IGNACIO FERRANDO

Estudia piano con Pepita Cervera, Teresina Jordà, Eugenio Nebolsin y Asya Nebolsina. Se licencia en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene) tras cursar estudios con Gabriel Erkoreka, Ramon Lazkano, Stefano Scarani, Zuriñe F. Gerenabarrena, Loic Mallié, Guillermo Lauzurika, Jesús Rueda, Ana García Urcola, José Luis Campana, Margarita Lorenzo de Reizábal y Enrique Azurza. Ha asistido a masterclasses de Mauricio Sotelo, Moritz Eggert, Ivan Fedele, Fabián Panisello, Alberto Posadas, Félix Ibarrondo, Elena Mendoza, Johannes Maria Staud, Gerard Pesson, Hans Zimmer y Christopher Young. Completa su formación artística con estudios en la Escuela de teatro Yllana. Asimismo, es Licenciado en Ingeniería Informática por la UCM y ha trabajado en la edición digital de partituras, desarrollo de software musical y plataformas de radio musical en internet y como periodista musical para Mundoclasico.

Su música ha sido interpretada en festivales como: Biennale di Venezia, Sinkro de Vitoria-Gasteiz, Musica Viva de Lisboa, Musikaste, Jornadas FAIC (Federación de Asociaciones Ibéricas de Compositores), Rompeolas, Bicentenario de la reconstrucción de San Sebastián, Aniversario del Gernika, Festival de Música Diversa, Festival de Ensembles y en auditorios como: Teatro Arsenale, Auditorio de Zaragoza, Petit Palau, Auditorio 400, Teatro Campos Elíseos, Museo San Telmo, Galería Muster-Meier de Berna, GKS de la Hochschule der Künste Bern…… Entre los galardones recibidos destacan: Premio Arraiga de la XXV edición del Premio Jóvenes Compositores de la Fundación SGAE-CNDM, ganador de la Convocatoria para jóvenes compositores PluralEnsemble 2014 y del Certamen Moondance Live, seleccionado para el XIII Taller de sonido y música para cine de la Fundación SGAE, finalista del VIII Premio de Composición Carmelo Bernaola y la distinción Biennale Musica College 2018. Asimismo, ha recibido encargos de Camille Levecque, Musikagileak, Ciklus Ensemble, UhUh Producciones, KEA, Fundación Miguel Ángel Colmenero… Su música ha sido estrenada por agrupaciones como PluralEnsemble, Espai Sonor, Cicklus, Kuraia, Xare… Como compositor y letrista escribe obras para todo tipo de formaciones desde solista, pasando por música de cámara, música vocal, gran orquesta, musical, electroacústica, pop, rock y audiovisual con electrónica en tiempo real; abarcando un amplio abanico de estilos desde el rock a la música de vanguardia, interesado en el eclecticismo como motor creativo actual. Destaca su trabajo operístico junto a Jorge Ferrando con la obra "El sueño de Dalí en una noche de Picasso" seleccionada por la Biennale de Venezia 2018 y estrenada  en el 62 Festival Internacional de Música Contemporánea de Venecia y el proyecto "Los Aspirantes", ganador del "Primer Concurso de Proyecto de Creación Lírica del Teatro de la Zarzuela".

ALICIA DÍAZ DE LA FUENTE

Alicia Díaz de la Fuente es Compositora y Doctora en Filosofía por la UNED. Nace en Madrid, donde cursa las carreras de Órgano y Composición en el RCSMM. Asimismo, asiste a cursos de Composición con Luis de Pablo, S. Sciarrino, B. Ferneyhough, T. Murail, G. Grisey, H. Lachenmann… Amplía estudios de Composición en la UAH con José Luis de Delás. En Paris, realiza cursos de Composición e Informática Musical en el IRCAM. Entre sus últimas obras cabe destacar la pieza orquestal “Llueven estrellas en el mar” encargo de la Fundación Autor- AEOS-JONDE interpretada en el Festival Young Euro Classic de Berlín y las piezas de cámara “Más allá del horizonte” y “Como brisa de otoño” incluidas en el CD Monográfico “Alicia Díaz de la Fuente. Sonido y palabra” adjunto al nº 57 de la revista de arte Sibila.

