estudió en Estados Unidos con Robert Kyr, David Crumb y Jeffrey Stolet, en Canadá con Robert Pritchard, Keith Hamel y David Eagle, y en Graz, Austria con Marko Ciciliani y Klaus Lang.
El trabajo y la investigación de Alyssa se han escuchado en Wien Modern, Ars Electronica Linz, Forum Wallis, ICMC, EMS, Impuls, Darmstadt Summer Courses, Musikprotokoll, Tonraum21, ComposIt, Mirkofest Helsinki, Microtonal Festival Prague.
Fue seleccionada para participar en academias y talleres como WasteLAND Academy (2019), CrossROADS Festival (2019), Kalv Festival Academy (2020) y reMusik.org (2021). También fue seleccionada para actuar en el Simposio Gamified Audiovisual Performance and Performance Practice (Gappp) 2019. Alyssa es miembro fundador del colectivo Graz facere y miembro del colectivo de Graz Die Andere Saite. Sus partituras son publicadas por Babel Scores y Verlag Zeitschleife.
EMERGENCE
Resurgimiento
Sustantivo:
- intr. Surgir de nuevo, volver a aparecer.
- intr. Volver a la vida.
ANNA ARKUSHYNA (*1989)
Nació en Lutsk, Ucrania. Graduado de Kyiv Special Music College en 2009 y en la Academia Nacional de Música de Ucrania en 2014 (prof. Yevhen Stankovych). En 2017 finalizó estudios de composición en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Graz ( prof. Beat Furrer). Desde 2015 hasta 2019, Anna fue estudiante en el IEM Graz, prof. Marko Ciciliani y el prof. Daniel Mayer. Desde 2020 es estudiante de composición del prof. Franck Bedrossian en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Graz.
Ha participado en talleres de composición con P. Billone, A. Posadas, C. Iannotta, G. Staebler, S. Newski, M. Andre, R. Cendo, A. V. Gorne, J. Reis, también tomaron lecciones con D. Kourliandski, C. Bauckholt, S. Gervasoni.
Finalista del concurso de compositores “Step to the Left-4” (San Petersburgo, 2011), ganadora del tercer premio del “Concurso de compositores pre-arte” en Suiza (2017) y finalista del «Ö1-Talentebörse Kompositionspreis» (2020, 2022) en Austria. En 2021 fue galardonada con «Musikförderungspreis der Stadt Graz». Recientemente, ha sido seleccionada para el Cursus Programme on Composition and Computer Music 2022/2023 en IRCAM, París. En 2022 obtuvo Start Stipendium für Musik und darstellende Kunst 2022 del Bundesministerium für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport.
Su música es ampliamente interpretada en numerosos festivales y proyectos en Ucrania, Polonia, Alemania, Holanda, Austria, Croacia, Chile, México, Lituania, Japón, Eslovaquia, Suiza por el conjunto Musikfabrik, Ensemble Intercontemporain, Ensemble Modern, Airborne Extended, Cantando Admont. , Nostri Temporis, Amsterdam Collage Ensemble, Ensemble Spectrum, Kwartludium, Pre-Art-Solisten, MozArt Sinfonietta Salzburg y muchos otros.
https://www.annaarkushyna.com/
KÖRNUNG
/»granulado»/
Durante mucho tiempo me ha atraído el tema de las texturas granuladas y el ruido de las imágenes obtenidas con cámaras análogicas de las viejas fotos o fotos con texturas de baja calidad, que a veces incluso pueden apreciarse a simple vista en pequeños detalles.
Algo similar traté de reproducir en esta obra. Elijo tipos especiales de elementos sonoros como ruido blanco, o sonidos muy pequeños, inestables, silenciosos y frágiles (sonidos con aire, frullatos, trémolos, ruidos) que son modestos en sí mismos pero al mismo tiempo, pueden construir una imagen sónica más grande.
FRANCISCO NÓVEL SÁMANO
Ha sido becario de la Fundación Marcelino Botín durante cinco años.
