MANUEL TÉVAR

Pianista, compositor y director de orquesta. Premio de la Real Academia de Bellas Artes, Premio Fundación Guerrero, Premi Fundació Amics del Liceu entre otros. Uno de los músicos españoles más completos y con más proyección internacional de su generación. Ha dirigido entre otras la Spaincellence Symphony Orchestra, la Orchestra de Chambre de Luxembourg y el Youth United Nations Ensemble. Director artístico del Atlántida Symphony Orchestra y de diferentes festivales internacionales de música en España. Como compositor ha estrenado más de 25 obras en 8 países. Cuenta con seis proyectos discográficos, dos como compositor, uno como director de orquesta y tres como intérprete. Como pianista desarrolla una intensa carrera internacional con su duo pianístico con Iberian & Klavier. Tévar es invitado a impartir masterclasses en universidades americanas, festivales y conservatorios, así como jurado de prestigiosos concursos de composición , música de cámara y piano como el Jean Français de París. Es profesor titular del Conservatorio Teresa Berganza de Madrid. Ha colaborado con artistas, solistas y bailarines de reconocido prestigio a nivel internacional.
La crítica dice, “Tévar hace vibrar los muros de la Iglesia de Sant Pierre con su batuta. Jamás he visto una orquesta con tanto talento y calidad dirigida de una manera tan sublime…” Daniel Fender "Periodique, La Montagne" France. Carlos Martínez Gil califica su creación sonora como “el resultado de su trabajo alcanza la dimensión tanto tangible como intangible de la música”.   

Faro del sur op.16  
para flauta sola fue escrita en el año 2006, surge como un trabajo descriptivo de una imagen unida a un relato que nos sitúa en el Faro que se encuentra en la playa de Maspalomas, en el Sur de la Isla de Gran Canaria. El dedicatario de la partitura trasladó mi pensamiento de manera virtual y fui capaz de oler de oír de sentir una mezcla de sensaciones tan cercanas a mi sensibilidad como a mi imaginación, y espero que a la de todos los que escuchen esta obra. 

RODRIGO FAINA

Rodrigo E. Faina, nació en Buenos Aires, Argentina, el 13 de octubre de 1976. Su obra se caracteriza por la creación de largas líneas melódicas de carácter lírico y expresivo, y algunas de sus obras se mueven entre diferentes géneros. 
En los últimos años, Rodrigo ha colaborado con diferentes ensambles, festivales y artistas de Europa, Sudamérica y Estados Unidos, incluyendo: Asko|Schönberg Ensemble, DoelenEnsemble, Metropole Orchestra, Zapp4, Nederlands Blazers Ensemble, David Kweksilber Big Band, Bulgaria National Radio Symphony, Nederlands Studenten Kamerokest, Kurt Rosenwinkel, Etienne Siebens, Martijn Vink, Marteen van Veen, Hans Leenders, Vince Mendoza, Jasper Bloom, Guus Janssen, Claron McFadden, Wolter Wierbos, Marieke Franssen, Gaudeamus Muziekweek, EFG London Jazz Festival, Rotterdam International Jazz Festival, Acht Brücken, Topanga Film Festival, Sofia Music Weeks, Napoli Fringe Festival, FIVC, Festival Espressioni, Dança em foco, YO Opera Festival y muchos otros.
La educación musical de Rodrigo ha sido muy ecléctica. Empezó como guitarrista, tocando todo tipo de géneros musicales (clásica, Tango, Rock, Jazz, etc.) En 2002 se traslada a Holanda a estudiar guitarra Jazz en el Conservatorio de Amsterdam, donde tuvo la o

portunidad de estudiar con algunos de los mejores músicos de jazz de Europa y los Estados Unidos. En el año 2005 fue aceptado para estudiar composición con Paul van Brugge y Klaas de Vries en el Conservatorio de Rotterdam, donde unos años más tarde obtuvo su Bachelor degree (titulo superior) y Master degree Cum Laude. Durante sus estudios de composición en el Conservatorio de Rotterdam, Rodrigo también asistió a clases con Robin de Raaff, Luc Brewaeys, Peter Jan Wageman, Rene Uijlenhoet and Patrick van Deurzen.
Además de su formación académica Rodrigo también ha participado en clases magistrales con, entre otros,Steve Reich, Maria Schneider, Samuel Adler, Kris Defoort, John Scofield, John Abercrombie and Jack DeJohnette.
Rodrigo ha sido galardonado con las becas HSP Huygens prize for excellence y por el Ministerio de Educación Holanda. Además de los ya nombrados ensambles y festivales Rodrigo recibe regularmente encargos del FPK (Performing Arts Found, Netherlands).
En la actualidad Rodrigo vive en Madrid, España, donde trabaja como compositor independiente y como profesor de composición e instrumentación en el Grado Universitario de composición en Músicas Contemporáneas de la escuela universitaria TAI.