Su actividad docente se desarrolla como Catedrática de Composición en el RCSMM. Ha sido Profesora en el Máster de Interpretación Orquestal UNIA/ Fundación Barenboim-Said, Máster en Creación e Interpretación Musical URJC, Máster de Dirección de Orquesta UAX y Máster de Nuevas Tecnologías del RCSMM.

PRAJNA

Prajna está basado en el mantra OM A RA PA CHA NA DHIH. que representa la sabiduría. El mantra recoge las primeras sílabas de un poema que habla de la sabiduría y la verdad, versos que son fragmentariamente presentados en esta obra. “Esta es la puerta de la verdad infinita. Si deseas ascender a la verdad, observa en los profundo de tu corazón… (…) Siente las cadenas que te atan (… ) y (te daré) la sabiduría para encontrar la verdad.” Parte de este texto que sirve de punto de partida al mantra será recitado por los dos pianistas para fundirse con el propio discurso sonoro.

Alicia Díaz de la Fuente

JESÚS NAVA CUERVO

Estudia Flauta Travesera, Armonía y Contrapunto y Fuga en el Real Conservatorio de Música de Madrid, recibiendo consejos muy queridos de parte de J. L. Turina, A. Botia, S. Espasa, L. De Pablo. De 1995 a 1998realiza estudios de composición con J. L. De Delás en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares.

Sus obras han sido estrenadas por magníficos intérpretes -Grupo Círculo, Pedro Martín y Grupo instrumental de la O.N.E, Andrés Gomis, Sebastián Mariné, Inés Antón, Mª Tarrés- en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, Auditorio Nacional, Palau de la Música de Valencia, Museo Thyssen…
Es profesor de Fundamentos de Composición del Conservatorio Profesional de Música de Getafe (Madrid) y ha impartido cursos de Análisis Musical en distintos Conservatorios y en Cursos de Especialización Musical: “Música e intención”, “La modernidad en la música del siglo XX”, ”Dimensiones de la música tonal”, “La música en el Tiempo y el tiempo Musical”…

Algunas de sus obras: “Undisonías” (guitarra y grupo instrumental). “Palimpsesto” (saxo tenor). “Algo queda abierto a la duda” (trío de cuerda). “Ludio” (piano). “Del Bronce” (electroacústica). “Tabaleo” (flauta y guitarra), “Doblesscap” (piano a cuatro manos), “Arquitectura de silensis” (mezzosoprano y flautas) ….

LUDIO

Ludio fue creada para el concierto de presentación de la AMCC en el año 1998. En este concierto inaugural, participamos todos los compositores con una obra que debía durar alrededor de un minuto. La primicia en las manos de Sebastián Mariné fue excelente.

EDUARDO PÉREZ MASEDA

Nace en Madrid en 1.953 y realiza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de esta ciudad y como becario en Cursos Internacionales de Composición. Paralelamente a sus estudios musicales obtiene la licenciatura en Ciencias Políticas y Sociología por la Universidad Complutense de Madrid.

Eduardo Pérez Maseda es autor de una variada obra que ha obtenido amplia proyección nacional e internacional. Sus obras han sido estrenadas e interpretadas en numerosos conciertos y Festivales de todo el mundo: “Europalia ‘85” (Bruselas), “Encontro Luso-Espanhol de Compositores” (Lisboa), C.A.E. 1.986 (Melbourne), “Foros Internacionales Música Nueva 1.986 y 1.992” (México), “Carnegie-Recital  Hall” (Nueva York), “Almeida Festival 1.986 y 1.990” (Londres), “Newcastle Festival (Electric Music 2) (Reino Unido), Festival Mundial de la S. I..M. C. (Ámsterdam 1.989), Festival Internacional de Bourges 1.997 y 2.003, “Tokyo Sinfonietta 2.000, Season”, “Berner Kammerorchester 2.002”, etc…, y ha recibido encargos de distintas agrupaciones y entidades musicales nacionales y extranjeras.