Sus obras han sido interpretadas en: ‘Festival Punto de Encuentro’ (Madrid 1999) , ‘Ciclo de Creación Musical en Cantabria’, ‘Festival de Música Contemporánea de Tres Cantos’,’Festival Internacional de Música de Santander’ , ‘Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid’, ‘Las Edades del Hombre’ (Monasterio de Sta. Maria de Valbuena 2003),’32º Festival Internacional Cervantino’ (Guanajuato-Méjico 2004), ‘XIX Festival de Música Contemporánea de La Habana (2004),’Zitadelle de Spandau’ (Berlín 2004), en la 5ª edición del ‘Campus Musicalcázar 2000′ ,’Aula de (Re)estrenos’ de la Fundación Juan March (Madrid 2006), ‘Institut für Romanistik’ de la Universidad de Potsdam (Berlín 2007) , ‘VII Congreso de la Sociedad Española de Musicología’ (Cáceres 2008) , ‘II Festival Spanien Modern’ (Musikverein, Viena 2008) ,en la ‘Antología de Compositores de Cantabria’ de la Fundación Marcelino Botín (Santander 2009) ,’Espacio de Encuentro Hispano-Alemán 2011′ (Palacio del Pardo, Madrid 2011) y en el ’60 Festival de Ljubljana’ (Ljubljana 2012).
Actualmente desempeña su labor docente como profesor de Composición en el Conservatorio Superior de Música ‘Bonifacio Gil’ de Badajoz.
BRANCHEMENTS III
El título de la obra, Branchements III, hace referencia a un vocablo francés, cuya traducción literal al castellano podría ser «conexiones», «bifurcaciones» o «ramificaciones». Todos los elementos formales de la composición se generan a partir de una serie numérica, análoga en construcción a la conocida serie matemática de Fibonacci. En este caso, la progresión comienza con los números 1 y 3, y a partir de éstos, cada término de la sucesión resulta de la suma de los dos anteriores. La serie numérica resultante en este caso es: 1-3-4-7-11-18- 29… Las relaciones interválicas se generan a partir de una célula mínima, de la que surgirán distintas y nuevas ramificaciones, siempre a partir de la secuencia anteriormente citada, que proliferarán tanto horizontal como verticalmente por todo el tejido polifónico/contrapuntístico. La serie numérica también se empleará para generar patrones rítmicos y articular las proporciones de las distintas subsecciones de la obra, creando de esta forma una conexión total entre todos los parámetros de la composición.
ALEXANDER KAISER (*1985)
Compositor de origen italiano, residente en Viena. Estudió composición con Christian Minkowitch en la Universidad de Música y Artes de Viena y con Beat Furrer en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Graz.
Ha recibido clases de Georg Friedrich Hass, Peter Ablinger, Jörg Widmann, Dieter Ammann, Isabel Mundry, Clemens Gadenstätter, Jorge Sanchez Chiong, Enno Poppe, Dimitri Kourlianski y Lucia Ronchetti. Su música ha sido estrenada, presentada y comisionada por festivales, instituciones y conjuntos como Klangforum Wien, Interface Ensemble, Studio for New Music Ensemble, Schallfeld Ensemble, Platypus Ensemble, The Black Page Orchestra, Ensemble Noen, Reconsil Ensemble, Konzerthaus Wien, Musikverein Wien, Radiokulturhaus Wien, Vienna International Saxfest, Wien Modern, Klangspuren Schwaz, Transart Festival, MATA Festival, Austrian Cultural Forum New York y Gustav Mahler Musikwochen. Ha asistido varias veces a Impuls Akademie y Donaueschinger Musiktage, recibiendo la Beca Estatal de Composición de la República de Austria en 2019. Fue tres veces finalista del Premio de Composición Ö1 Talentebörse.
GO IN AND YOU’LL NEVER COME OUT
GUSTAVO DÍAZ-JEREZ (*1970)
Gustavo Díaz-Jerez es uno de los máximos exponentes de la interpretación y la creación musical en España. Como pianista ha actuado en la mayoría de los auditorios españoles y muchos de los principales a nivel mundial (Carnegie Hall y Alice Tully Hall de Nueva York, Musikverein de Viena, Concertgebouw de Amsterdam, Royal Festival Hall de Londres, Beijing University de China, Auditorio Nacional de Madrid, etc.).