JESÚS LEÓN ÁLVARO

(1966). Completa los estudios superiores de Composición en Madrid. Es Doctor en Lenguajes y Sistemas informáticos (UMA) e Ingeniero Técnico de Telecomunicaciones (UPM). Actualmente combina la composición y la docencia con proyectos de investigación musical. Su Tesis Doctoral, enmarcada en el campo de la Inteligencia Artificial, aborda la Representación del Conocimiento Musical y su aplicación a la Composición Musical. 
Imparte clases de Sonología en el Máster de Investigación Musical de la UNIR. Colabora con varios centros de investigación como el CMR de la Universidad de Plymouth (UK) y la Universidad de Málaga. 
http://jesus.al-va.ro

MANUEL ANGULO

(Campo de Criptana, 1930) ocupa un lugar destacado en la música española actual. Con una sólida formación, adquirida dentro y fuera de España, su labor de compositor abarca un catálogo que sobrepasa el centenar de obras pertenecientes a los diversos géneros (sinfónico, música de cámara, instrumentos a solo…) y cuenta con prestigiosos premios, distinciones, encargos, interpretaciones de solvencia nacional e internacional, así como grabaciones discográficas y editoriales. Al mismo tiempo, su trayectoria pedagógica y docente en el campo de la música (Catedrático en el Real Conservatorio y en la Universidad Autónoma de Madrid) es relevante y su personalidad irradia a numerosos quehaceres enriquecedores de nuestro panorama musical

SONIA MEGÍAS

Nací el 20 de junio de 1982 en Almansa (Albacete). Estudié piano, viola y composición en los conservatorios de Almansa y Murcia. Composición y dirección de coros en Trieste (Italia, 2003) durante mi beca Erasmus. CAP en Pedagogía musical en la Universidad Complutense de Madrid (2006-07). Máster en Composición y Teoría Musical en la New York University (Nueva York, 2010-12) durante mis becas Fulbright y NYU Steinhardt. Recibí otras becas artísticas como: Villa Medici-Nuova Consonanza (Roma-Francia, 2005), I-Park (Connecticut, 2008, 2011) o Casa de Velázquez (Madrid-Francia, 2009). He recibido algunos encargos del INAEM (2009, 2011, 2015, 2016) y otros encargos privados.

Para mí, la música está siempre ligada al ritual y a la transformación social; convive de forma orgánica con las otras artes y normalmente hago desaparecer las fronteras entre unas y otras disciplinas. En la actualidad, mis obras suenan en el Teatro Real de Madrid ('Somos Naturaleza', 2017), en el Centro Dramático Nacional ('Cáscaras Vacías', 2016-17), en la Juilliard School de Nueva York ('Planeta Pel', 2016), en los teatros y museos de El Salvador ('Ne nawat shuchikisa' desde 2012, a través de la Cooperación Española), en el American Space de Madrid (improvisaciones sobre cine mudo, desde 2015) o en los Institutos Cervantes de Pekín y Shanghai ('Planeta Pel', 2017). Formo binomio personal y profesional con la poeta y dramaturga Eva Guillamón, con la que llevamos a cabo diversas colaboraciones, entre las que destaca Dúa de Pel. 

De forma habitual, coordino en Madrid el Coro Fulbright (músicas del mundo), el CoroDelantal (músicas performativas y happenings colectivos) y los encuentros cantores por trueque 'Dando Voces' (músicas populares), e imparto numerosos talleres de improvisación y composición experimental. En todos estos proyectos, mi objetivo es sacar el talento y la creatividad que habita dentro de las personas.