En 1.983 fue seleccionado en la II Tribuna de Jóvenes Compositores de la Fundación Juan March por su “Concierto para violoncello y orquesta de cámara”, y está en posesión, entre otros, de Premios de Composición como el Nacional de Polifonía del Ministerio de Cultura (1.982), el “Isaac Albéniz” de la Generalitat de Cataluña (1.984), el “Musician’s Acord” de Nueva York (1.986) o el Festival Mundial de la S.I.M.C. de Ámsterdam (1.989). Igualmente, su música ha sido seleccionada en distintas ocasiones para participar en foros como la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO o el “Premio Italia”.

En 1.987 y 1.988 dirige los primeros Cursos de Sociología de la Música celebrados en España, en colaboración con la Facultad de Ciencias Políticas y Sociología (Universidad Complutense de Madrid), y asimismo ejerce habitualmente como conferenciante y analista de su propia obra y de la música actual en cursos y seminarios para universidades y diversas instituciones. Ha sido profesor del Instituto de Estética y Teoría de las Artes (Universidad Autónoma de Madrid), y es colaborador de Radio Clásica (Radio 2) (Radio Nacional de España) desde 1.981 realizando preferentemente programas relativos a la música del siglo XX. Igualmente ha dirigido programas de Análisis e Historia de la Música para el Canal 6 (Cultural) de “Hilo Musical” y ha ejercido como asesor musical en la Consejería de Educación de la Comunidad de Madrid entre los años 1.997 y 2.001.

Ha publicado varios libros: “El Wagner de las Ideologías. Nietzsche-Wagner” (Musicalia 1.983 y Editorial Biblioteca Nueva 2.004), “Alban Berg” (Círculo de Bellas Artes de Madrid, 1.985), “Música como idea, música como destino” (Tecnos. Colección Metrópolis 1.993), y es autor de numerosos trabajos monográficos y artículos referentes a la música contemporánea.

Sumamente interesado en el terreno de la música escénica, Eduardo Pérez Maseda es también autor de dos óperas: “Luz de Oscura Llama”, estrenada en Madrid en 1.991, y “Bonhomet y el Cisne”, estrenada en versión concierto en el año 2.003 dentro del XIX Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante, y representada en su versión escénica en Junio de 2.006, en el Teatro de La Abadía de Madrid.

SEIS MIRADAS (2.007)

“Seis Miradas” está compuesta en el verano de 2.007, en un plazo de tiempo relativamente corto para lo que es mi forma habitual de componer, y también por ello enormemente intenso. Nunca hasta esta composición había ensayado en mi obra pianística el empleo de la microforma como ciclo de piezas independientes, y la circunstancia de escribir una composición nueva para ser incluida en la grabación discográfica de mi obra integral para piano me ofrecía una buena oportunidad para ello.

Se trata de seis piezas breves, de un carácter y perfil muy diferenciado, que “miran” cada una de ellas, con un cierto guiño de complicidad a una de las otras seis composiciones que constituyen mi obra pianística anterior. Cada una de las micropiezas “mira” a una obra anterior, pero no pretende conectar con su carácter ni con su técnica de construcción (a veces todo lo contrario) y únicamente hay unas leves pistas, como brevísimas citas, que permiten además el pequeño juego de cuál de las “Seis miradas”: “Ossesivo”, “Capriccioso”, “Fluente”, “Bizarre”, “Charme” o “Fugace” se relaciona con cada una de las seis obras anteriores.

La obra plantea una escritura pianística que implica una dificultad extrema en su interpretación (ante todo las piezas 4 y 6: “Bizarre” y “Fugace” respectivamente). Por esto mismo “Seis Miradas” está dedicada a un pianista como Duncan Gifford de quien sé que, al igual que en mis obras anteriores, conseguirá que esa dificultad sea sólo la condición necesaria para que el resultado sonoro sea tan musical, expresivo y fluido como yo he pretendido al escribir la obra.