Destacado intérprete de la música española, en 2010 le fue concedida la Medalla Albéniz, galardón que también recibió Alicia de Larrocha, por su grabación y difusión de Iberia.
Como compositor sus obras han sido estrenadas por prestigiosos intérpretes y agrupaciones, dentro y fuera de España.
Natural de Santa Cruz de Tenerife, Gustavo Díaz-Jerez fue discípulo de Jesús Ángel Rodríguez Martín en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad natal y posteriormente, de Salomon Mikowsky en el Manhattan School of Music, donde también estudió composición con Giampaolo Bracali y Ludmila Ulehla. También es Académico de número de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, y desde 2002 es profesor de piano del Conservatorio Superior de Música del País Vasco “Musikene”.
TOMBEAU DE PERSEUS PARA ENSEMBLE CON ELECTRÓNICA FIJA
Tombeau de Perseus usa como materia prima musical la sonificación realizada por la NASA de las ondas de presión del agujero negro en el centro del cúmulo de galaxias de la constelación de Perseo. Existe la errónea creencia popular de que no hay sonido en el espacio, por el hecho de que al ser esencialmente vacío, no proporciona un medio para que las ondas de sonido se propaguen. Sin embargo, el cúmulo de galaxias de Perseo contiene copiosas cantidades de gas que envuelven a los cientos e incluso miles de galaxias dentro de él, proporcionando un medio para que se propaguen las ondas sonoras. Estas oscilaciones producen frecuencias unas 57 octavas por debajo del do central (do 4), y son, por tanto, inapreciables para el oído humano. Para hacerlas audibles, estas ondas se han re-sintetizado adaptándolas dentro del rango de audición humana, entre 57 y 58 octavas por encima de su frecuencia original.
Para la creación de esta obra, el sonido original de la NASA, de unos 30 segundos de duración, fue expandido hasta unos ocho minutos y medio mediante un software especial que conserva toda la diversidad armónica y tímbrica del sonido original. Este proceso, una especie de “microscopía sonora”, permite apreciar mucho mejor toda la complejidad del sonido original. A partir de esta versión expandida se extrae toda información musical (alturas, duraciones, dinámicas, etc.) con la que se construye la obra. Por la naturaleza del proceso, la estructura formal y la narrativa musical emana de manera natural del sonido original extendido del agujero negro .
La obra se interpreta simultáneamente con el sonido original extendido, reproducido desde un altavoz integrado dentro del ensemble. De este modo, coexisten las sonoridades no temperadas del sonido original con su “traducción” artística y ornamentada que interpreta en vivo el ensemble, ajustadas al sistema de afinación temperado. Esta amalgama produce un caleidoscopio sonoro que evoca la técnica del “overpainting” del artista alemán Gerhard Richter.
ENSEMBLE TEATRO DEL ARTE SONORO
El Ensemble Teatro del arte sonoro es un laboratorio de creación e investigación música- escena que invita a la reflexión para crear interrogantes en el proceso de comunicación.
Para explorar esta relación entre elementos escénicos y musicales, el Laboratorio involucra a los diferentes actores del proceso creativo para generar nuevas propuestas artísticas. En este espacio de creación y experimentación colocamos tanto a compositores como a intérpretes instrumentales y directores de la puesta en escena, en una búsqueda de hilos de comunicación entre el esencialismo escénico para comunicar significados y la toma de conciencia en los intérpretes musicales de los elementos dramáticos.
En los trabajos planteados por el Ensemble tiene una atención especial la puesta en escena pero adaptando las obras a cada espacio de representación con el fin de abrir la creación a otros espacios no convencionales pero sin olvidar al público, elemento indispensable para cerrar el proceso creativo.
Desde sus orígenes ha llevado sus ideas por España y Portugal obteniendo siempre con el entusiasmo del público un aliciente en la búsqueda de nuevas formas de comunicación.
Ensemble Teatro del arte sonoro somos: Rebeca Santiago (dir. artística y voz), Vicente Contador (sax), Eduardo Moreno (pno), Santiago Marín (fl), Iván Gómez (cl), Jesús Valero (perc), Inma Soriano (vc), Víctor Flores (vl)