Shelley IV*
El ciclo Shelley está compuesto, de momento, por cuatro obras. Siempre son para solista, y creadas a medida para cada intérprete a l@s que están dedicadas. Las obras del ciclo Shelley están inspiradas por los posibles comportamientos de la criatura de Frankenstein, inventada por Mary Shelley, y conllevan una puesta en escena y un maquillaje-vestuario que ayudan al intérprete y al público a meterse en la obra. La criatura de Frankenstein no es aquí vista como un monstruo, sino como un ser torpe y oscuro, recipiente de las torpezas y las oscuridades humanas.
Shelley I (2005) es para clarinete, Shelley II (2009) es para acordeón, Shelley III (2010) es para voz y Shelley IV (2017) es para flauta.

EDUARDO LORENZO

Estudia en el R.C.S.M. de Madrid y posteriormente en la Musikhochschule Köln, en Alemania. Participa y es premiado en los principales foros de creación musical (Acanthes-Ircam 2005 y 2006, Orchesterkomposition SWR 2006, XIV y XVI Premio “SGAE-Jóvenes Compositores”, I Muestra de Jóvenes Compositores del CDMC, II European Musical Creation Workshop, XI Premio Andrés Gaos…). Su música, de gran fuerza expresiva, se ha intepretado y grabado en Madrid, Santander (55º Festival Internacional de Música), Valencia, Bilbao, Berlín, Colonia, Estrasburgo, Montpellier, Clermont-Ferrand (Festival de Musiques Démesurées 2016) La Habana (XIX Festival de Música Contemporánea), México (Festival Cervantino, Guanajuato 2004).., por grupos como Orchestre National de Lorraine, Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, Orquesta Sinfónica de Galicia, Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, Proyecto Guerrero, Modus Novus, Ensemble Kuraia, Espai Sonor, o solistas de la Orquesta de RTVE y ORCAM (Ciclos de Cámara de RTVE y de la Fundación Canal). Estrena además obras videoelectróacusticas en festivales como Art Cologne 2006 y KHSM köln.

Luftzauber, para flauta sola 
La obra fue creada y grabada en 2006 en Colonia, y estaba a día de doy pendiente de estreno. Su sobretítulo, “el aire [en]cantado” define de forma explícita las intenciones de la pieza. La búsqueda de nuevas técnicas ampliadas en lo referente al color del flujo de aire emitido por la flauta, me permitió elaborar un discurso sonoro sereno, en el que reflexionaba sobre las evolución temporal del sonido y su color. La posibilidad de interpretación, a través de la electrónica y/o la amplificación, de una versión que la recreara de escenarios acústicos diversos en directo, proporcionaba un añadido al desarrollo de la idea primigenia, en el que los límites eran claramente audibles.

NATALIA POBEDINA

(Volgogrado, Rusia). Comienza a los 7 años sus estudios de piano y a los 9 los de composición, interpretándose sus primeras obras en la radio y TV locales cuando tenía 11 años. En 1988 obtiene los títulos de compositora y profesora de composición, armonía y contrapunto en el Conservatorio Superior Estatal de Saratov. Estudia composición con Boguslaw Shaeffer en Cracovia y Salzburgo y Serguei Berinsky en Moscú. Además, ha recibido Master Clases de Tomás Marco y Cristóbal Halffter, en España, y de Salvatore Sciarrino en el Mozarteum de Salzburgo. Desde 2002 reside en Madrid. Sus obras han sido estrenadas en Rusia, Polonia, Austria y España.

JUAN JOSÉ TALAVERA

Realiza sus estudios de Armonía, Contrapunto y Fuga, Composición o Acompañamiento en el Conservatorio de Madrid con maestros como José Luis Turina, Valentín Ruiz o Sebastián Mariné, entre otros.
También ha realizado cursos con los compositores Cristóbal Halffter, Malcolm Singer o José Evangelista.

Meditación para flauta sola
Meditación para flauta sola es una composición escrita en 2016 para la flautista Lorena Barile, a quien está dedicada. Se trata de una obra de concepción experimental que busca explotar todos los recursos técnicos y expresivos del instrumento: micro interválica, glissandos, vibratos, multifónicos, simultaneidad de canto y sonido flautístico, diversidad de articulaciones, etc. Se inspira en las sonoridades y carácter del shakuhachi japonés, flauta recta de bambú asociada a los monjes zen.
Aunque en muchos momentos de la composición, la rítmica es de gran complejidad y rapidez, subyace en la obra una atmósfera estática de carácter meditativo, de ahí su título.