MANUEL MARTÍNEZ BURGOS

Manuel Martínez Burgos es el compositor español más premiado de su generación, habiendo conseguido un total de 20 galardones nacionales e internacionales, entre los cuales cabe destacar el concurso Jean Sibelius de Finlandia, el Isan Yung de Corea, el premio Auditorio Nacional del Música – Fundación BBVA o, hace apenas unos meses, el premio Osgood Memorial de la Universidad de Oxford. En los jurados de estos certámenes figuras históricas como Tristan Murail, Kaija Saariaho, Harrison Birtwistle o Unsuk Chin han valorado su claridad formal, coherencia y atractivo sonoro. Sus obras han sido interpretadas internacionalmente por formaciones tales como la Seoul Philharmonic Orchestra, Arthur Rubinstein Orchestra, BBC Singers, Studio for New Music (Moscú), la Orquesta Nacional de España o la Orquesta de Radiotelevisión Española.

Doctor con premio extraordinario por la Universidad Autónoma de Madrid, Martínez Burgos es catedrático numerario de composición en el Principado de Asturias y profesor tutor de composición en la Universidad de Oxford (St Anne’s College). Ha sido profesor visitante en la Universidad de Cambridge y en el Conservatorio Superior de París. Asimismo ha impartido cursos y conferencias en prestigiosas instituciones como la Sibelius Academy (Helsinki), Chopin University (Varsovia) o el Conservatorio Tchaikovsky (Moscú).

Su última obra orquestal ha sido un encargo para la Oxford Philharmonic con objeto de conmemorar el 500 aniversario de Leonardo Da Vinci (2019). En 2020 ha obtenido un doctorado en composición de la Universidad de Oxford por sus creaciones en el ámbito de la prosodia como recurso compositivo.

RESONANCIAS LATENTES

Para dos pianos

Obra de estreno, 2020

La obra «Resonancias latentes» es una reflexión sobre las propiedades del sonido, sobre su constitución y propagación. Así, los dos pianos se comportan como cajas resonantes el uno del otro, convirtiendo de esta manera el fenómeno acústico en un fenómeno comunicativo donde el sonido se torna en canal de expresión.

CRUZ LÓPEZ DE REGO

(Barcelona 1957). Cursó sus estudios musicales en los Conservatorios Municipal de Barcelona y Superior de Madrid, obteniendo diversas titulaciones superiores. Completa su formación dentro y fuera de España con profesores como A.Barrio, P. Espinosa y F. Donatoni, entre otros. Desarrolla su actividad docente e investigadora como Catedrática de Música en la Universidad Autónoma de Madrid.

Calambur – 2 (2017)

La versión original de esta obra es para piano y acordeón, pero fue estrenada en el Festival Osmose, en Bruselas, en 2018 en la versión para dos pianos, que es la que se va a escuchar en el Festival COMA 20. En esta obra hay tres aspectos a destacar, es minimalista, en el sentido de pocos recursos y repetidos, contiene ritmos latinos y una figura retórica que es el calambur, de donde procede la idea de la obra. El calambur en literatura es la diferente articulación o separación de las sílabas que al variarla producen significados diferentes, por ej.: este es conde o este esconde. En Calambur -2 sucede lo mismo, los grupos de 4 semicorcheas se agrupan de diferentes maneras: 3 3 2, 2 3 3 etc. dando como resultado ritmos diferentes, aunque los mismos sonidos.

TOMÁS MARCO

Nacido en Madrid en 1942. Estudios de violín y composición paralelamente con el bachillerato y la licenciatura en Derecho. Amplió estudios musicales en Francia y Alemania con maestros como Maderna, Boulez, Stockhausen, Ligeti o Adorno. También siguió algunos cursos de Psicología, Sociología y Artes Escénicas. En 1967 fue ayudante de Stockhausen. Premios: Nacional de Música en 1969, Fundación Gaudeamus (Holanda) 1969 y 1971, VI Bienal de París, Centenario de Casals, Arpa de Oro, Tribuna de Compositores de la UNESCO. Fue Profesor de Nuevas Técnicas del Conservatorio Superior de Madrid y Profesor de Historia de la Música de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Ha publicado varios libros y dictado cursos en instituciones y universidades de Europa y América. Ha ejercido la crítica musical en varios medios.

Trabajó 11 años en los servicios musicales de Radio Nacional de España siendo Premio Nacional de Radiodifusión y Premio Ondas. Desde 1981 a 1985, director –Gerente del Organismo Autónomo Orquesta y Coro Nacionales de España y entre 1991 y 1995 Director Técnico de los mismos conjuntos. De 1985 a 1995 director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea creando su laboratorio de electroacústica y el Festival Internacional de Alicante cuyas primeras 11 ediciones dirigió. Desde 1993 miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. De 1977 a 1996 consejero de SGAE. En 1996 Director de Festivales de la Comunidad de Madrid. De mayo de 1996 a Julio de 1999, Director General del INAEM. En 1998 Doctor Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid.

Como compositor es autor de 7 óperas, l ballet, una zarzuela,10 sinfonías, música coral, de cámara, música para teatro y audiovisual, etc. En la actualidad se dedica exclusivamente a escribir música y sobre música. En noviembre de 2002 ha recibido el Premio Nacional de Música por el conjunto de su obra compositiva y en 2003 el Premio de Música de la Comunidad de Madrid. En 2013 la Medalla de Oro del Conservatorio Superior de Madrid y en 2014 Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes que el Rey le entrega en 2015.En 2016 se le concede el Premio Iberoamericano Tomás Luis de Victoria y en 2018 la Medalla de la ADE.

ESTUDIOS INTERTEXTUALES

Esta obra está escrita a finales de 2001 con destino al dúo Uriarte-Mrongovius. La idea era componer una serie de piezas para dos pianos que cada una de ella tratara aspectos particulares de las características de este tipo de dúo un poco a modo de estudios. También basar todas las piezas en comentarios sobre músicas o aspectos de músicas preexistentes de cualquier tipo. El conjunto debía ser variado, virtuoso y muy a menudo irónico o suavemente humorístico. Aunque fueron planeadas una decena de piezas, al final quedaron sólo seis para obtener una mayor plenitud formal ya que lo deseable es que la obra se toque como un todo y por su orden, aunque es posible tocar una o varias piezas sueltas.

La primera pieza es Gong y trata de las resonancias pianísticas y los armónicos por ella evocados desde las profundidades del teclado con una sonoridad que hace referencia al tipo de instrumentos que el título evoca. La segunda, Tricotosa barroca, se refiere a la motricidad, a menudo mecánica, de muchas piezas barrocas. Se basa en elementos de Bach, Scarlatti y Soler y también en uno de Albéniz. La tercera, Flores de hielo, es una pieza estrictamente dodecafónica que se basa tanto en el segundo movimiento del Konzert op.24 de Anton Webern como en la serie simétrica que emplea que aquí es usada simultáneamente de cuatro maneras diferentes para cada una de sus cuatro formas básicas (directa, inversa, retrogradada e inversión retrogradada. Slendro hace alusión a un tipo de escala de cinco notas usada en la música tradicional Indonesia. Evidentemente la obra trata a su manera una escala de ese tipo. Peces de plomo hace alusión a muchos tics del piano impresionista glosando algunos aspectos “acuáticos” de la obra de Debussy y Ravel. Finalmente, Raganella sommersa (carraca sumergida) se basa en las distintas velocidades de repetición y en un martilleo que glosa la famosa campanella lisztiana.  La obra pretende cruzar distintos textos musicales, adentrarse en ellos y transformarlos desde el propio punto de vista compositivo. Está concebida para dos pianos, pero los números 3 y 4 pueden hacerse a piano a cuatro manos.

T.M.

JOSÉ LUIS TURINA

Nace en Madrid en 1952. Realiza sus estudios de composición en Madrid y Roma, obteniendo en 1981 el primer premio en el Concurso Internacional de Composición "Centenario de la Orquesta del Conservatorio de Valencia" por la obra "Punto de encuentro", y en 1986 el Premio Internacional de Composición Musical "Reina Sofía", de la Fundación Ferrer Salat, por la obra "Ocnos (Música para orquesta sobre poemas de Luis Cernuda)". En 1996 recibe el Premio Nacional de Música del Ministerio de Cultura. Ha sido profesor de Armonía en los conservatorios de Cuenca y Madrid, así como de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Su catálogo está integrado por obras tanto escénicas y sinfónicas como camerísticas, vocales, corales y para instrumentos a solo, así como por un extenso apartado de carácter pedagógico. Desde febrero de 2001 y hasta su jubilación en febrero de 2020 ocupa el cargo de Director artístico de la Joven Orquesta Nacional de España.